ANIMALES NOCTURNOS.

Absorbente y cautivador film esta segunda obra de Tom Ford (ex director creativo de Gucci e Yves Saint Laurent), dura, cruda, áspera, pero ante todo magnética y turbadora, el guión del propio director adapta el best-seller “Tony and Susan” (1993, traducido en España como “Tres noches”) de Austin Wright, edificando un entramado de subhistorias que no te dejaran indiferente, mezclando con ingenio realidad y ficción, en varios niveles que en una subyugante miscelánea se retroalimentan, en lo que es una penetrante narración de metaficción, en lo que es una incisiva reflexión sobre el proceso creativo, sobre el amor verdadero, sobre la superficialidad de las riquezas, sobre la venganza, sobre el dolor, ello en marco de emociones desatadas, con notorias reminiscencias al cine de David Lynch. Se convierte el metraje en un rompecabezas de sentimientos encontrados, donde lo imprevisible es la nota predominante, llegando a sentirnos como Susan con el libro atrapados en sus malsanas y pesadillescas redes.

 Susan Morrow (Amy Adams) es una acaudalada galerista de arte en Los Ángeles, casada con el apuesto Hutton  (Armie Hammer), Susan tiene por madre a la snob y dominante Anne Sutton (Laura Linney). Una tarde le llega un paquete y en su interior se halla “Animales nocturnos”, una novela aún sin publicar escrita por Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal), su primer marido al que hace diecinueve años que abandonó, y que le ha dedicado la obra. En la soledad nocturna de su cuarto, mientras su marido viaja, comienza la absorbente lectura. El libro cuenta una desgarradora historia de violencia y drama familiar, un joven padre Tony Hastings (Gyllenhaal) es atacado junto a su esposa Laura (Isla Fisher) y su hija India (Ellie Bamber), en una solitaria carretera por un grupo de camorristas (Ray Marcus, Lou, y Turk), que secuestran a su mujer y retoña, dejando impactado a Tony, tendrá importancia en esta subtrama el agente de policía Bobby Andes (Michael Shannon).

Una obra envuelta en una profunda melancolía que se te mete en la piel gradualmente, una singular odisea existencial por la que transitarán meta-textualmente las ocasiones perdidas, los fantasmas del pasado, la frustración, el sacrificio, el amor puro, el desamor, la traición, los recuerdos, el sentido de la culpa, la venganza, todo colocado sobre una telaraña donde se dan cita el presente, la ficción y el pasado, realizando un ejercicio (del que sale victorioso) de malabarista visual al ir mezclando personajes de unos niveles en otros. Todo esto ayudado por una labor estética muy marcada (apabullante) que nos hablan de un realizador intuitivo y con enormes dotes para la comunicación cognitiva. Recurriendo al sentido alegórico-visual, una historia que nos habla de cómo la integridad personal está reñida con la ambición y la codicia, que la nobleza puede estar asociada  (retorcidamente) a la debilidad, que el soñar nos hace frágiles y volubles, que es mejor ser práctico.

Un relato que deconstruye con bisturí envenenado el vacío de las clases altas, su huera pompa, su hipocresía, ataca el mundo de las falsas apariencias, el microcosmos (que tan bien conoce Tom Ford) de las modas y el (supuesto) arte, ausculta la soledad metafísica, arremete contra el fatuo universo de lujo y decadencia moral en que vive la protagonista, una sociedad instalada en lo vano, en lo plúmbeo, para ello es impresionante su brillante arranque de una perfomance, una danza de mujeres orondas desnudas danzando cuasi-hipnóticamente, al final vemos que todas estas mujeres están en una galería de arte, en las paredes proyectadas en pantallas y físicamente ellas tumbadas sobre mesas, mientras un grupo de snobs elegantes las observan con curiosidad. Todo ello no hace más que hacer lucir sus inseguridades y su ataraxia emocional, en un desarrollo en un increscendo dramático llevado de modo formidable, impregnado de de tensión e intensidad profunda, con personajes maravillosamente construidos, diálogos punzantes, con creación de situaciones que te remueven, con dosis de intriga que producen zozobra (la estremecedora escena del secuestro de Laura e India), de cómo el relato literario va socavando a la protagonista la va cercenando y angustiando por la empatía sentimental que establece con lo que lee, y a través de estas páginas el mundo de papel en el que vive se va colapsando, va quedando desnudo, el sentido de la culpa y remordimiento la oprime, todo enlazado trémulamente por los paralelismos entre lo que ocurre (brutal y salvajemente) en el libro físicamente y lo que ella ve que hizo emocionalmente a Edward,  provocándole una pesadilla inquietante.

Thriller psicológico apasionante que se enredará en el subconsciente, con una estructura singular que bien parece un juego de matrioskas en donde una venganza es perpetrada sobre otro venganza (o no), obra compleja y revestida una ambigüedad que te imanta (spoiler). Entiendo que nos es una cinta para todos los paladares, pero si entras en ella te encontraras ante un metraje con múltiples sublecturas, un material vivo, de la que seguramente ganará en el tercer visionado (y no digo segundo, pues te nivel ya lo he superado), de las que te dejará pensando, atomizado esto por su final desconcertante y desolador, abierto a interpretaciones varias, y que incluso puede dar un sentido diferente a lo visto. El film juega con los géneros cual trilero, combinando drama, thriller, suspense, terror, policiaco, y todo enfocado de modo equilibrado, con mucho mimo por el detalle.

Hay dos escenarios diferenciados y contrapuestos: La realidad (subdividida entre presente y pasado), un microcosmos urbanita hueco, decadente, frívolo, burgués, donde la gente va vestida y peinada de modo vanguardista, aséptico, con decoración aparatosa, todo huele a artificioso y falso, como las relaciones entre los personajes; Y está el de la novela, un paisaje de western, sucio, mugriento, sudoroso, caluroso, feista, de amplios desiertos solitarios, sintiéndose este más real, más auténtico, las relaciones más viscerales e impulsivas, en definitiva, más humanas, sentimos la fragilidad de nuestra “civilización”, con lo que a cada situación impactante que sufre el protagonista más hiere (por la metáfora que el escritor ha dado) a la lectora protagonista por la sensación agria que le produce, pues creará una empatía con el dolor que indujo en su ex, induciéndole insatisfacción y desencanto.; Estas dos vertientes paralelas sirven para mostrarnos por un lado la burbuja hedonista en la que vive esta élite, aislados del mundo de la calle, esto en antagonismo con el relato novelesco enmarcado en la América profunda, donde se respira violencia primaria, lo que es un “guantazo” a esa fatua alta sociedad.

Como defecto cabe achacarle que en su reparto de tiempo dedica demasiado a la ficción del libro, cuando esta trama es lineal y solo una muleta para mostrar el dolor de Edward a Susan, se echa más en falta más introspección de ella en el pasado o en el presente. Susan es un personaje rico en matices y aristas del que se debiera haber dado más cancha con su complejidad intrínseca, las dudas e inseguridades en las que vive.

Amy Adams vuelve a demostrar que es una de las grandes actrices actuales, encarna con pasión a la infeliz Susan, la dota de fragilidad, de aristas, de tristeza, de soledad entre la multitud, brillante como sabe emitir toda una gama de emociones contenidas que te tocan la fibra. Jake Gyllenhaal en  la complicada tarea de hacer un doble papel, y lo hace de modo sensible, imprimiendo angustia, ternura, dolor, desesperación, abatimiento, frustración, y al final ira, sublime interpretación cargada de estremecimiento. Michael Shannon impregna a su rol de texano de vigoroso carisma, con un lenguaje físico soberbio, emitiendo un fuerte carácter y una gran autosuficiencia, buenísimo. Laura Linney en una sola escena consigue dejar una huella gloriosa, dura, clasista, snob, y dejando una frase para el recuerdo “Todas acabamos convirtiéndonos en nuestras madres”. Aaron Taylor-Johnson deslumbra en su rol de sociópata, hace suya la maldad atávica del personaje, sobresaliente. Armie Hammer aprovecha su poca expresividad en un rol que lo que requiere es eso, gelidez y hieratismo. Michael Sheen  en un pequeño papel se nota haber disfrutado con su extrovertido Carlos, el amigo gay (pero casado con una mujer) de Susan.

La puesta en escena es propia de un sibarita, una maravilla en la dualidad de ambientes contrastados, con un excelente diseño de producción de Shane Valentino (“Batman Begins” o “Straight outta compton”), rodándose en California (Los Ángeles y en el desierto Mojave), recreando con enorme gusto estético el mundo insustancial de Susan frente al sucio y polvoriento de la ficción, destacando el gran diseño de vestuario de Arianne Phillips (“El tren de las 3:10” o “Kingsman”), que aumenta la sensación frívola de esta élite snob, mezclando con tino estos diferentes niveles de historias, sobre todo gracias a la magnífica edición de Joan Sobel (“Kill Bill” o “Un hombre soltero”), que crea comprensión para no crear confusión, haciendo brotar fluidas transiciones visuales, esto apoyado en la bidimensional fotografía de Seamus McGarvey (“Expiación” o “Los vengadores”), dando desiguales patinados a los niveles (con lo que ayuda a distinguir), en el presente se da un patinado de cromatismos fríos, la ficción del libro en tonos rojos (el más presente simbolizando la pasión y la violencia), verdes y amarillentos macilentos, y la del pasado en un patinado más claro, de muchos blancos y suaves grises, con planos excelsamente cuidados en composiciones que provocan al espectador, jugando con los claroscuros, con la luz tenue, con electrizantes primeros planos ultraexpresivos, sacando lo mejor de las actuaciones. Y todo adornado por epicúrea música del polaco Abel Korzeniowski (“Un hombre soltero” o “Penny Dreadful”), de los que estremece y conmueve en sus sonidos de melodías intrigantes y perturbadoras, con profusión de sonidos de cuerdas, con un tema principal que abre y cierra el film de modo estremecedor, con efluvios a la epicúrea que compuso John Barry para “Fuego en el cuerpo” (1981, la escucho mientras escribo), primero como se ajusta a los acompasados movimientos de las carnes de las orondas bailarinas, y al final apegándose al rostro compungido de Susan, espléndido.

Spoiler:

El film se destapa como una obra viva, me refiero a que hay espectadores que han podido encontrar subliminalmente significados ocultos tras lo tangible, algo muy al estilo del David Lynch de “Carretera Perdida” o “Mullholland Drive: Se puede entender que Edward comienza a escribir su venganza en modo libro (“Nocturnal animals”) cuando descubre a su esposa Susan con su  amante Hutton cuando salen de una clínica abortiva, la hija (India) que imagina en la novela sería la que habría tenido con Susan, con lo que Tony es el alter ego de Edward, y lo que le sucede con los “macarras” viene a ser el tormento y dolor que él sintió cuando ella lo abandonó, como sintió la muerte de las dos del modo más salvaje y violento, sintiéndose desesperado y desesperanzado con el mundo. Bobby Andes vendría a ser el alter ego valiente y vengativo de Edward. Con la muerte de él considera que su “yo débil”, como ella lo definía había muerto, y su lado duro afloró, es por ello que él se venga de ella no rebajándose a perdonarla, que es lo que se consideraría si hubiera acudido a la cita. 

Hay otra teoría más rebuscada pero a mi entender puede no estar desencaminada: Susan es una mujer que está infelizmente casada, padece insomnio. Con lo que puede tener algún trastorno mental, acentuado esto al descubrir (sutilmente) que su fatuo marido le es infiel (cosa que ya sospechaba). Este coctel puede hacer pensar que el libro realmente no existe y que es producto de su alterado subconsciente, que su psique con remordimientos por lo que le hizo a Edward, que si que la amaba, materializa subliminalmente las páginas de este manuscrito y se imagina alegóricamente lo que sintió Edward y como al final por ella el murió (su corazón). Susan está trastornada por detalles como que visualice un cuadro donde pone “Revenge” (Venganza) y ella no recuerde haberlo comparado para la galería, o es que no existe y ella cree estar allí viéndolo, como lo que sigue cuando una ayudante le deja su móvil para ver a su retoño y la mente perturbada de Susan ve a uno de los macarras del libro, reitero que puede que este tramo solo aconteciera en la mente de la protagonista acuciada por los sentimientos de culpa. Incluso esa llamada a la hija puede ser mentira y una creación mental, pues al verla desnuda y bella puede ser una idealización de la hija que ella querría. Con lo que cuando Susan queda con Edward en un restaurante a cenar puede que en realidad no haya quedado y sea su mente (de nuevo) la que se auto-perpetre un una salida digna vengativa a su ex para sentirse (quizás) ella mejor; Seguro hay más teorías y lo bueno es que Tom Ford no da respuestas.

Momentos recordables, alguno ya mencionado: El lisérgico inicio con un encadenado de imágenes desconcertantes, frente a una cortina de terciopelo rojo (guiño Lynchiano), mujeres orondas de carnes flácidas y desnudas, con labios rojo purpurina, con adornos de majorettes, con sus michelines colgantes, danzando mórbidamente en slow, un montaje hipnótico que se mimetiza con la música creando un momento absorbente en su nivel grotesco y bizarro, entonces saltamos a ver que estamos en una galería de arte en medio de una exposición de arte (perfomance) moderno, torpedo nuclear contra los snob que alaban como arte lo que sea;  El desgarrador por lo crudo y realista del secuestro de la mujer e hija de Tony Hastings, el terror se siente palpa, atomizándose cuando vemos desde la perspectiva de Tony como se las llevan gritando en el coche, el espectador siente lo que les ocurrirá y nos cala mientras padecemos la desesperación de él, todo este pavor se siente en elipsis, fundiéndose en realidad cuando descubren muertas de un modo lírico escalofriante a las dos desnudas abrazadas sobre un sofá tirado en medio del campo; Cuando Susan acaba de salir del aborto y está con Hutton en el coche y ella descubre que afuera bajo la lluvia le mira un estremecido Edward; La brillante escena en que aparece la madre de Susan, apoteósica Laura Linney en su clasismo y el desdén con el que juzga a su hija; Cuando al final queda con Edward para cena r en un restaurante, se viste y maquilla, pero se mira al espejo y no le gusta lo que ve y se limpia los labios pintados, genial alegoría de transformación; Esos eternos segundos para nosotros de ver a Susan esperando sin que nadie llegue, sus ojos nos punzan en su tristeza, excelso final.

En conjunto una muy grata sorpresa, uno de los mejores y turbadores films de este año. Fuerza y honor!!!