SOPA DE GANSO.

La comedia más lograda de los fabulosos hermanos Marx, una oda a la anarquía, al caos, al desmadre, al nihilismo puro y duro, una ingeniosa sátira sobre la política, la diplomacia, las intrigas de palacio, los liderazgos, o las guerras. Un despliegue de corrosivo humor que no deja títere con cabeza, un tsunami de diálogos, situaciones y gags delirantes, con unos hermanos en estado de gracia, film que en su momento fue vilipendiado por la crítica, pero el tiempo ha sabido elevar al status de clásico. Fue su último trabajo para la Paramount, para los que habían hecho sus primeras cintas cinco películas, asimismo fue la última en que trabajaron con su soso hermano Zeppo. Su film anterior fue “Plumas de caballo” (1932), el mayor éxito del año de la compañía de la montaña, así que se esperaba con entusiasmo su siguiente cinta, pero la Paramount entró en crisis financiera con una reestructuración y los Marx tuvieron problemas para cobrar, así que estos amenazaron con crear su propia compañía, tras estas tiranteces llegaron al acuerdo de hacer un film más para la compañía y separar sus destinos. En un principio se anuncio que este film sería dirigido por Ernst Lubitsch, al final fue Leo McCarey el elegido, el guión es de Bert Kalmar (“Plumas de caballo”) y Harry Ruby (“Una noche en la ópera”), con diálogos adicionales de Arthur Sheekman (“Monkey business”) y Nat Perrin (“La familia Addams” la serie). El título se le ocurrió a Mccarey para continuar con la serie de títulos de animales de films anteriores de los Marx (“Animal Crackers”, “Monkey Business” y “Horse Feathers”), “Duck soup” en el argot del inglés quiere decir “algo fácil de hacer”. McCarey además se inspiró en sus trabajos con “Laurel & Hardy (El Gordo y el Flaco), como la escena del robo en casa de la Sra. Teasdale. A pesar de que se dice fue un fracaso en taquilla, fue en realidad la sexta más taquillera del año en USA. A Groucho le preguntaron el significado político del film, se encogió de hombros y dijo <Qué significado: Éramos sólo cuatro Judios tratando de conseguir una risa>. Los hermanos Marx estuvieron encantados de que Mussolini tomara la película como un insulto personal y la prohibiera en Italia.

El escenario principal es el ficticio país centroeuropeo de Freedonia (algo así como Libertonia), la nación está en colapso económico y dependen sus finanzas de un préstamo de la acaudalada señora Teasdale (Margaret Dumont), esta pone como condición que se le dé el rol de líder del estado a Rufus T. Firefly (Groucho Marx), se le acepta, tendrá este de secretario a Bob Roland (Zeppo Marx). Entretanto el vecino país de Sylvanian  intentará ante la inestabilidad tomar Freedonia, siendo clave la astucia del embajador Trentino (Luis Calhern), este contando con dos sagaces espías, Chicolini (Chico Marx) y Pinky (Harpo Marx).

Partiendo de un hilo argumental nimio, La cinta resulta trepidante, arrolladora, un vendaval de imaginación e inventiva (delirantes el juego visual con el perro en el pecho de Harpo) puesta al servicio de la comedia mas desternillante, enmarcado en un excelente coctel de de diferentes tipos de humor, el verbal, el de los equívocos, el anárquico, del de réplica y contrarréplica, el físico del más genuino slapstick, el surrealista, el absurdo, el mordaz, el irreverente y de doble sentido de alusiones sexuales, ello con un trío (Zeppo en cuestión de cine no es un Marx) apoteósico que pone en solfa su esperpéntico humor absurdo, loco, lo hacen con diálogos ácidos, punzantes, cínicos, haciendo chanzas de los gobiernos, del Código Hays, de la alta sociedad, de los musicales, de los burócratas, de los espías, de los militares, de las guerras, todo este mundo solemne puesto frente a este devastador trío, que lo pone patas arriba, riéndose incluso de algo tan “sagrado como el patriotismo o los grandes Héroes estadounidenses como Paul Revere, Lee o Grant.

Por supuesto que no es perfecta, carece de hilo argumental orgánico, se siente una conjunción de gags engarzados de modo forzado, con situaciones incoherentes, pero es que este es el Universo de los Marx, si entras en él este es su mejor trabajo, y es que es el más frenético, el que más humor por segundo te ofrece de su ya de por sí colección atronadora de gags con los que están surtidos sus films. Despùés de este trabajo Irving Thalberg los fichó para la MGM, allí introdujeron dos taras que lastran en parte sus películas posteriores, como es muchos más números musicales que rompían el ritmo del desarrollo del film, y la historia de amor a la que tenían que ayudar los Marx, algo que a lo mejor ayudaba en taquilla, pero que eran chinas en el zapato del humor “marxiano”, derivando en ralentización.

La puesta en escena resulta adecuada para el tono disparatado de los Marx, mezclando y contrastando la solemnidad del palacio presidencial con los caóticos hermanos, con una teatral dirección artística de Hans Dreier (“El crepúsculo de los Dioses”) y Wiard Ihnen (“EL hombre atrapado”), esto con la fotografía en glorioso b/n de Henry Sharp (“Y el mundo marcha”), sabiendo relazar en su tomas abiertas el humor típico del vodevil-teatral del que provienen los hermanos, y esto sondeado por varios temas musicales que impregnan de sentido de la comedia el metraje, como los himnos del imaginario país "Freedonia National Anthem", o el "Hail, Hail, Freedonia, la tierra de los valientes y libres", o el tema que suena en la fiesta de bienvenida a Rufus, “These Are the Laws of My Administration”, sobre las estrafalarias líneas del gobierno de Rufus, aderezado por una coreografía exaltado, o el socarrón tema "We're Going To War",  riéndose de la guerra a ritmo de otra coreografía desmelenada, único tema en que aparecen los 4 hermanos juntos en toda la filmografía de los Marx.

Las interpretaciones suelen mezclar como siempre en este subgénero de humor que son las cintas de los Marx, actuaciones serias de actores buenos, en este caso un Louis Calhern contenido y contrastando de lujo la irreverencia marxiana, está la de Edgar Kennedy como el vendedor de limonada, un comediante que ya trabajó en cine mudo con los genios del humor silente Mack Senett y Chaplin, un gran complemento para las chanzas de Harpo y Chico, la que es el cuarto hermano marx (y no Zeppo), Margaret Dumont un alarde de encajar réplicas formidables de sobre todo Groucho. Y los hermanos, pues Apoteósicos, un Harpo descomunal con sus tijeras, su rodilla, su soplete, su caballo. Un pícaro y fenomenal Chico. Y sobre todo con un Magno Groucho, adalid del verbo fácil, del ingenio, de los dobles sentidos. Y los tres un todo sólido equipo destinado a hacerte pasar un rato ameno.

Momentos recordables: Los créditos iníciales, donde se ven a unos patos nadando relajados en agua hirviendo, la única escena en todo el film que hace referencia al título; La hilarante fiesta de bienvenida al nuevo presidente Rufus T. Firefly, una fastuosa parodia de los números musicales que se estilaban por la época, siendo famosos los de la MGM, ello con una coreografía divertidísima y con una canción descacharrante; El caótico enfrentamiento entre  mercaderes ambulantes, por un lado Chicolini y Pinky como vendedores de maíz, y por otro un vendedor de limonada (Edgar Kennedy, veterano de la comedia), pelea por un lugar mejor para la venta, con la bocina, con lucha de sombreros, intercambios de estos, con quema del sombrero canotier, con juego de rodillas, terminando con Pinky y sus pies en la cuba de limonada, no tienen sentido alguno en el desarrollo de la historia, pero es muy divertido; La escena de la radio, Pinky busca en casa de la Sra. Teasdale una caja fuerte, confundiéndola con una radio que pone a todo volumen, sonado el tema "Stars and Stripes Forever" de John Philip Sousa, Pinky trata por todos los medios de apagarla, echándole agua, destrozándola, pero sigue sonando, al final la tira por la ventana; La mítica escena del espejo,  Cuando Pinky ha roto un espejo y para que le verdadero Rufus no se dé cuenta aprovecha está disfrazado de él le sigue los movimientos frente al espejo, Rufus intenta pillar en un renuncio a su “reflejo”, para ello hace pantomimas singulares, con una coreografía desternillante,  fachosa, surrealista, se le cae a uno de los dos el sombrero y se lo recoge el otro llegando a intercambiarse las posiciones el uno en el lado del otro, hasta que Chicolini, también disfrazado de Rufus aparece y ya no cuela. Curiosamente no es original del film, en 1921, en el film de Max Linder “Siete años de mala suerte”, un criado ha roto un espejo y para ocultarlo a los dueños de la casa hace de reflejo tras el marco; Cuando la Sra. Teasdale le pide a Rufus se disculpe con el embajador Trtentino para evitar la guerra, él empieza a engarzar en voz alta supuesto de que Trentino le haga algún feo, y llega el embajador y excitado por lo pensado Rufus abofetea a Trentino de buenas a primeras, chistoso; El hilarante clímax de la batalla final, carrusel infinito de gags, una sátira maravillosa de la guerra, de los nacionalismos, del patriotismo, de los himnos militares, de los pomposos trajes de los generales (Rufus aparece con varios trajes de diferentes ejércitos indistintamente, de los yankis, de la los confederados, de guardia de palacio británico, de boy scout, etc...); La tremenda burla del Código Hays (creado hacia poco), por este código no se podía mostrar a un hombre y una mujer juntos en la cama, hay una escena en que la cámara hace un travelling, está en un dormitorio y se mueve a los pies de la cama, se ven unos zapatos de mujer, luego unos de hombre (se estará vulnerando el código?), tras esto el desconcierto, vemos cuatro herraduras, la cámara se eleva y vemos en una cama a Pinky acostado con su caballo, y en la cama de al lado a una mujer, menudo dardo envenenado a la censura, no queréis sugerir relaciones heterosexuales, pues tomad zoofilia; La ácida crítica a los patriotismos, cuando Pinky es escogido por Chicolini (en un humorístico sorteo) para una importante y peligrosa misión a través de las líneas enemigas, Rufus le dice de modo solemne <...Y no olvides que mientras tu estas arriesgando tu vida entre tiros y metralla nosotros estaremos aquí pensando que eres un tonto>; Rufus pidiendo ayuda por la emisora <Tres hombres y una mujer están atrapados en un edificio. Envíen ayuda inmediata. Si no pueden enviar ayuda, envíen a dos mujeres. (Pinky le levanta tres dedos, y Rufus rectifica) Mejor envíen tres mujeres>; Rufus en medio de la contienda pide refuerzos urgentes, entonces se produce un estrafalario montaje de imágenes en el que se alterna los supuestos refuerzos, camiones de bomberos, policías en motos, corredores de atletismo, piraguas de competición, nadadores, monos, elefantes en estampida, delfines saltando,  o motocicletas); El tronchante lanzamiento final de verduras contra Trentino, cuando la Sra. Teasdale comienza a cantar el himno de Freedonia, los Marx cambian de objetiva a la Sra.; Asimismo hay running gags, como el del sidecar, o el de las tijeras corta-todo-lo que pilla de Pinky; Y más y más.

 

Diálogo entre Rufus T. Firefly y la Sra. Teasdale:

"Está usted casada? Tiene mucho dinero? Responda primero a la segunda pregunta."

 "Claro. Mi marido me dejo toda su fortuna al morir."

"Pues permítame decirle que la amo!"

 Frases hilarantes: <A quién vas a creer, a mi o a tus propios ojos?>; <No permitiré injusticias ni juego sucio, pero si se pilla a alguien practicando la corrupción sin que yo reciba una comisión, le pondremos contra la pared y daremos órdenes de disparar>; <Si nos encuentran, estamos perdidos>; <Debe haber una guerra. He pagado un mes de alquiler por el campo de batalla>.

Curiosidades: En este film ni Chico toca el piano, ni Harpo el arpa, algo habitual en los films de los Marx, aunque si hay un amago de Harpo por tocar el harpa al rasgar unas cuerdas de piano, al parecer la melodía que se sugiere es la de un cortometraje de animación famoso de la Disney “Who's Afraid Of The Big Bad Wolf?”, de los tres cerditos; Chico hace algo que no hizo en otros films, y es que por unos momentos lo vemos sin su clásico sombrero tirolés, se le ve con su típica peluca de cabello rizado, en realidad Chico padecía calvicie y se puso la peluca en su primera producción de Broadway en 1924; La exclamación melodramática "Esto es la guerra!",  se usa varias veces en film, dos veces por Trentino y Firefly, la repetiría Groucho en “Una noche en la ópera” y “Un día en las carreras”.

Muy recomendable film a los que gusten del humor irreverente de los hermanos Marx, probablemente su cumbre en el cine, cinta donde el único problema es que la risa te estorbe para el gag siguiente, una tronchante parodia de la sociedad, la política y las guerras sinsentido. Fuerza y honor!!!

DRÁCULA. (1931)

La más famosa versión del mítico Conde Drácula es esta de 1931, la que más ha influido en posteriores revisiones vampíricas, sobre todo en la imagen Icónica del Conde por parte de la encarnación del húngaro Bela Lugosi. Film al que el tiempo no le ha hecho bien alguno, avejentándolo en mucho. Destacable sobre todo por el tramo que acontece en los Cárpatos, imbuido de gran expresionismo gótico, transmitiendo ambiente lúgubre, pero una vez se traslada la acción a Londres el guión se convierte en confuso, no se saben las motivaciones del Conde, se establecen relaciones de la nada, no se sabe por qué Drácula tiene un comportamiento al parecer caprichoso, no se entra mínimamente en la psique del vampiro, es así y punto, no se aborda su melancolía, es malo y punto, quedando muy superficial. No hay acción alguna en el film, todo muy plano, siendo muy triste su final por lo anticlimático, carente de emoción alguna. El desarrollo y puesta en escena todavía está muy influenciado del cine mudo, con tramos de bastantes silencios, con actuaciones muy teatrales, con algún intertítulo.

Arranca en los Cárpatos húngaros, hasta allí llega en diligencia el agente en bienes raíces Renfield (Dwight Frye), va a reunirse con el Conde Drácula (Bela Lugosi), los lugareños advierten al agente del peligro que es este Conde, Renfield no hace caso y se desplaza al hogar de este extraño tipo, vive en un decrépito castillo, la intención de Drácula es comprar una abadía (Carfax) en Londres. También tienen importancia en la historia personajes como el Dr. Van Helshing (Edward Van Sloan), el Dr. Seward (Herbert Bunston), la hija de este Dr., Mina (Helen Chandler), su novio John Harker (David Manners), y la amiga de Mina, Lucy Weston (Frances Dade).

En 1922 ya se hizo la primera versión del libro del irlandés Bram Stoker (1897), la germana “Nosferatu” de Murnau, que alteró el nombre al no poder adquirir los derechos de la novela, quedando una de las cimas del terror gótico. Esta versión de Tod Browning no es una adaptación del libro exactamente, deriva de una versión libre para el teatro británico de 1924, escrita por Hamilton Deane, cuando se estrenó en Broadway fue un gran éxito. Carl Laemmle fundó la Universal en 1915 y desde entonces deseaba llevar al cine “Drácula”, para ello adquirió legalmente los derechos de la novela, pretendía hacer una gran superproducción muda al estilo “El jorobado de Notre Dame” (1923) y “El fantasma de la ópera” (1925), pero el proyecto se fue atrasando y llegó la “Gran depresión” que afectó a la Universal. Laemmle barajó como vampírico protagonista a Paul Muni, Chester Morris, Ian Keith, John Wray, José Schildkraut, Arthur Edmund Carewe y William Courtenay. El actor húngaro Lugosi era el Drácula de la obra de teatro en Broadway, por suerte para él, la obra se estaba representando en Los Angeles cuando se estaba gestando el film, y Lugosi presionó con fuerza para conseguir el rol, lo obtuvo en parte a sus bajas pretensiones monetarias, $ 500 por semana, en 7 semanas de trabajo, $ 3.500. 

La adaptación de la obra de teatro es del guionista John L. Balderston (films de los 30 como “Frankenstein”, “La momia” o “El prisionero de Zenda”), la cinta te atrapa en su inicio por su fascinante fuerza visual, todo el segmento en el Borgo, pero cuando llega a Londres, cuando el argumento debe desarrollarse se produce un decaimiento de la historia bajando enteros, haciéndose las motivaciones muy borrosas, indefinidas, con comportamiento caótico de los personajes y sobre todo del vampírico Drácula, las situaciones se suceden de forma errática (no se sabe por qué viaja a Londres, por que se encapricha de una mujer u otra, por que se dan unas relaciones de la nada, y mas), no hay atisbo de emoción, ni sentimientos, ni calado, ni ritmo narrativo, ni mucho menos miedo, este pudo aparecer en su estreno, hoy día produce nostalgia cinéfila, a lo que se añade un tramo final que da bajón de lo atropellado que resulta, estimula bien poco, se le ha anulado cualquier mínima señal de romanticismo, de ese halo melancólico de la soledad,  y esto no se lo puedo ni debo achacar a la supuesta bisoñez de estar en los años 30, pues nueve años antes, en 1922, Murnau creó una Apoteósica cinta de terror, que esta si ha aguantado el paso del tiempo. Este es un film que hay que pasar por el filtro de lo añejo, darle licencia de ser precursora en algunos aspectos del mítico vampiro, pero su calidad cinematográfica está muy por debajo de su fama.

De lo más interesante, sobre todo por la época es el subtexto erótico en comunión con el terror, el ataque a la yugular de Drácula puede ser visto como una posesión carnal, abraza a sus víctimas antes de chuparlas, creando una conexión íntima de fluidos de claras reminiscencias sexuales de la fornicación, al fin y al cabo los colmillos pueden ser vistos como un símbolo fálico, Drácula posee cuando sus “objetivos” se han rendido a su sugestión.

Las actuaciones denotan histrionismo, este proveniente todavía del cine silente donde las emociones se debían transmitir sin palabras, con gestos. Bela Lugosi es el Drácula por antonomasia, carismático, con una siniestra presencia, con su cabello negro azabache peinado hacia atrás, con su mirada penetrante, sus orejas puntiagudas, su lento caminar, su habla cuasi-cadavérica proveniente de su marcadísimo acento centroeuropeo, aguantando en implacable silencio sombríos primeros planos, con pocos diálogos, taciturno, intenso, creando una figura popular mítica en la Historia del cine, tanto como la de Charlot. Este personaje marcó para lo bueno y malo su carrera, se le enquistó de tal manera el rol que terminó creyéndose su papel, su creación ha influenciado durante décadas a todos los muchos Dráculas posteriores, Frank Langella, Louis Jordan y sobre todo el de la Hammer, Chistopher Lee, su vida en sus últimos años estuvo marcada por las drogas, yendo a aparar en su último trabajo con el mítico Ed Wood (el conocido como el peor director de cine de la historia), con el que estaba rodando en 1956 “Plan 9 del espacio exterior”, cuando murió (esto aparece en el film de Tim Burton “Ed Wood”). Lugosi era muy conocido en  Hungría cuando viajó en 1921 a USA y sin conocer Inglés y obtuvo papel principal adaptación teatral Drácula, aprendido parte fonéticamente.

Dwight Frye resulta una vigorosa presencia, sobreactuado pero muy divertido en su delirio, su personaje tiene mucha más importancia que en la novela en detrimento de Harker, el actor quedo encasillado en secundario de films de terror,   aparece entre otros como jorobado Fritz en el Frankenstein de este mismo año, en “La novia de Frankenstein”, “El hijo de Frankenstein”, “El fantasma de Frankenstein” o “El Hombre Lobo”. Edward Van Sloan está muy bien en su cazavampiros, manteniendo un duelo de miradas esmerado con Lugosi, con alocuciones sobre sobre los vampiros aterradoras, salió, al igual ¡que Lugosi de la obra de teatro. David Manners como Harker resulta bastante desangelado. Helen Chandler es una mujer florero sin alma, así como Frances Dade. Herbert Bunston como el dr. seward es otra actuación bastante liviana.

La puesta en escena muy teatral, rodándose toda en interiores, con marcados decorados en los pocos exteriores, con un muy expresionista  diseño de producción de John Hoffman (“Boom Town”) y Herman Rosse (“The Emperor Jones”), viniéndose arriba en el castillo de Drácula, donde la fotografía del germano Karl Freund (“El Golem”, “La última risa” o “Metrópolis”) es fundamental para crear un ambiente claustrofóbico, jugando con la semioscuridad, con suaves movimientos de cámara, con travellings emocionantes, al aprecer Freund quería dar más toques originbales al film perro Browning y su conservadurismo se negaron, se dice que buena parte del film es dirigido realmente por Freund, que Browning se tomó la relaización con bastante “distanci”, que bien puede ser un director no acreditado, este cargo lo asumió oficialmente un año después en otro film de terror, “La momia” (1932). No fue compuesta una banda sonora para el film, por decisión del director para que fueran los efectos de sonido los que enfatizaran las emociones en vez de la música aunque se oyen melodías, una en los créditos iníciales, un extracto de “El Lago de los Cisnes” de  Tchaikovsky y cuando Drácula va al teatro se escucha de fondo un tema de Wagner, “Los maestros cantores de Nuremberg” y otro extracto de Schubert "Unfinished Symphony".

El film fue estrenado originalmente con 85 minutos de duración, siendo reeditada en 1936, siendo dos escenas cercenadas del montaje original,  era el prólogo, uno similar al de “Frankenstein” (producción del mismo año, estrenada poco después que esta), en el que Edward Van Sloan (Van Helshing) hacía una entradilla a la historia a modo de tranquilizar a la audiencia y alertar sobre lo que iban a ver, y que no les provocara pesadillas, Van Sloan advierte que <Realmente hay cosas tales como vampiros!>, este prólogo fue retirado en la reedición por miedo a ofender a grupos religiosos, ya que esto podría entenderse como alentar el paganismo y lo sobrenatural.

Curiosidades: La muchacha que pronuncia el primer dialogo al comienzo es Carla Laemmle, sobrina del productor; Los clásicos colmillos de Drácula no aparecen en todo el film, nunca se ve morder a nadie, tan solo se sugiere, y únicamente se ve sangre cuando Renfield se corta una yema del dedo; Las escenas a bordo del buque Vesta con la violenta tormenta son en realidad de otro film de la Universal, “El Interruptor Tormenta” (1925). 

En la cultura popular y en el libro de Stoker la primera parte de la historia acontece en Rumania, en la región de Transilvania en la cordillera de los Cárpatos, pero en este film este segmento transcurre en Hungría, puede entenderse como una deferencia al protagonista Lugosi que era natal de allí, pero la realidad es otra, y es que al parecer el mito de los vampiros proviene de país magiar, fue un profesor Universidad Budapest, contó a Stoker la historia de Drácula una tarde lluviosa en Londres, de hecho situó el relato en Transilvania, región mayoritariamente poblada por descendientes de húngaros.

En los primeros tiempos del cine sonoro se estiló producir versiones de sus films en otros idiomas (aún no se había inventado el doblaje),se utilizaban los mismos decorados y vestuario, Browning filmaba su film de día y el director George Melford rodaba de noche su versión en castellano, con  protagonizada por Carlos Villarías de Conde Drácula, esta versión estuvo décadas desaparecida, hasta que en la década de 1970 se encontró y restauró. 

Spoiler.

Momentos recordables: Lo mejor es su primera parte, todo el tramo en los Cárpatos, un carruaje con pasajeros a toda prisa para llegar antes de la noche a la posada, es la temida Noche de Walpurgis, en la posada los lugareños crean una figura terrorífica de Drácula, ante su nombre se estremecen, hablan que es un vampiro chupasangre que vive con sus temidas novias, Renfield lo achaca a supercherías y continua viaje, tras esto vemos el castillo de Drácula, tras ello una imagen de las catacumbas de este en el que hay varios ataúdes, hay un lento travelling hacia uno de ellos y la tapa se mueve saliendo una serpenteante mano, tras esto de los otros ocurre lo mismo, entonces hay una icónica toma del Conde Drácula de pie hierático mirando a cámara, vemos a sus tres novias de blanco satén moverse lentamente por el decrépito lugar, Drácula se dirige a las escaleras, tras lo que lo vemos en un pescante de una diligencia en medio de la nada, Renfield llega en otra allí, se baja y pregunta si el un enviado del conde, Drácula con un ademán silencioso le señala se suba a su carruaje, se sube, hay un espectral recorrido a toda velocidad en principio, en medio del viaje se asoma Renfield al exterior y ve anonadado que nadie hay en el pescante, ve siniestramente los caballos son guiados aparentemente por un murciélago, ello por un paisaje escarpado y montañoso, tras esto la llegada al castillo, para el carruaje, se baja Renfield y ve nadie hay en el pescante. Entra en el castillo, un enorme salón gótico de apariencia abandonada, semiderruido, con ramas entrando por los ventanales, de altísimos techos, con enormes ventanas con cristales rotos, por los que se ven volar murciélagos, polvoriento, rebosante de telarañas, e incluso con armadillos, Drácula le recibe en una gran escalera con un candelabro como luz, el conde se muestra amable, y mientras le guía a su habitación es capaz de atravesar una gran telaraña sin rozarla, Renfield la rompe con su bastón y ve a la gigante araña huir, Drácula mira sonriente a su invitado y le dice <La raña teje su tela para cazar a la mosca incauta. La sangre es la vida, Sr. Renfield>; Ya en el dormitorio de Renfield este charla con Drácula cuando Renfield se corta la yema de un dedo, brotándole sangre(la única que aparece en el film), Drácula la ve y se pone en modo depredador acercándosele furtivamente, cuando de Renfield cae de su bolsillo un crucifijo que hace cubrirse al Conde; Le ofrece el Conde de cenar y el noble le comenta a su invitado <Nunca bebo... vino>, frase original del film; se va Drácula del dormitorio de su invitado y Renfield parece sentir un sofoco, se acerca a un ventanal y lo abre, el jardín está en niebla y de él aparece un murciélago, Renfield termina desmayado y aparecen la tres novias de Drácula hacia el cuerpo, del jardín llega Drácula que con un gesto echa de allí a sus novias, se van y él se inclina sobre el cuello del invitado, y antes de que le hinque los colmillos fundido a negro y ya estamos en barco maldito; El film posee algunas dosis de humor goteado por el metraje, destacaré dos notas, cuando Harker pregunta a Van Helshing que podría haber causado las dos marcas en el cuello de Mina, de pronto se oye una voz fuera de plano que dice <El Conde Drácula>, la cámara se mueve y vemos a una criada que anuncia la visita del Conde, el otro chistoso momento es cuando el empleado del sanatorio charla con una enfermera sobre la gente que les rodea <Todos están locos, excepto tú y yo, y a veces tengo dudas de usted>; El duelo de mentes entre Drácula y Van Helshing, intentando el primero doblegar la voluntad del segundo, este tras aturdirse algo termina sacando un crucifijo salvador; La única muestra de la melancolía interior de Drácula es cuando dice sentidamente <Morir, estar realmente muerto, debe ser excepcional. Al hombre pueden aguardarle peores cosas que la muerte>;  Drácula es invitado por Mina entra en su dormitorio cuando le abre su ventana, este se le acerca y se cierne sobre ella para morderle el cuello de una pasiva Mina; Cuando en el exterior de la casa de Mina Drácula llama mentalmente a Mina, esta sale de su habitación y se dirige en silencio al Conde, cuando llega a este, Drácula la envuelve siniestramente en su capa;

En conjunto me queda una sobrevalorada y a la vez enternecedora muestra por lo ingenuo y cándido del cine de “terror”, con un arranque muy sugestivo pero este dura 18 minutos, hasta que se llega a Londres y el argumento desbarra. Fuerza y honor!!!