EL GOLPE.

Un clásico del entretenimiento, un trepidante y divertido film de los que no te cansas de ver. George Roy Hill volvió a reunir cuatro años después de “Dos hombres y un destino” (1969) a probablemente los dos actores más famosos en ese momento, Paul Newman Y Robert Redford, y el resultado fue aún más tremendo en lo que a taquilla y premios se refiere. Lo curioso es que no estaba destinado el proyecto al binomio de estrellas, David S. Ward (“Un lugar llamado milagro”) escribió el guión pensando en dirigirlo él, tenía en mente para protagonizarla a Redford, el actor no estaba conforme a ser dirigido por un novato, accedió a participar si el director era otro con experiencia, entrando entonces George Roy Hill a ser el realizador, este quiso a Newman como Henry Gondorff en la película, pero Paul al leer el guión vio escaso su papel, además de rudo y áspera la personalidad del rol, pidiendo se revisará para darle más simpatía y peso en la trama, tras reescribirlo firmó. Fue la segunda cinta más taquillera del año, tras “El exorcista”, y de su éxito de crítica hablan sus 10 nominaciones a los Oscars, gana siete, Película, Director (George Roy Hill), Dirección artística (Henry Bumstead y James W Payne), Vestuario (Edith Head), Música (Marvin Hamlisch) y Montaje (William Reynolds), las tres no ganadas fueron Actor (Redford), Fotografía (Robert Surtees) y Sonido (Ronald Pierce y Robert R Bertrand). El guión está inspirado en hechos reales, los timadores fueron los hermanos Fred y Charley Gondorff, siendo documentados por David Maurer en su libro de 1940 "The Big Con: The Story Of The Confidence Man" (La Gran Estafa: La historia del Hombre de confianza). El título en original en inglés, “The sting”, se puede traducir como “el picotazo”, esto en el argot de los timadores se considera el final de la estafa, cuando ya se ha obtenido el botín de la víctima, y esta no se ha percatado de haber sido engañado.

La historia arranca en 1936, en plena Gran Depresión, estamos en Joliet (Illinois), allí un trío de timadores, el joven Johnny Hooker (Robert Redford), el veterano Luther Coleman (Robert Earl Jones), y Joe Erie (Jack kehoe), realizan un timo a un incauto, Mottola (James J Sloyan), le hurtan gracias a la avaricia de la víctima 11.000 $, el problema es que el botín pertenecía a un mafioso, Doyle Lonnegan (Robert Shaw), este no descansará hasta acabar con los timadores, ocurre un hecho traumático que hace que Johnny Hooker tenga que huir a Chicago, allí se reúne con un antiguo amigo de Luther, Henry Gondorff (Paul Newman), con el que idea un audaz plan para timarlo, aunque por el camino hallaran muchas complicaciones, entre ellas un corrupto teniente de la policía, William Snyder (Charles Durning), de Joliet que le persigue por haberle timado. En su plan tendrá mucha importancia Kid Twist (Harold Gould), uno de los organizadores y protagonistas en el gran golpe.

Es una trepidante cinta, con un dinamismo asombroso, en una alambicada historia de timos sobre timos, con una ambientación fabulosa, con giros de guión constantes que redundan en la imprevisibilidad, un sinuoso argumento, en la que la primera víctima (y a la vez beneficiado) es el espectador que asiste absorto a su tsunami de trampas jocosas, seremos un juguete manejado con brillantez por los continuos recursos de la narración, hacen que tengamos que pensar sobre la certidumbre de lo que vemos. Un thriller sugestivo que crea un universo idealizado de timadores, unos perdedores que sobreviven como pueden durante la Gran Depresión, engañando, estafando sin violencia, en juegos de apuestas clandestinos, enfrentados al mal representado por los gangsters, en este caso además el malo malísimo es un banquero (reflejo de los grandes males de nuestra sociedad), todo narrado con ritmo fluido, en un tono de humor desenfadado, donde los actos de violencia son obviados, con una construcción de personajes espléndido, con un desarrollo del relato en que vamos siguiendo con mimo los preparativos de “El golpe”, con diálogos rápidos, frescos, chistosos, desencadenando situaciones formidables, hasta desembocar en un final colosal donde las sorpresas aparecen en una especie de muñecas matrioskas. Nos habla el film sobre los juegos de apariencias, sobre la mentira, sobre la codicia, sobre la venganza, sobre la amistad, sobre el espíritu de supervivencia, sobre el mundo de los pícaros, enmarcado todo en una memorable buddy-movie.

Es en el apartado de buddy-movie donde está un poco desequilibrada, Reford se lleva una gran parte del protagonismo, es el que es perseguido, el que desea la venganza, es el que lleva el peso dramático, en detrimento de un Newman que tarda en aparecer, y que se atienen a ser un peón más en la maquinaria del timo, el más importante, pero un peón sin profundidad alguna, posee una tremenda compenetración con Redford, una gran ascendencia su personaje aleccionándolo, pero se echa en falta más equilibrio entre los dos y no esta descompensación. También, siendo meticulosos se le puede achacar que la muerte de Luther no encaja con el tono del relato, hace que se pueda desear no el timo a Lonnegan si no algo más sangrante, con lo que puede llegar a chirriar por el devenir del film. Asimismo es una cinta que una vez la has visto una vez y quedan destapadas las trampas pierde fuerza.

Aunque haya quien la tilde de comedia, no sería correcto, es una cinta con un aire divertido, pero no de gags humorísticos, ni de frases burlescas, es un film que te tiene durante su metraje con la mueca de sonrisa en la boca. De hecho es un relato al que se le podría haber dado otro enfoque y sería un drama sobre la venganza oscura, pero para dar este tono ligero la violencia es anulada, a Luther lo vemos ya muerto o de Mottola oímos que ha sido asesinado.

Robert Redford borda su rol de pícaro simpático, desbordando magnetismo, Don de gentes, consiguió su única nominación al Oscar por actor, compitiendo con un grupo sublime de intérpretes, Marlon Brando, Jack Nicholson, Al Pacino, y el que ganó, Jack Lemmon. Paul Newman con algo menos de presencia inunda la pantalla con su formidable carisma, un maestro de ceremonias fenomenal, un tipo que se las sabe todas, apoteósico durante la partida de póker. Y entre Newman y Redfor una química mítica, colosal, lo malo es que el guión hace que no estén mucho juntos en la acción, una pena no volvieran a coincidir en un film, aunque los dos si volvieron a trabajar con Roy Hill, aunque por separado, Newman en “El castañazo” y Redford en “El Carnaval de las Águilas”. Robert Shaw es probablemente el que deja más huella en la película, con una actuación sobresaliente, un villano con personalidad, sin caer en la caricatura, lo embiste de alma, de aire amenazador, de cinismo, de carácter, muy bueno, la cojera no era impuesta por el guión, era real, en una cancha deportiva en el Hotel Beverly Hill, una semana antes del inicio del rodaje se lesionó en los ligamentos de la rodilla, llevando bajo los pantalones anchos una pierna ortopédica durante la filmación, no fue nominado al Oscar por exigir salir su nombre antes del título del film, como Redford y Newman, lo que le hizo competir por protagonista.

La puesta en escena resulta brillante, con una recreación extraordinaria de los años treinta, ya desde el logo inicial de la Universal de la bola del mundo, el que utilizaba la compañía desde mitad 30 hasta finales de los 40, excelente dirección artística de Henry Bumstead (“Vértigo”, “Matar a un ruiseñor” o “Million Dollar Baby”), rodando en los Universal Studios, en Wheeling, Virginia Occidental, en el muelle de Santa Mónica, en Pasadena (California), y en Chicago en la Union Station, y en la antigua estación de la calle de LaSalle antes de su demolición, todo esto embellecido por la fenomenal fotografía de Robert Surtees (“Ben-Hur”, “El Graduado” o “La última película”), de patinado amarronado, con un cromatismo cercano al comic, fulgurante en su colorido, resaltando con viveza el tono divertido del film, se suma la excelsa labor en el diseño de vestuario de la más grande, Edith Head (36 nominaciones a los Oscars, con este trabajo obtuvo el octavo y último de su carrera), cuando recogió su Oscar dijo <Imagínense, vestir a los dos hombres más guapos del mundo y luego conseguir esto>. A todo esto se añade su Icónica música de piano en ragtime de Scott Joplin, con el pegadizo tema “The entertainer” (1902) siendo atomizado en la Historia del cine, adaptada las partituras por el oscarizado Marvin Hamlisch (“Toma el dinero y corre”, “Bananas” o “El prisionero de la segunda avenida”), creando un clima de vodevil fascinante alrededor de la pantalla,  no es música intrusiva, suena cuando no hay diálogo, en tomas largas de transición, en las que se escucha con placidez, melodías en armonía con el aire ligero y socarrón de la cinta, la música fue masacrada por algunos puristas críticos por su anacronismo, al ser compuesta realmente en la primera y segunda década del SXX, y suceder la acción en los 30, el tiempo ha dado la razón al director que la escogió. Curiosamente el guionista escribió lla historia escuchando blues, por ello Luther es negro y el protagonista encarnado por Redford lleva el nombre del famoso blues man John Lee Hooker, pero Roy Hill escuchó por casualidad los ragtime a piano de Scott Joplin,y decidió incorporarla a su obra. Hamslich añade un tema a violín propio original, “Little Girl”.

El director de modo ingenioso imprime un tono entre lo teatral y el comic, arranca con dos máscaras símbolo del teatro, la comedia y la tragedia, nos presenta a los actores uno a uno con sus rostros en el film, y con su nombre y personaje en la historia, y arranca el relato partido en diferentes actos (cual teatro) con carteles sobreimpresionados con un dibujo referente a lo que sucederá en él, en homenaje a las tiras cómicas del periódico  "The Saturday Evening Post" de la época, son hechos los intertítulos con este estilo, Roy Hill era aficionado a estas tiras en las que contaban una historia en unas pocas viñetas, los actos son: The players (Los protagonistas), The set-up (El plan), The tale (El tinglado), The wire (La trama) y The sting (El golpe).

Spoiler:

Momentos recordables: El timo primero al correo de Lonnegan, Mottola, todo un prodigio de planificación; La primera aparición en pantalla de Henry Gondorff (Newman), antiglamurosa, durmiendo la mona, tirado en el suelo roncando entre la cama y la pared a la que tiene pegada la nariz; Hooker echa a Henry en la bañera para darle una ducha y despejarlo, oyendo por vez primera a Newman en el film <Me alegro de conocerte, muchacho. Eres un verdadera culo de caballo> Hooker le responde <Luther me dijo que podría aprender algo de ti. Yo ya sé cómo beber>; Lonnegan cruza la Gran Station de Chicago ante la mirada de Hooker y dice a Henry <No es tan fuerte como él cree>, Henry le responde sonriendo <Tampoco nosotros>; La partida de póker en el tren, una de las mejores vistas en cine, todo un alarde de desarrollo, en un increscendo magnífico, con “Shaw” (el nombre que utiliza ahora Henry Gondorff) haciéndose el borrachín y riéndose de todos los jugadores, con especial inquina hacia Lonnegan, del que hace juegos irónicas de palabras con su nombre que encienden al afectado, hasta llegar al momento cumbre, Lonnegan harto de las impertinencias decide utilizar una baraja de cartas marcada, en la última partida quedan solos Lonnegan y “Shaw”, vemos la mano de Henry y Lonnegan, vewmos que “Shaw” tiene un póker de treses, y con trampas Lonnegan tiene un póker de nueves, los dos suben sus apuestas vertifginosamente, hasta que Lonnegan muestra su mano sobre la mesa sabedor que es “imposible” que “Shaw” la tenga mejor, él ha repartido las cartas, entonces la sorpresa, “Shaw” muestra su mano y es un póker de jotas, superior a la de Lonnegan, genial momento; Tras la partida de póker indignado Lonnegan se va a su habitación con su guardaespaldas que le dice que tenía que haber dicho que “Shaw” ha hecho trampas a lo que Lonnegan le responde sarcásticamente  <Y qué querías que hiciera? Acusarle ante los demás de hacer trampas mejor que yo?>; Hooker le dice Lonnegan que quiere estafar a su jefe, Lonnegan que está junto a su guardaespaldas le dice a este <Te tendré que apartar de este muchacho, podrías tener ideas propias>; Hooker a Gondorff <La venganza no es suficiente, tenías razón... pero ayuda>; Todos los tramos en el club de apuestas, con personajes de Atrezzo que da veracidad y humanidad al local; Por supuesto el clímax final con todo el montaje abracadabrante.

 

David S Ward, buscaba información para una escena de otra película en la que había un robo, encontrando al investigar un submundo atractivo sin tocar en cine, lleno de timadores, en inglés llamados "con artists", donde "con" abreviatura de "confidence" (confianza), ladrones que no roban con armas, ni sustraen de los bolsillos, se ganan la confianza del objetivo ("the mark") y le hacen caer en una elaborada trampa, normalmente el incauto es víctima de su credulidad y avaricia, este toque de timar a un codicioso es lo que hace empáticos a estos truhanes.

Hubo en 1983 un intento de recuperar el espíritu de este film con una secuela por parte del guionista David S. Ward con “El Golpe 2”, con Jackie Gleason, Mac Davis, Karl Malden y Oliver Reed, dirigido por Jeremy Kagan, fue un calamitoso fracaso comercial y de crítica.

Recomendable a los que gusten films entretenidos, divertidos y que te sorprendan en un tornado constante,... y con una pareja protagónica en estado de gracia, sin olvidar a un villano excelso. Fuerza y honor!!!

MACBETH. (1.971)

Sugestiva nueva versión de la famosa obra del bardo de Avon, un Roman Polanski  convulso internamente por el reciente asesinato de su esposa Sharon Tate y su hijo no nato (el 9 de agosto de 1969) a manos del lunático Charles Manson y su demente banda, da la sensación de afrontar el proyecto queriendo exorcizar sus demonios internos con una sanguinaria y violenta recreación de “Macbeth”, haciendo menos sutiles sus muertes, varias mostradas en la obra en fuera de campo, aquí son explícitas, como queriendo demostrarse fortaleza interior. Nadie en Hollywood quiso financiar el film, las adaptaciones al cine de Shakespeare suelen ser veneno para las taquillas (ejemplo esta misma que fue un fracaso comercial), el realizador obtuvo la plata de un amigo, Victor Lownes, vicepresidente senior de Playboy Enterprises en UK que convenció a Hugh Hefner para producir el film, esto provocó algunos comentarios de que un desnudo de mujer que aparece era debido a la participación de Playboy, esto fue desmentido por Polanski y el coguionista Kenneth Tynan, respondieron que la escena susodicha estaba escrita antes de entrar en el proyecto Hefner. Por su violencia fue calificada como “X” en su montaje original. Miembros del equipo técnico manifestaron inconformismo frente a una de las sangrientas muertes que suceden a lo largo del film, Polanski respondió con sarcasmo <yo conozco la violencia, deberían haber visto mi casa el verano pasado> [Pierluigi Puccini dixit].

El escenario es la Escocia del SXI, tras una batalla ganada por el Rey Duncan (Nicholas Selby) a los invasores noruegos, uno de los nobles que ha luchado para el vencedor, Macbeth (John Finch), de camino a su castillo se encuentra con un trío de brujas que le auguran que llegará a ser Rey de Escocia, Macbeth se obsesiona con la idea, y más cuando se la cuenta a su esposa Lady Macbeth (Francesca Anis) y esta le empuja por un sendero de asesinatos y conspiraciones violentas para alcanzar el trono. También tendrá importancia en el relato Banquo (Nicholas Selby), fiel compañero de armas de Macbeth, así como el heredero de Duncan, Malcolm (Stephan Chaise), el legítimo heredero a la corona, y el hermano de este, Donalbain (Paul Shelley).

Es un film embestido de gran violencia, enmarcado en una atmósfera malsana, el regicidio fuera de campo en la obra teatral, entre el 2º y 3º acto, aquí se muestra en toda su crudeza, anulando las dudas que pudiera haber en su ejecución, o si tuvo algo que ver en la muerte Lady Macbeth, siendo esta violencia rotunda marca del relato de Polanski, en la obra se dice que la esposa e hijos de Macduff han sido salvajemente asesinados, aquí el director polaco hace un escalofriante tour de forcé brutal por el castillo, recreando un aire cuasi-apocalíptico, con niños y mujeres matados en medio del fuego, Polanski parece querer expulsar sus fantasmas con muertes por todos lados, asesinatos, apuñalamientos, ahorcados, niños matados, un akelarre números de brujas, desmembramientos o decapitaciones. A pesar de esto es bastante fiel el guión a la obra shakesperiana, por donde remanecen temas universales y atemporales como la envidia, el egoísmo, la ambición desmedida, la traición, los remordimientos, el tormento interior, las dudas, la mezquindad, ello con algunas aportaciones que dan un relieve sutilmente enriquecido en algún personaje como Ross, aunque esta fidelidad se ve socavada por recortes en tramos de la obra para dar ritmo de cine y no el más sosegado del teatro, esto repercute en que algunos soliloquios se dan como monólogos interiores oídos en off, asimismo se añade un epílogo inquietante no perteneciente a lo escrito por el Bardo de avon. Es una sombría narración que refleja el daño que hace una profecía, como el poder auto sugestivo hace que personajes ruines  se embarquen en una espiral de deslealtades y muertes en pos de su anhelado sueño, y como por el camino van perdiendo el poco alma que les quedaba junto a una degradación mental al sentirse presos de unos actos que los llevan en una huida hacia adelante, como manejados por un aciago destino, esto se expresa en la historia con elementos de paranoia, delirios, soliloquios oníricos persiguiendo dagas, viendo fantasmas, con alucinaciones por pociones embrujadas. Es una historia con un penetrante halo de tristeza,  se hace claustrofóbica, asfixiante.

Un retrato de personalidad del codicioso Macbeth excelente, mostrando un arco de desarrollo espléndido, sus dudas, sus ambiciones, su espíritu asesino, su sugestividad ante los empujones de su esposa, ello lo sume en una espiral en la que la felicidad no cabe, sufre una degradación moral que lo carcome, una fuerza que lo empuja hacia un torbellino  que lo arrolla sin poder detenerse a psear de sus claros remordimientos, parece preso de cumplir la profecía, aunque eso lo llene de insatisfacción.

Es curioso los paralelismos entre su anterior film, “Rosemary’s baby” y este “Macbeth”, aunque a primera vista no lo parezcan, las dos nos hablan del poder de los sobrenatural, de las fuerzas oscuras del mal, del poder e influjo perverso que tienen sobre los seres amorales, ambiciosos, egoístas, de cómo para obtener el éxito te apoyas en lo que sea, aunque sea un pacto con el diablo, o en profecías retorcidas.

Jon Finch da  bien con el carácter complejo de este hombre abocado a una huida hacia el abismo a sabiendas de su trágico destino, expone con calado su descenso a la demencia, con un lenguaje de estar sumergido en un mar de dudas gestual notable. La actriz brasileña Francesca Annis hace bien su papel de manipuladora sibilina, no ayuda a su rol lo rápido que discurre hacia la locura, no hay gradualidad y repercute en su fuerza orgánica en la narración, para el personaje estaba contratada la actriz Tuesday Weld, pero se negó a aparecer desnuda. Martin Shaw como Banquo aporta un esmerado apoyo al pérfido Macbeth. Terence Bayler estupendo como MacDuff.

Al igual que en “Trono de sangre” (1957) de Kurosawa, Polanski tras mostrar a tres brujas conjurar enterrando un brazo con una daga en la playa y regándolo en sangre, arranca con lo que en la obra de Shakespeare se describe mediante diálogos, Macbeth y Banquo aplastan a Macdonwald y su ejército rebelde, en este film esto es visto tras una espesa niebla mientras aparecen los créditos iníciales, con sonidos de guerra, cuando finalizan los créditos se despeja la niebla y ante nuestros ojos quedan cuerpos inertes sobre el campo de batalla de la playa, aparece cabalgando el Rey de Escocia y le cuentan la valentía de Macbeth en el campo de batalla, en la cinta japonesa asistimos al enfrentamiento bélico fuera de campo, mediante mensajeros que llevan al Señor como discurre, ingenioso modo de ahorrar presupuesto y siendo sutil a la vez.

Notable puesta en escena, con un muy sugestivo diseño de producción de Wilfred Shingleton (“Cadenas rotas, “La Reina de áfrica” o “El baile de los vampiros”), rodándose en Gales, en el Parque Nacional de Snowdonia, Morfa Bychan, Porthmadog, Gwynedd, (la batalla de inicio en la playa) e Inglaterra, en Northumberland, en el Castillo Lindisfarne (el Glamis Castle de Inverness), Bamburgh Castle (para el Castillo Cawdor de Dunsinane) y la playa, iglesia de San Aidan y North Charlton Moore cerca de Alnwick, esto maximizado por la cruda fotografía de Gilbert Taylor (“Teléfono rojo”, “Star Wars” o “La profecía”), en formato panorámico Todd AO, emitiendo en sus planos abiertos desolación, dureza ambiental, con cenagales, cielos nublados, con luz natural que desborda realismo, con nieblas, lluvia, humedades, vientos, ambientación grisácea sombría, lúgubre, tristona, oscura, tenebrosa, con aires mugrientos feistas, los reyes manchan sus capas en el barro, con salpicaduras de sangre, con muertes en primer plano que se sienten, jugando con los claroscuros, con la semioscuridad, de resonancias melancólicas, con sugestivos travellings, zooms suaves, expresivos primeros planos, una labor exquisita. La música de The Third Ear Band aporta niveles de turbación intrigante, zozobrante, ayuda a inquietarte. Asimismo resulta brillante el manejo del sonido, los silencios, de los sonidos disonantes, ello para traspasarnos nervios y hastío ambiental de modo penetrante.

spoiler:

Momentos recordables: Banquo tras encontrarse con las tres brujas <Frecuentemente, para atraernos a nuestra perdición, los agentes de las tinieblas nos profetizan verdades. Nos seducen con inocentes bagatelas para arrastrarnos a las consecuencias más terribles>; El lírico monólogo de macbeyh antes de asesinar al rey, con esa turbadora visión de la daga flotante que le guía; Cuando Macbeth hecho un mar de dudas va a visitar a las brujas, estas están en un conclave (akelarre), decenas de mujeres desnudas alrededor de un caldero, le ofrecen a Macbeth una copa con un brebaje, este lo toma y comienza a ver en el caldero alucinaciones de sus supuesto futuro, un encadenado de situaciones que se van superponiendo en un juego de espejos en que una imagen entra dentro un espejo y así sucesivamente 8 veces, que van mostrando una especie de dinastía de reyes de Banquo, hasta que al final Fleunce aparece coronado, esto en una especie de juego con la realidad, donde el rey James I era descendiente de Banquo por ocho generaciones; La hermosa coronación celta de Macbeth; La desgarradora sangría en el castillo Macduff; Lady Macbeth poseída por la locura de los actos realizados camina sonámbula desnuda por el castillo, lavándose las manos en agua helada, visión tétrica;  El epílogo, tras la proclamación de Malcolm nuevo rey Escocia, su hermano Donalbain es sorprendido por el mal tiempo mientras va con su caballo por un páramo, descabalga y se guarece, es el lugar donde Macbeth y Banquo escucharon las profecías de las brujas, y un fundido a negro, haciendo del relato algo circular, donde el mal está siempre al acecho.

 

Una de las alteraciones con respecto a la obra es la mayor importancia que toma el personaje de Ross, mucho más liviano en el texto shakesperiano, aquí es el reflejo de la codicia retorcida, un amoral desleal que se junta con el que cree va a ganar y le dará una mejor recompensa, cambia de bando según sople el viento, primero es un adulador y cómplice activo de las conspiraciones de Macbeth, cuando no siente satisfecha su ambición cambia de bando y traiciona su mentor (al no ser honrado con el ex título de Macbeth de Thane de Cawdor, simbolizado por un collar ceremonial que el rey decide otorgar a Seyton).

Ross está mucho más desarrollado en el film que en la obra de Shakespeare está mucho más presente, reflejando la hipocree3sía y el servilismo egoísta al poder sea cual sea: Ross se destaca en la ceremonia de la coronación en Scone de Macbeth, gritando efusivamente "Dios te salve, Macbeth, rey de Escocia!", esto se puede ver en modo circular con un momento en el final en que Ross, una vez ya se ha pasado al bando rival, y con Macbeth decapitado, Ross le quita la corona a la testa y la entrega en señal de pleitesía a Malcolm, y volviendo a gritare efusivamente lo mismo que al muerto; En la obra una persona no identificada le dice a Macbeth que Mcduff se niega a presentarse ante él, en el film es Ross el mensajero; En la obra hay un tercer asesino sin identidad enviado a asesinar a Banquo, en el film es Ross mandado por Macbeth para supervisar por separado el asesinato, siendo además Ross el que encalaboza a los dos asesinos cuando han acabado; En la obra, Ross no sabe de la masacre de la familia Macduff más que a través de otros, en el film es el propio Ross el que deja la puerta abierta a drede del castillo Macduff para entren los asesinos de Macbeth; Hay algunos elementos más que dan más relevancia a este rol.

El epílogo en que Donalbain, hermano del Rey Malcolm, se refugia con su caballo en el lugar en que Macbeth se encontró con las brujas, sutil mensaje de que el mal sigue activo y que socavará a Donalbain. Este final está influenciado por los hechos históricos, ya que su hermano Malcolm fue asesinado por un noble  Donalbain invadió Escocia, poniendo sitio a Edimburgo, hasta que sus sobrinos y legítimos herederos fueron desterrados, tomó la corona por las armas en 1094.

Recomendable a los que gusten de buenas adaptaciones, con elementos originales que enriquecen el resultado final de modo distinto. Fuerza y honor!!!