HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE.

Después de diez años sin dirigir eran altas mis expectativas, teniendo puestas muchas esperanzas en esta quinta realización de Mel Gibson, y es que sus dos anteriores films, “La Pasión de Cristo” (2.004) y sobre todo “Apocalypto” (2.006) me habían maravillado por la fuerza emocional de la primera y la segunda por ser una de las mejores cintas de aventuras jamás realizadas, pero mi gozo en un pozo, este biopic se convierte en una especie de retorcida homilía cristiana sobre los parabienes del antibelicismo, y es que su (creo) mensaje pacifista resulta atrofiado por el modo torpón de presentarlo. Asimismo todo en ella me parece un deja vú de situaciones ya vistas un refrito entre “El sargento York”, “La Pasión de Cristo” y “La chaqueta metálica”, donde en su primera parte abusa del azúcar destemplado, siendo nulla en saber contarnos el porqué del pacifismo de Doss, y en la segunda, cuando se desata la guerra quedan unas situaciones exageradas (cuando no ridículas), pasadas de vueltas, muy mal expuesta las batallas, no faltan medios, ni sangre, ni vísceras, ni desmembramientos, pero todo desarrollado de modo que no sientes nada, pues los personajes son meros clichés con patas, con una evolución de con más agujeros que un queso gruyere, tanta loa general al film me dan grima, como a su muy sobrevalorada “Braveheart”, otro biopic burdo y artificioso. La cinta cuenta la vida verdadera (pero narrada muy libremente)  de Desmond Doss, el primer estadounidense objetor de conciencia (miembro de la Iglesia Adventista del Séptimo Día que se negó a usar un arma en obtener la medalla de honor, por el servicio por encima y más allá del llamado del deber durante la batalla de Okinawa en 1945, uno de los tres únicos objetores en recibirla hasta hoy. El guión es de Andrew Knight (“El maestro del agua”) y Robert Schenkkan (“All the way”), basado en un documental sobre Doss, un idealista que se enroló en el ejército USA en 1942, poco después del ataque japonés a Pearl Harbor, siendo su idea intervenir en la guerra como paramédico. Me queda la suigeneris duda de por qué un tipo que no cree en las armas se alista en el ejército para estar en primera línea de batalla?

El escenario del principio es Lynchburg (Virginia-USA), donde el joven Desmond Doss (Darcy Bryce de chico, Andrew Gartfield de mayor) crece junto a su hermano menor Hal (Roman Guerriero de chico, Nathaniel Buholic de mayor), lo hace con un padre, Tom (Hugo Weaving), veterano de la Gran Guerra atormentado por lo vivido en la contienda, siendo la madre una comprensiva y religiosa Bertha (Rachel Griffiths). Años más tarde conoce a la joven enfermera Dorothy Schutte (Teresa Palmer) de la que se enamora, cuando se produce el ataque japonés a Pearl Harbor decide alistarse en el ejército pero siguiendo sus principios religiosos no quiere tocar un arma, chocando en la instrucción en Fort Jackson (Carolina del Sur) con los mandos militares, entre los que están el sargento Howell (Vince Vaughn) y el capitán Glover (Sam Worthington).

Es una cinta que rezuma las obsesión de Mel Gibson por el sufrimiento humano visualizado a través del horror de la violencia , por mostrar el dolor, la sangre, descuartizamientos, su lado gore (masoquista) como forma de expresar una alegoría del sufrimiento existencial, el espiritual-religioso paralelo al físico, algo ya demostrado en toda su filmografía “El hombre sin rostro” (el rostro desfigurado por un incendio del protagonista), “Bravehart” (las sanguinarias batallas, la tortura a William Wallace...), “La Pasión de Cristo” (todo el Calvario de Jesucristo), “Apocalypto” (la crudeza de un mundo atávico), y ahora esta, donde en Hacksaw Ridge Gibson se viene arriba exponiendo con todo detalle todo un repertorio de muertes y lesiones, desde mutilaciones, cuerpos explotando, personas ardiendo, y más. Y todo esto asociándolo a una vertiente mística, la creencia en que el sufrimiento y martirologio nos puede acercar a Dios, la Fe como motor de la vida (y de la muerte), hecho para que quede constancia de esta idea teológica la cinta arranca con una cita bíblica para empujarnos a sentirnos imbuidos de un halo religioso.

Historia partida en tres: En la primera conoceremos la adolescencia y juventud del protagonista, su azarosa relación con su violento y alcohólico padre, como conoce a su novia. Tramo liviano, esponjoso, maniqueo, donde debería quedar manifestada la conversión religiosa y por ende las motivaciones inquebrantables de Desmond, es todo confusión y destino (con postales religiosas chirriantes), aderezado por un romance plano y sin fuste alguno, adornado con postales ñoña, todo esto llega a provocar falt5a de ritmo; La segunda parte versa sobre el adiestramiento militar, de cómo Desmond y sus convicciones morales chocan frente al militarismo, frente a la incomprensión general, tildando de cobardía su anti-armas, siendo el zenit el juicio militar. Este tramo me resulta muy ajado, previsible, manido, los del sargento cruento que veja a sus reclutas queda ya muy visto, y sin aportar un mínimo de frescura, oliéndome a rancio; Y llegamos al bloque bélico, aquí esperaba que la simpleza y superficialidad del metraje hasta entonces quedara laminada por una épica bien gestada. Me equivoqué, pues todo me parece tan acartonado, tan prefabricado, manufacturado, nada creíble, ya desde el modo en que suben la escala y no hay japos arriba disparándoles. Llegamos a la feroz batalla y me digo que aquí llegará lo bueno, muy entonces las situaciones bochornosas se suceden y amontonan, donde el realismo no ha sido convocado, ejemplo es ver al sargento chusquero en plan Terminator cogiendo a un muerto como escudo y avanzar de modo risible, con lo que la intensidad dramática requerida queda extirpada, si vemos el caos y muerte, cabezas estallando, hemoglobina a borbotones, disparos a tutiplén, explosiones, pero no siento empatía por los guerreros, no hay conexión alguna, me deja frío.

Aunque a priori pudiera parecer sobre la sinopsis una cinta antibélica y pacifista, esto queda oscurecido por otra idea, la del poder de la fe, el poder amparador de la llamada a Dios, el espíritu de sacrificio por los tuyos, la redención como única vía (todos los personajes tienen su momento), la valentía a través de salvar y no matar, poniendo más el foco Gibson en la mencionada sólida fe que en hacer un alegato anti-guerras, con lo que su mensaje queda bastante contradictorio y difuso. Quedando la cinta más como un homenaje a un héroe singular, donde el esperado alegato sobre el Infierno bélico queda trivial por el modo de exponerla, un carrusel aturullado de imágenes gore que no te mueven a sensación alguna, más que nada porque no se respira veracidad. A esto se suma que su mensaje buenista de fe queda torpedeado por el modo burdo en ser visto los soldados japoneses, meras alimañas a las que exterminar sin remisión, ellos no son hijos del Dios de Desmond (ataque de ironía), hubiera faltado dar dimensión a los nipones para su mensaje haber tenido matices y no resultar tan simplista e infantiloide, de buenos y malos, donde lo gris es solo parte de la fotografía no de este microuniverso. El colmo es el plano final (spoiler) que no hace más que remarcar que el film es propaganda ultrareligiosa. No suma un protagonista siempre con cara de felicidad perpetua, que no parece padecer (solo una vez se rebela) ante su calvario, siempre con una media sonrisa, un personaje con el nunca empatizas, te da igual lo que le pase, principalmente porque su comportamiento es muy lineal, no tiene tridimensión, ni matices, nunca tiene dilemas, no tiene dudas, más plano que una mesa. Hay más desatinos (spoiler) que embarran un relato que teniendo potencial se queda en un panfleto pseudo-religioso.

Andrew Lincoln por mucho que esté nominado por su interpretación me resulta cargante su rostro de perpetua felicidad, imperturbable gesto risueño ante todo lo que sufre, no empatizo medio segundo con él. Hugo Weaving si sabe emitir personalidad, matices y mundo interior. Rachel Griffiths cumple con un rol blandito. Aunque para blandito el de Teresa Palmer, y es que la belleza no está ligada a la calidad en la actuación, prueba viviente ella. Vince Vaughn  resulta una caricatura imposible de creer. Sam Worthington demuestra que haber protagonizado el film más taquillero de la historia (“Avatar”) no es sinónimo de buen actor, tenue y sin personalidad.

La puesta en escena resulta buena, con un excelente diseño de producción de Barry Robinson (“Lobezno”), rodándose íntegramente en Australia (recreándose allí los lares USA como Lynchburg y Fort Jackson, así como Okinawa, ello en nueva Gales del Sur), ello potenciado por la notable fotografía de Simon Duggan de (“El gran Gatsby”), que exalta la belleza bucólica de las supuestas montañas de Virginia, pero sobre todo se crece en las escenas bélicas, envolviendo en inquietantes brumas la acción, con un hábil patinado grisáceo, con ágil cámara en mano para dar sensación documental, otorgando ritmo y crudeza, lástima que esté al servicio de un relato tan tosco. El score es obra de Rupert Gregson-Williams (“Hotel Rwanda”), siendo sobreutilizada, como queriendo empujarte a emocionarte, ejemplo es el modo en que se usa la música de violines para los momentos cuasi-místicos, siendo la música de las que no deja huella.

Spoiler:

Que cursilada lo de Desmond yendo a enamorar a Dorothy con aquello de pedirle de vuelta su sangre donada (puaj!!!); Penoso el modo de transcurrir el consejo de guerra, con un clímax manoseado de llegar en el último momento el documento que libra a Desmond de la condena; No puede ser la licencia que se toman en el guión de hacernos creer que Desmond descendió a 75 heridos por el acantilado en un día cuando realmente lo hizo en 3 semanas, es una falta de respeto a la inteligencia, un insulto a la realidad, una licencia que no aguanta un mínimo análisis, en su afán de convertirlo en un cuasi-Mesías a Gibson se le va la mano; Por no hablar de lo tramposos que son en la historia real, pues se nos hace creer que el primer acto en el campo de batalla de Doss es en Okinawa, y es que la película no menciona su servicio de combate antes en la Batalla de Guam y la de Leyte;   Y es que no te puedes creer que tras huir el ejército estadounidense solo quedan sanos arriba los japoneses, pues bien, estos no cortan la escala, increíble; Desmond hay que creerse que se mueve todo un día bajando heridos el solo mientras los japos silban “El puente sobre el rio Kwai”, venga ya!; Desmond baja los heridos que los sanitarios abajo trasladan a hospitales de campaña, y mientras ningún mando se entera de tal heroicidad, y con ello mandar gente a ayudarlo, menudos zoquetes despreocupados los oficiales; Lo de Desmond huyendo del campo de batalla arrastrando al sargento Howell con una manta, mientras este repele malherido a decenas de japos que les acosan disparándolos, es de película mala de ciencia ficción, resta toda intensidad, encima tenemos que asistir a un momento de pretendida épica, y que me produce vergüenza (aún más), y es cuando mientras les siguen baleando los nipones, Desmond es capaz de bajar a Howell por el tajo, y cuando él se lanza los malos se asoman a matarlo y se abre el plano y abajo decenas de soldados USA disparan al unísono a los malos de arriba, todo manufacturado, hecho de un molde mil veces visto pero peor; El momento en que llaman al capitán Glover para preguntarle por que no suben a Hacksaw Ridge y este responde que están esperando a que Desmond rece, es vomitivo; No contentos con tanta impostura tenemos que asistir a más momentos estridentes que se acumulan cual tsunami, como la cámara lenta de los japos que parecen entregarse y en realidad se autoinmolan con granadas, o el bochornoso momento en que Desmond protege a los “suyos” contra las granadas nada menos que a puntapié, cual Pelé, sonrojante, pero esto no es el sumun (de lo vergonzante), esto se reserva a la imagen salida de un cuadro religioso de Desmond descendiendo la colina en una camilla-tirolina y quedando suspendida para el plano del contrapicado en que parece Desmond cuasi-crucificado y los rayos (divinos) del sol filtrándose, tanta azúcar me provoca demasiada caries.

Desmond Doss jr.

Después de la guerra, Doss rechazó muchas peticiones de libros y películas, porque él tenía cuidado de que su vida, experiencias de guerra, y sus creencias adventistas del séptimo día fueran reseñadas de manera incorrecta o sensacionalista. El hijo único de Doss, Desmond Doss Jr., declaró "La razón por la que no quiso es que ninguno de ellos se adhirieron a su un requisito: Que sea exacta y me resulta notable, el nivel de precisión en la adhesión al director de la historia en esta película". El productor David Permut afirmó que tomaron gran cuidado en el mantenimiento de la integridad de la historia como Doss era muy religioso.

En conjunto me queda una pretenciosa cinta que dista mucho de cumplir las expectativas puestas en ella, y es que parece que Gibson puede tapar las muchas carencias del guión con actos de fe  religiosa y litros de sangre. Seguro que Desmond merecía un tributo, pero no este. Fuerza y honor!!!

DELITOS Y FALTAS.

Notable film del “gafotas” neoyorkino, un incisivo drama dirigido, escrito y co-protagonizada por Woody Allen, nos adentra en una especie de fábula moral en que introspecciona con bisturí afilado los sentimientos de culpa, los principios morales, los códigos éticos que nos auto-imponemos desde nuestra educación judeo-cristiana, ello con un marcado toque existencialista, donde los límites entre el bien y el mal parecen difusos, donde la justicia y lo correcto son entes confusos y relativizados. Todo narrado en modo dual, en ello denota cierto desequilibrio, pues la historia que protagoniza Allen se nota algo superficial, solo rota esta por la compleja aparición del pseudo-Primo Levi. La cinta fue nominada a tres Oscar; Mejro director (Allen), Mejor Guión Original (Allen) y para Actor de Reparto (Martin Landau). No faltan las notas intelectuales-artísticas propias de WA, dándose cita de una u otra forma músicos clásicos como Bach o Schubert, escritores como Shakespeare, Joyce, Chejov o García Márquez, o referencias cinéfilas a "Cantando bajo la lluvia", "El cuervo", "Matrimonio original", o "La chinoise".

La historia tiene como escenario Nueva York, hay dos personajes principales: Judá Rosenthal (Martin Landau), exitoso oftalmólogo , y Clifford Stern (Woody Allen), un idealista y poco exitoso director de documentales; Judá, es hombre de familia respetable, está teniendo una aventura con una azafata de vuelo, Dolores Paley (Anjelica Huston), ella desea que Judá ponga fin a su matrimonio para está con ella, con lo que pone al oftalmólogo en un cruento dilema. Tiene en un rabino, Ben (Sam Waterston), paciente suyo que está perdiendo la vista a un consejero. En esta trama tendrá importancia el hermano de Judah, Jack (Jerry Orbach); Por otro lado Clifford está infelizmente casado con Wendy (Joanna Gleason), siendo contratado por el hermano de ella para hacer un documental del pomposo y arrogante cuñado Lester (Alan Alda), productor de éxito de televisión, Clifford se siente contrariado por el petulante Lester. Durante el rodaje conoce a la productora asociada Halley Reed (Mia Farrow), a la que muestra lo que verdaderamente le atare, como es el trabajo que está haciendo sobre el Prof. Louis Levy (psicólogo Martin S. Bergmann), un filósofo de renombre. 

Allen en el inteligente, mordaz y cínico guión hace una notable miscelánea entre religión, amor, la muerte, adulterio, fe, nihilismo, los fuertes lazos familiares, la conciencia del individuo, sentido de culpa, búsqueda de la dignidad, el sentido de la vida,  ello en el marco de la sociedad media-alta de Nueva York que tanto le gusta retratar de modo caustico a Woody Allen, poniendo contra el paredón su superficial modo de vida, su decadencia moral, sus caprichos, su hipocresía, todo esto lo hace regando de magníficos y jugosos diálogos el metraje, con situaciones formidablemente y edificada,

Es una cinta de las que te hace reflexionar sobre el dilema moral de si una persona (normal, no psicópatas) puede continuar su vida tranquilamente sabiendo que ha cometido (o lo ha inducido por acción u omisión) un asesinato, idea parecida a la del escritor ruso Fiódor Dostoievski en su famosa obra “Crimen y castigo” (1866), algo con lo que Allen jugó en dos de sus films posteriores “Match Point” (2005) y “El sueño de Casandra” (2007) , especulando en modo existencialista sobre los sentimientos de culpa, especulando y haciéndonos sentir partícipes sobre lo frágil de nuestros principios éticos cimentados en nuestra educación judeo-cristiana,  lo hace con algunos toques brillantes de humor (la parte reservada a Cliff), pero aún así con un tono pesimista hacia nuestro mundo, mostrándonos lo paradójico y contradictorias que son nuestras enseñanzas, enfrentando el sentido dogmático de la religión (en este caso la judía) contra el nihilismo (inherente a las mentalidades agnósticas, anarquistas y comunistas), hace una deconstrucción escalofriante de lo que es creer en Dios, pues de este modo nos sentimos reconfortados y consolados (de modo condescendiente) de un modo cuasi de karma budista, pues si eres malo te castigará el Todopoderoso cuando mueras, y si eres bueno iras al Paraíso, pero y si Dios no existe? Los múltiples culpables de actos que han quedado impunes en vida, tampoco serán castigados tras su muerte (ejemplo que se pone con los genocidas nazis)? Así que es más cómodo pensar en Dios, pues si no nuestro mundo sería el caos, es por ello significativa la aseveración que hace un personaje “Prefiere a Dios antes que a la verdad”, muy en consonancia con el acto de fe que es la religión.

La cinta avanza con dos tramas en paralelo: La fuerte y que tiene el jugo es la de Judah, la que entra la metafísica de nuestro volátil y complejo universo de valores que nos autoimponemos (desde nuestra educación), la que nos habla "Cómo he podido llegar a esto?" (Judah), y a través de haber caído en su bajos instintos, en su lujuria, en romper con la monotonía hogareña, el protagonista se ve envuelto en una tormenta de estremecimientos que le hacen replantearse su vida, las decisiones que tome le serán una losa aplastante para su conciencia y su sentido de la culpa tan judeo-cristiano sentimiento, analizando como nos tomamos a la muerte y como discurrimos sobre que hay más allá, sobre el pecado frente a la justicia, sobre el peso de los recuerdos (clarificadores y aleccionadores los flash-back idealizados de Judah), la justicia divina frente al nihilismo, la certeza frente a la duda, planteando cuestiones y no dando respuestas, y es que Allen no juzga, trata al espectador como adulto para tome su propia perspectiva moldeable según (probablemente) haya sido educado, todo narrado con pulso pétreo, con densidad y atractivo filosófico; Y está la trama de Cliff, más liviana, más enfocada al humor caustico, irónica, con buenos puntos de humor, caricaturizando a los pedantes productores de televisión (y por ende de cine), solo se libra de este tono comedia (cínica) cuando aparece en escena Louis Levy (un remedo de Primo Levy), personaje que aprovecha Allen para dar algo de fondo dramático y complejidad a su algo plano rol. Y es que en la suma de las dos historia sale perdiendo la suya, no mezclan bien, quizás la de Judah sola hubiera sido más sólida, aunque quizás (valga la redundancia)  Allen creyó que era demasiado seca y adusta y había que darle algo de desengrasante humor para hacerla más llevadera, algo que ya utilizó también en “Hannah y sus hermanas” (1986).

Es crucial en el film la importancia alegórica que se da a la vista, a los ojos como medio de transmisión entre este mundo y el (posible) más allá, ello ya marcado desde que el protagonista Judah es oftalmólogo, este trata a un rabino (figura religiosa), Ben, de un  problema que le está dejando ciego, seguramente una alegoría de cómo la fe se puede quedar sin luz, sin respuestas satisfactorias. Judah al enterarse que el asesinato de su amante se ha consumado (por orden suya) es lavarse los ojos, alegoría de donde se puede concentrar la culpa, luego este acude al apartamento de ella (morbosamente) a verla asesinada, y la cámara arranca en los ojos impactados del oculista y se desliza suavemente por la muerta hasta acabar el plano en los ojos sin vida de Dolores, para volver la imagen a los ojos de Rosenthal, mientras de fondo recuerda al rabino en su infancia decir “Los ojos de Dios lo ven todo. No hay absolutamente nada que se le escape. Ve a los justos y a los pecadores”, remarcando el sentido de la vista como poseedor de una mística espiritual especial.

Martin Landau está sensacional en su complejo y contradictorio rol, sabe imprimir toda una trémula gama de emociones, haciéndonos empatizar con él, con sus dilemas morales, con su padecimiento, maravilloso como modula su mirada, su cuerpo, su voz, fenomenal actuación. Anjelica Huston demuestra la buena actriz que es, con un papel sin mucho profundidad, sabe dotarlo de fuerza vital, de energía, de cariño, excelente en sus duelos con Landau. Woody Allen cumple en su cliché de papel, lo baña de cinismo, y un toque de petulancia altanera que lo hace punzante y con aristas de creerse superior moralmente que lo hacen pelín desagradable. Mia Farrow está bien pero sin demasiada enjundia, le falta dimensión y fondo. Alan Alda borda con brillantez a su pedante productor, le empapa de sarcasmo, vanidad, altivez, poseyendo además una química extraordinaria con Allen, más ententes entre ellos  y menos Farrow habría elevado su trama. Sam Waterston da ternura y un gran sentido religioso a su papel de rabino.

La puesta en escena resulta estimable para la función de trasladarnos este incisivo drama, con un buen diseño de producción de Santo Loquasto (“Balas sobre Broadway”), rodándose en diferentes lugares de Nueva York (Central Park, la Quinta Avda., Greenwich Village, Park Avenue, Long Island, o el Waldorf-Astoria Hotel), todo esto potenciado por la fotografía del sueco Sven Nykvist (“Los comulgantes”), jugando puntualmente con los contraluces, los claroscuros, y todo en un patinado de tonos pastel. El score está compuesto por un repertorio de tamas al gusto alleniano, se oye a Cople Porter, Bach, Schubert, Irving Berlin o la banda de Xavier Cugat.

Spoiler:

Allen se inspiró en la trágica muerte del Primo Levy acaecida dos años antes (11/04/87). Levy era un químico judío italiano residente en Turín, durante la WWII fue capturado por los nazis y enviado al campo de exterminio de Auschwitz. Levy sobrevivió, y dedicó su vida a la ciencia y la filosofía, hasta que inesperadamente se suicidó Levi, se precipitó por el hueco de las escaleras de su edificio, desde el tercer piso en el que vivía. Algunas de las biografías publicadas con posterioridad explican este hecho como una consecuencia inevitable de las heridas abiertas de su estancia en Auschwitz, así como de los horrores que allí vivió, que se reflejan en su obra. Pero es un asunto controvertido, pues amigos cercanos, que hablaban a menudo con él, no previeron en ningún momento tal desenlace. Hay quienes argumentan que el método elegido para quitarse la vida quizá no fuera el más adecuado para alguien que posee conocimientos de química.

Momentos recordables: La charla familiar en recordada por Judah, confrontando las dos posturas entre el rabino y la profesora, siendo lapidaria la dogmática visión de entre Dios y verdad; La visión de la fe del rabino Ben “Yo no podría seguir viviendo si no creyese de verdad en una estructura moral con un verdadero significado, con capacidad de perdón y una especie de poder superior. Sin eso no hay una base que nos guie en la vida. Y te conozco lo suficiente para saber que en ti hay el germen de esa noción”; Cliff Stern, director de documentales sin éxito, al que ni su propia esposa tiene en consideración, Cliff “Recibí una mención especial en aquél festival de Cincinnati” y la hiriente respuesta de su mujer “Te aferras a eso? Todo el mundo recibió una mención especial”; Cuando Judah vuelve a la casa en la que vivió de adolescente (de clara influencia bergmaniana de “Fresas Salvajes”), visualizando a sus antepasados discutir sobre la base moral del ser humano y lo inevitable del castigo (humano o divino) a todo acto en contra de la ley; Cuando Cliff le muestra a Lester  la película que ha rodado sobre él, un delirante montaje; La clarificadora conversación final entre Rosenthal y Cliff, donde el primero con la excusa de contarle el argumento de una posible película: “descubre que no es castigado. Su vida ha vuelto a la normalidad. Puede que tenga malos momentos de vez en cuando, pero pasan. Y con el tiempo, todo se desvanece”, Cliff le responde que él hubiera hecho que el protagonista se entregase “porque así la historia adquiere proporciones trágicas” (como en “Crimen y castigo”) al asumir su cargo ante la ausencia de Dios, Rosenthal sentencia: “Pero esto es ficción. Pasa en las películas. Yo estoy hablando de la vida real”, Boom!; Epílogo, Allen cierra con las palabras del viejo profesor Levi acerca de la capacidad de elección del ser humano y de su búsqueda de la felicidad a través de las cosas más sencillas, paradójica, pues intenta insuflar esperanza, cuando lo contado en la cinta es lo contrario.

Frases para el mármol:

 

“La historia la escriben los vencedores”
“Somos la suma de las decisiones que hemos tomado a lo largo de nuestra vida”
"Comedia es igual a tragedia más tiempo"

Fascinante film de Woody Allen, de los que te hace pensar y generar auto-debates internos, sobre lo que somos y lo que nos hacemos pensar, lástima de la descompensación ya mencionada. Fuerza y honor!!!