FUEGO EN EL CUERPO.

Obra Maestra del cine negro, cinta que gana a cada visionado, glorioso debut en la dirección del hasta entonces exitoso guionista Lawrence Kasdan (“El Imperio contraataca”, “El retorno del jedi” o “En busca del Arca perdida”), un brillante homenaje al género noir inspirándose libremente en los clásicos de los años 40, coge elementos de “El cartero siempre llama dos veces” (1946) de Tay Garnett, de “Retorno al pasado” (1947) de Jacques Torneaur , y sobre todo de “Perdición” (1944) de Billy Wilder, relato escrito por el propio realizador y Raymond Chandler inspirándose en un relato corto de James M. Cain, titulado “Three of a kind”, estos recursos de historia de perdedores, femme fatale, personajes amorales, codiciosos, envueltos por su desmedida ambición en crímenes, es modernizada en manos de Kasdan, potenciando sobremanera los vínculos sexuales que entrelazan de modo sudoroso y caliente a los protagonistas, manejando de forma espléndida la atmósfera creada para evocar físicamente como hierven sexualmente los cuerpos de los personajes, edificando un clima denso, caluroso, sudoroso, remarcado con camisas empapadas en sudor, el uso constante de ventiladores, de aire acondicionado, o los modos de combatirlo metidos en una bañera llenándola los amantes de hielo o poniéndose sin camisa delante de la nevera abierta, film que fue precursor de un subgénero que proliferó y se pervirtió de modo rancio en los 80, el thriller erótico. Cinta que atrapa desde el inicio en sus ardientes redes, con unos protagonistas maravillosamente definidos, encarnados de modo fascinante por una sensual debutante Kathleen Turner y un desconocido por entonces William Hurt, entre los dos una química arrolladora, con unos secundarios formidables, con una tensión que se puede rasgar, con unos diálogos incisivos, mordaces, con afilados dobles sentidos, un guión prodigioso del propio Kasdan tocado por la varita de lo Divino, con un increscendo dramático absorbente, con giros sorprendentes en su desarrollo, y coronado por un final impactante.  

Estamos en un caluroso pueblo de Florida en verano, allí el mediocre abogado Ned Racine (William Hurt), pasa sus días entre casos ordinarios y ligues de una noche, hasta que comienza una tórrida relación con Matty Walker (Kathleen Turner), mujer casada con un poderoso hombre de negocios, Edmund Walker (Richard Crenna). En el relato tendrán mucha importancia personajes como Peter Lowenstein (Ted Danson), ayudante del fiscal amigo de Ned, Oscar Gracia (JA Preston), obsesivo policía también amigo de Ned, Teddy Lewis (Mickey Rourke), antiguo cliente de Ned, y Mary Ann Simpson (Kim Zimmer), íntima amiga de Matty.

El film te imanta desde su poderoso arranque, una llama difusa de fuego sobre la que surgen los créditos de inicio, bajo los turbadores acordes de saxo del maestro John Barry, tras lo que vemos a un tipo a medio vestir mirando en la nocturnidad por una ventana un fuego a lo lejos, la amante que tiene en la cama le pregunta qué a que pertenece, y el protagonista responde algo que ya define a su personaje <Es el Hotel Seawater. Mi familia solía comer allí hace 25 años. Lo han quemado para vender el terreno. Probablemente uno de mis clientes>. Es un relato apasionante que maneja de modo memorable los registros del neo-noir, creando una ambientación malsana alrededor de los personajes, una tela de araña invisible que los va a atrapando a todos en sus abrasadoras redes, una punzante red tejida por la lujuria desbordante, por la ambición autodestructiva, por el deseo sexual, que te va asfixiando más y más, un microcosmos de seres sombríos regidos por la amoralidad, la falta de escrúpulos, la oscuridad del alma, la sensualidad manejada para manipular, para perturbar. Todo enmarcado extraordinariamente en un clima que le llega al espectador, que como los personajes siente la humedad y el calor que impregna cada fotograma, las altas temperaturas te producen sudor, un aire cargado de un fuego tal que trastorna eróticamente a los protagonistas, con escenas de una sexualidad sublime, sin caer en lo zafio o vulgar, y entonces Kasdan compone un juego soberbio en el que se conjugan deseo sexual y crimen pasional, produciéndose en una fluidez narrativa admirable, con naturalidad, apoyado en diálogos ingeniosos, divertidos, de réplicas y contrarréplicas inteligentes. Una narración subyugadora, que te enreda en su sugestivo entramado de engaños, sexo, pasiones desatadas, crímenes, con viciosas escenas de sexo adelantadas a su tiempo, con desnudos, ello nada gratuito pues el espectador con estas calentorras escenas comprende la química que entrelaza a los personajes.

Las actuaciones resultan esplendorosas todas. Empezando por la pareja protagonistas, de la que mana una compenetración salvaje de atracción cuasi-animal, construida en base a miradas, sugerencias, gestos, y unas charlas entre ellos henchidas de aguijón envenenado. Kathleen Turner  en su debut en cine realiza una encarnación de femme fatale apabullante, cuasi-etérea flota sobre la pantalla, de una sensualidad suprema, desprende erotismo, lascivia, calor sexual, con voz suave, maneja su hermoso cuerpo de modo sibilino, Magnífica, con una figura, vestimenta y peinado que evoca a otras “leonas” del negro como Barbara Stanwyck y Lauren Bacall, avasalladora su primera aparición (desde la mirada de Ned) vestida toda de virginal blanco, con blusa escotada y falda con apertura hastal la rodilla, con el aire ondulando su bella melena abriendo su vestido, esto es lo que embrujó al protagonista. Willian Hurt está excelente en su rol de nihilista mujeriego, lacónico, ingenioso, se mueve por la acción con frescura, aportando matices, debilidad, con un arco evolutivo estupendamente exhibido, de cómo su rostro se va agriando, fenomenal. Ted Danson como el amigo de Ned, Peter Lowenstein, lo borda, deja impronta de grande en sus apariciones, con una labia aguda, con toques excelsos de bailarín amateur, gracias al guión y aprovechadas por él con réplicas impresionantes, como cuando le achaca a Ned “Reconozco que te he subestimado. No sé por qué tardé tanto. Utilizas tu incompetencia como arma.>, colosal, o en la espléndida última escena con Ned en el paseo marítimo en la noche, resonante. Richard Crenna está muy bien en su rol de marido de figura poderosa, deja dosis de su viscerabilidad en su poco tiempo en pantalla, alejado de la descripción primigenia de Matty “Es pequeño y débil”. Mickey Rourke en un papel secundario deja impronta de actor de raza, despliega una naturalidad y frescura grandiosa. JA Preston cumple en su escaso personaje, funcionando bien con su adusta y dura gestualidad que remarca el sentido del deber del agente policial.

La puesta en escena como ya bien he remarcado es uno de sus pilares sólidos para transmitir el calor ambiental que sofoca física y sexualmente a los protagonistas, con un formidable diseño de producción de Bill Kenney (“Diamantes de la eternidad” o “Carrie”), rodándose en el estado de Florida (USA), en el centro-este del Condado de Palm Beach, en el centro de Lake Worth  en el enclave de Oceanside Manalapan, y en Hollywood Beach, para la escena del concierto al aire libre en la concha en la que aparece por vez primera Matty, surcados los escenarios de elementos que remiten al calor, esto atomizado por la prodigiosa fotografía de  Richard H.Kline (“Soylent Green” o “Star Trek”), trnsmitiendo el sudor y el ardor anímico de los personajes, jugando con colores cálidos, con los claroscuros, con aires nebulosos, con luz tenue, con profusión del patinado en rojo, rojo pasión y rojo sangre, emitiendo el sopor del clima de calor espeso que se te pega viscosamente a la piel, asombrosa. Y todo envuelto en la pegadiza, en la sugerente, en la sensual, en la tensa, en la deliciosa música del gran John Barry (La mítica melodía de James Bond), una melodía de jazz con piano y sobre todo un saxo que te embriaga, te seduce, te cuasi-hipnotiza, un crucial elemento atemporal, que acuna de modo portentoso la acción.

Spoiler:

Como todo gran film en cada revisión te das cuenta de detalles nuevos, como si la historia fuera algo vivo, te das cuenta que ella, la mujer fatal lo tramó todo desde años atrás, escogió a alguien libidinoso que además se creyera inteligente para no se sintiera engañado, para manipularlo de modo sutil con juegos de  seducción y el sexo, dejándole pequeñas migas de pan que él, el perdedor, irá cazando como un anzuelo para comportarse como ella quiere, nimias sugerencias, para inducirlo al asesinato, y él aún sentirse dueño de sus actos, planeador de todo, cuando realmente es preso de la maquiavélica Matty, ha sido ella  la artera maestra de marionetas.

Momentos recordables, algunos ya mencionados: En la primera charla entre Matty y Ned, ella “Usted no es demasiado inteligente, verdad? Me gusta eso en un hombre", él responde “Qué más le gusta? Perezoso? Feo? Salido? Soy todo eso”, ella “No tienes pinta de vago”... Él “Necesito que me cuiden. Necesito alguien para masajear mis músculos, alisar mis sábanas.”, ella le responde “Cásese”, él secamente “La necesito solo esta noche”; El segundo encuentro entre los dos en un bar de Pinehaven, ella “Mi temperatura está unos grados alta, alrededor de los 40. Nada grave. Será cosa del motor”, él “Precisaras una puesta a punto”, ella “Y naturalmente tu tienes la herramienta justa”... ella le habla del acoso de miradas y él “No deberías vestir así”, ella “Es una blusa y una falda, nada del otro mundo”, él “Entonces no deberías llevar ese cuerpo”; El arrollador primer encuentro sexual entre los dos amantes, de una escenificación Homérica, con ella invitándole a él a ver las campanillas de su casa, una vez en la vivienda ella lo hecha, él confundido se vuelve desde el coche y la ve a ella mirándolo tensa (de deseo), él cual animal en celo rompe con una silla un ventanal y se abalanza sobre ella en lo que será un tórrido fornicio; las eróticas imágenes de los dos amantes dentro de la bañero echándole cubitos; Ned dice a Matty sobre su marido "Ese hombre va a morir por ninguna razón, pero. . . queremos que lo haga"; Teddy Lewis advirtiendo a Ned de los peligros de su plan "Cuando tienes un crimen perfecto, hay 50 formas de meter la pata. Si consigues rebajarlos a 25, eres un genio. Y tú no eres ningún genio”; Cuando los  amigos de Ned, Peter y Oscar en la oficina de policía, le exhortan para no pase delante de la sobrina del asesinado, y este valientemente se enfrenta a ella; El clímax final nocturno en la casa de Matty, ella le ha pedido a Ned que recoja las gafas de la casita de herramientas, pero Ned está sobre aviso y no traga, más cuando ve desde una ventana unos sospechosos cables, entonces llega ella y él le espeta lo que sabe, entonces ella niega todo y como prueba se dirige a la casa de herramientas “maldita”, produciéndose una bella secuencia Ned y Matty separados a unos 20 metros, todo a oscuras excepto ella que resplandece de modo cuasi-mágico, ella desaparece, Ned duda de lo que sabe y la llama, entonces explota la casita, impactante; Los dos epílogos, primero un travelling cenital por el que llegamos a Ned tumbado en una litera en una celda de una prisión, de pronto se incorpora, se le ha hecho la luz, tras hablar con Oscar, de nuevo otra vez en su celda le llega un anuario de un instituto, Ned hojea las fotos, ve una y al pie el nombre de Matty Walker, pero la imagen no es la de Mary Ann Simpson, sigue pasando y llega  ala foto de Matty Walker, pero en el pie el nombre es el de Mary Ann, y sus deseos son ser rica y vivir en un lugar exótico, y entonces en una bella elipsis vemos a la conocida como Matty tumbada al sol en una tropical playa, y aun tipo a su lado le comenta el calor que hace, justo como conoció a Ned, pero al contrario, este le dijo que no quería oír hablar del calor, cerrándose el círculo.

En conjunto me queda una película redonda, todo en ella rezuma brillantez, el guión, personajes, actuaciones, ambientación, construcción de escenas que promueven sensaciones, increscendo dramático impresionante, giros que desconciertan, haciendo esto que sea uno de mis films favoritos, de los que no me canso de ver. Fuerza y honor!!!

LA PUERTA DEL CIELO.

Irregular western crepuscular escrita y dirigida por Michael Cimino, ha pasado a la historia del séptimo arte como uno de los films malditos, uno de esos fracasos que marcaron un antes y después en el cine, causante del hundimiento de la United Artists, compañía creada por Chaplin, Fairbanks, Pickford, y Griffith, tras un rodaje caótico, la productora ante el megalómano metraje, el que era el nuevo niño mimado de Hollywood, Cimino, tras su éxito (y oscarizada) con “El cazador” sufrió un varapalo tal que jamás se recuperaría de la hecatombe, tardó cinco años volver a filmar otro film, “Manhattan Sur”, siendo despedido anteriormente del set  de producción de “Footloose” por no haber aprendido de los errores de “La puerta del cielo”, solo rodaría cuatro films más. Cimino decidió que tras su Oscar por “El cazador” se embarcaría en un relato sobre el Nacimiento de la Nación, una historia oscura sobre una batalla desigual a finales del SXIX entre ganaderos adinerados apoyados por leyes estatales frente a colonos granjeros recién llegados de Europa (alemanes, búlgaros, rusos o ucranianos), en el estado Wyoming, la llamada Guerra del Condado de Johnson, para ello la UA le dio libertad presupuestaria que el realizador italoamericano sobrepasó en su grandilocuencia y enfermizo perfeccionismo por mucho, multiplicando por cuatro el presupuesto inicial hasta llagar a los 44 millones $, ello con recreaciones de la época cuidadas al mínimo detalle, con tropecientas repeticiones de secuencias, con dilataciones para filmar esperando la llegada de nubes para embellecer el plano, hay quien dice incluso que solo costó el rodaje la mitad del presupuesto, la otra parte fue a las drogas que corrían por el lugar, y al final en taquilla, a pesar de la compañía intentar paliar el colapso con un remontaje, solo recaudó 3,5 millones $, ni una décima parte del costo, encima la crítica se cebó con ella, siendo nominada a cinco Razzie, ganando Cimino al de peor realizador dos años de ganar el Oscar, siendo además nominada a cuatro más. Durante la década de los 70 hubo una ola de directores jóvenes (Scorsese, Coppola, George Lucas, Spielberg o el propio Cimino fueron prueba de ello) que con su éxito provocó que los estudios dieran gran libertad creadora a estos, pero el terremoto provocado por el desastre “La puerta del cielo” hizo que el control volviera a las compañías, atando en corto en la década de los 80 estas a sus cineastas. La crítica en general con el paso de los años se ha ido dividiendo entre los que les gusta el film y los que ve un ataque de pomposidad sin entramado sólido que sostenga su gran ambientación, yo me encuentro en el segundo grupo. Hay varias versiones del film, yo he visto la de 216 minutos, estrenada en 2012.

El centro del relato es el condado de Johnson en Wyoming en 1890, allí la Asociación de Agricultores y Ganaderos, representada por Frank Canton (Sam Waterston), ve como el ganado y sus tierras son, o como él cree, saqueadas y ocupadas por la oleada de inmigrantes que han llegado al continente en busca de un porvenir mejor, han tramado con ayuda estatal la ejecución de 125 de estos colonos sumarialmente. El Marshall del condado, James Averill (Kris Kristofferson) luchará por impedir la masacre, este está enamorado de Ella (Isabelle Huppert) dueña de un prostíbulo, que a su vez es pretendida por Nathan (Christopher Walken), que trabaja para Frank Canton, produciéndose un extraño triángulo amoroso. También tendrán importancia en la historia personajes como Billy Irvine (John Hurt), antiguo compañero de universidad de Averill, ahora compañero desencantado de Frank Canton, y John L. Bridges (Jeff Bridges), empresario colono amigo de Averill.

Es un western envuelto en la melancolía, ocasísticos, crepuscular, sobre el fin del oeste salvaje, nos habla con afán crítico sobre el doloroso parto de un país, sobre las luchas intestinas que edificaron los confines de los Estados Unidos, sobre como a través de la violencia se gesta la colonización de los pioneros que poblaron esta extensa tierra, sobre la eterna guerra entre ganaderos poderosos que necesitan infinitas tierras para su ganado paste y los granjeros inmigrantes que llegan después con sus penurias, siendo un obstáculo para la expansión física y económica de los ganaderos, para su progreso. Siendo en este sentido una cinta de clara tendencia política de izquierdas, arremetiendo con saña contra el “Sueño Americano”, para ello se encarga de hacer múltipresente en muchas escenas la bandera barras y estrellas de USA, reflejando el racismo, la xenofobia y el clasismo más atroz de la sociedad americana del momento, pero que Cimino intentó extrapolarla al contemporáneamente, sobre su doble moral, su hipocresía, sobre codicia desmedida, y sobre todo atacando el capitalismo salvaje, ello en un tiempo en el que estaba llegando al despacho oval un “cowboy” conservador como Ronald Reagan. Es un relato de amores compartidos, de frustraciones, de amistades, de desengaños, de amoralidad, y sobre todo de perdedores.

Todo esto es contado por Cimino con un gusto sensorial prodigioso, una ambientación superlativa, aprovechando al máximo la pantalla grande, expandiéndola los espacios abiertos de Wyoming son expuestos en toda épica su grandeza, nos muestran lo pequeño que el ser humano es ante la grandeza del mundo, explotando los escenarios marcados por el fenomenal diseño de producción de Tambi Larsen (“La rosa tatuada”, “Hud” o “El juez de la horca”), filmando paradójicamente nada en Wyoming, siendo recreado el estado entre Montana, en su Parque Nacional de los Glaciares, recreando al este del parque el pueblo de los colonos de Sweetwater, y en Wallace (Idaho), la ciudad de Casper, para la escena inicial se supone era en Harvard-USA, en realidad es la Universidad de Oxford (UK), recrea con mimo cuasi-enfermizo cada lugar, ejemplo fue el traslado de un árbol para plantarlo en un patio de Oxford para la escena del vals, con unos interiores fabulosos, de tabernas, cabañas, clubs sociales, el salón de la universidad, la impresionante “Puerta del cielo”, local social en el que se reúnen los colonos y que da título al film, colosal trabajo de decorados, se suma un extraordinario diseño de vestuario de J. Allen Highfill (“Un día de boda”, Bufalo Bill y los indios” o “Vivir sin aliento”), todo muy étnico en las vestimentas d elos colonos, en los pistoleros con esos quitapolvos de ondulaciones cuasi-operisticas y que puso de moda Sergio leone en su westerns, todo esto atomizado a la epicúrea fotografía del húngaro Vilmos Zsigmond (“Defensa”, “Encuentros en la tercera fase” o “El cazador”), una atmósfera cargada de lirismo visual, componiendo tomas de una belleza superlativa, con un patinado cálido-suave-tenue, cuadros que rezuman romanticismo estético,  de una beldad arrolladora, jugando con los claroscuros, con los rayos del sol filtrándose por las ventanas, con las penumbras experimentando con la luz natural, emitiendo tristeza, nostalgia, pesadumbre anímica, con hermosos travellings circulares creando sinfonías visuales, ejemplo el vals del inicio alrededor del árbol, o cuando seguimos al violinista (El propio compositor del score del film, David Mansfield) tocando en patines en la “Puerta del cielo”, una labor apabullante. Se añade la música creada por David Mansfield (“Manhattan Sur”, “El coronel no tiene quien le escriba” o “Transamerica”), una deliciosa partitura, envuelta en un aura estremecedora de melancolía, evocadora de sueños perdidos, maravillosa, de las que te conmueve, se añade en la escena del inicio el vals de  Strauss el “Danubio Azul”.

Desgraciadamente su apoteósica ambientación no es acompañada con un buen guión, su dirección visual no está en comunión con dar solidez narrativa al relato, sintiéndose por momentos una colección de preciosas viñetas mal cohexionadas, regularmente engarzadas, con personajes desequilibradamente descritos, con comportamientos erráticos, derivando en un argumento confuso con el que te es difícil conectar, a medida que avanza su metraje te sientes más y más frío ante lo que ves. Y es que set-piece por set-piece hay secuencia apabullantes, pero orgánicamente se siente torpe. Los victimarios del relato son los colonos inmigrantes, con los que debiéramos conectar para empatizar con su dolor, pero el realizador nos los muestra como una turba que se mueve de modo histérico, gritan bailan, fornican con furcias, se emborrachan, hacen peleas de gallos, bailan, no tienen forma definida, no hay alguien con quien empatizar, se mueven de modo comunal sin sentido alguno, al final te da igual lo que les pase. El triángulo amoroso entre la madame y los dos pistoleros se siente un deja vú ajado sin originalidad alguna, incluso y lo que es peor se siente un recurso simplista de autoplagio del triángulo de su anterior “El cazador”, el que se daba entre De Niro, Streep y el propio Walken, no hay fuerza alguna dramática en este tri-romance, al parecer te quieren hacer ver que James y Nathan fueron amigos alguna vez, pero no vemos acción alguna que delinee lo más mínimo esto, se siente todo impostado. Como el idílico burdel en medio de la nada regentado por Ella, quien se va a creer que esto existiera realmente, al albor de los bandidos que circulaban por entonces, todo chirriante. Un desarrollo que se siente débil, con ideas para embellecer el cuadro pero sin chicha para darle sentido, su transcurrir se siente como dientes de sierra, más pronto estas embelesado por la ampulosidad de la escena, como cuando baja la espuma se siente hueca de contenido, un glorioso envoltorio, con un caramelo con poco sabor, provocando con el paso de los minutos su indolencia rítmica deriva el cansancio del espectador al no estar sustentado en un progreso dramático que te absorba, y es que la megalomanía de Cimino no es capaz de apoyarla con un buen libreto, construyendo algunas escenas de acción de lo más torponas y mal llevadas (spoiler), que alarga en exceso momentos en que reluce su onanismo autocomplaciente visual en perjuicio de impulsar arritmia en la cinta, haciéndose además patente y sangrante un desaprovechamiento notorio de actores. Al principio parece que va a ser una historia en paralelo de contrapuntos entre James y Billy Irvine, pues los vemos a los dos en la Universidad, nos engañan haciéndonos creer tendrá Irvine importancia en la historia, pero después que desdibujado, ni sabemos que pinta en el argumento Irvine, ni es personaje con peso alguno, un delito no sacar jugo al gran John Hurt. Tampoco se nos explica cual es realmente el conflicto entre los ganaderos y los colonos, todo es confuso y envuelto en una nebulosa,  que nos hace perder el foco histórico en una revuelta bélica caótica.

Los actores quedan condicionados por unos roles no bien escritos (siendo benévolo). Kris Kristofferson un cantante country metido a actor en su segundo papel en cine tras la espléndida “Pat Garret & Billy the Kid”, lo hace bien, imprime carácter, reflexión, idealismo, carisma, manejando su mirada como arma de transmisión emocional, pero su personaje se pierde en un océano melancólicamente metido con calzador. Christopher Walken como Nathan es víctima de una regular descripción de personaje, se pasea por la pantalla sin no que nos enteremos realmente de que pinta en la cinta más una muleta en que apoyar en tri-romance poco creíble, un desperdicio de actor. Isabelle Huppert como la madame Ella desprende dulzura, ternura, ella si se cree el bi-amor que padece, una pena que el susodicho guión no le de un fondo que la perfile bien. John Hurt como Billy Irvine es otro que al principio parece  tendrá peso en la trama, pero un guión que parece atropellado por si mismo lo deja en un esbozo de decadente nihilista borrachín. Sam Waterston hace de un villano bastante plano, unidimensional, un sádico sin matiz alguno, lo que resta capacidad de sugestividad y trasfondo realista. Jeff Bridges como el líder oficioso John L. Bridges de los colonos, queda como todos difuso, sin personalidad, sin alma. Destacar en un rol pequeñito, y como no, desaprovechado, de Mickey Rourke, que sería el protagonista del siguiente film de Cimino, “Manhattan Sur” (1985).

Spoiler:

Hay empecinamiento en escenas que rozan el ridículo, comentaré algunas: Cuando tres hombres acorralan a Ella en su burdel, vemos una espeluznante secuencia en paralelo de todas las meretrices tiradas por los suelos masacradas, entonces el trío se pone a violar salvajemente a Ella, e irrumpe James en la habitación con dos pistolas, disparando a diestro y siniestro cargándose a los tres malos, y Ella, que estaba en medio del baleo no le pasó nada, por supuesto no hay un momento de dolor por las prostitutas asesinadas, meras figuras decorativas sin alma; No se entiende que para matar a tres tipos, Nathan y sus dos socios vaya un ejército de sicarios, pasado de vueltas; En el clímax final se produce una batalla sin pies ni cabeza, un sin sentido de proporciones bíblicas, los inmigrantes, tropecientos mil, rodean al ejército de Frank Canton, estos , que parecen dirigidos por el hermano tonto de Forrest Gump, en vez de huir para al menos posicionarse en un lugar de mayor ventaja se quedan en medio de un llano, siendo rodeados en círculos por los colonos, los de dentro del círculo y los de fuera disparan sin ton ni son, pero apenas hay heridos, Canton huye a por refuerzos y nadie de los colonos hace por acabar con él, llega la noche y se produce un cese de hostilidades porque sí, el ejército se queda en el llano, pero porque no huye? Los colonos fabrican parapetos con troncos con los que por la mañana atacan a los “malos”, estos cuando son arremetidos con estos torpes artilugios, en vez de coger caballos y rodearlos para dispararles se quedan en su sitio sin moverse, pero nos toman por idiotas?

Momentos recordables: Su bucólico arranque en la Universidad, con la contagiosa alegría de los estudiantes en su graduación, con una coreografía fascinante cuando bailan todos alrededor del árbol, Sublime; El turbador asesinato del colono por parte de Nathan, todo un alarde de desarrollo hermoso, con una cabaña en medio de un precioso páramo, con esas sábana rodeando un cerdo abierto en canal, con ese disparo a través de la sábana que atraviesa al colono, luego vemos al pistolero a través del agujero en la sábana blanca, sublime; La reunión en el club de los ganaderos con Frank Canton haciendo un discurso cual nazi en la “Solución Final”, con la guinda del posterior encuentro entre Frank y James Averill; Las imágenes de la caravana de inmigrantes tirando de sus carros, como esas que tenemos en mente de los refugiados de guerras que huyen de las mismas; La idílicas estampas de James Averill con Ella, paseando por los verdes páramos en el tiro de caballos, o de picnic frente a un lago, muy bucólico; El brillante tramo del baile sobre patines en “La Puerta del Cielo”, el gran salón de reuniones de los colonos, toda una lección de cómo mover la cámara alrededor de los personajes, con el violinista mientras patina, de una beldad suntuosa, sublime.

Hubo varias versiones de la película: El primer montaje era de 325 minutos, los ejecutivos del estudio pidieron se recortara para ser algo más comercial; La versión del estreno en cines era de 219 minutos, duró una semana en carteleras; Ante el estrepitoso fracaso se hizo una reedición, hasta dejarla en 149 minutos; En 2005 se volvió a recuperar el montaje teatral de 219 para proyecciones especiales en París y Nueva York; En 2012 se restauró digitalmente el metraje para la 69ª Mostra de Venecia, que luego se estrenó DVD y Blueray, eliminando el intermedio eliminado que había en la versión de 219 minutos.

El apoteósico fracaso comercial remite catástrofes cinematográficas previas como Cleopatra (1963), de Joseph L. Mankiewicz, su caso guarda más relación con el descenso que algunos colegas y contemporáneos de Cimino venían afrontando en aquella década no del todo ganada por los cineastas americanos de la generación del 70. Peter Bogdanovich ya había sufrido un peligroso revés con At Long Last Love (1975), Martin Scorsese lo había experimentado con New York, New York (1977) y resucitaba –en todo sentido- con Toro Salvaje, mientras Francis Ford Coppola se embarcaba en su infernal y pesadillesca aventura en el corazón de las tinieblas con Apocalypse Now! (1979). La leyenda (y varios testimonios directos) sostiene que Cimino desplegó un amplio arsenal de demenciales decisiones, tales como la de repetir más de cincuenta veces una misma toma, mandar a reconstruir sets y decorados completos por detalles ínfimos, someter a su elenco a continuas clases de cabalgata, baile, tiro con escopeta e incluso patinaje, elegir a una actriz francesa sin la capacidad de pronunciar claramente una sola palabra en inglés en el contexto de una película ambientada en el Lejano Oeste del siglo diecinueve o aguardar durante horas junto al equipo de eléctricos e iluminación a que las nubes se posicionaran donde él pretendía. Cimino estaba enamorado de su película y consumó su pasión a través de un auténtico vía crucis.

Hacia 1980 los estudios United Artists podían presumir de entenderse bastante bien tanto con el prestigio como con la taquilla. Entre sus producciones se encontraban películas como Midnight Cowboy (John Schlesinger, 1969), Rocky (John Alvidsen, 1976), Manhattan (Woody Allen, 1979) y Toro Salvaje (Raging Bull, Martin Scorsese, 1980), además de toda la saga de James Bond. Michael Cimino provenía del mundo publicitario y su filmografía hasta entonces era acotada. Apenas cuatro años después de su debut con Thunderbolt & Lightfoot (1974), protagonizada por Clint Eastwood y Jeff Bridges, Cimino alcanzaba la cima de su carrera con la realización de la multipremiada El cazador (The Deer Hunter, 1978). La unión de esfuerzos entre el prestigioso estudio y el laureado cineasta italoamericano tenía como objetivo dar vida a uno de los proyectos más ambiciosos de los que se tuviera recuerdo, una película que, en palabras de Steven Bach, el conflictivo productor ejecutivo de Heaven’s Gate, debía marcar una diferencia con respecto a la producción del resto de los estudios. Un poema épico sobre un episodio poco conocido en la historia de los Estados Unidos: el de la guerra sucia entablada por una poderosa asociación americana de ganaderos contra los inmigrantes de origen europeo de Wyoming, a fines del siglo diecinueve, por una disputa territorial. La guerra de Johnson County, ocurrida en abril de 1892, había sido definida por el propio director como un “genocidio blanco”. Cimino ya había demostrado su visión de América como crisol de razas en su película previa, que se centraba en un grupo de trabajadores metalúrgicos pertenecientes a la comunidad rusa de un pueblo del oeste de Pennsylvania. Cimino tenía encajonado el proyecto desde hacía varios años, y el impulso brindado por el éxito de El Cazador parecía abrirle el camino para darle forma definitiva. Al final Cimino llevó en su megalomanía a la ruina financiera de los legendarios estudios cinematográficos fundados por Mary Pickford, David W. Griffith, Charles Chaplin y Douglas Fairbanks en 1919, que pasaron a ser absorbidos por la Metro Goldwyn Mayer después de la debacle. La película fue un desastre artístico y financiero absoluto que se sostuvo una sola semana en cartelera, llevando a la quiebra al estudio y perjudicando seriamente la trayectoria posterior del director.

El presupuesto inicial era de 11.6 millones $, disparándose por diferentes motivos a los 44.  Un árbol fue talado, movido en pedazos, y trasladado al patio de la escena de graduación de Harvard 1870. Cimino disparó más de 1,3 millones de pies (casi 220 horas) de material de archivo. En privado, Cimino había expresado su deseo de superar a Francis Ford Coppola la marca de record de un millón de pies de material de archivo de Apocalypse Now (1979). Durante la producción a Cimino le apodaron "El ayatolá". La producción se retrasó muchísimo, retrasaba el rodaje hasta por que una nube no  le gustaba en la imagen. Como resultado de los numerosos retrasos, varios de los músicos traídos originalmente a Montana para trabajar en la película para tres semanas, terminaron esperando semanas a ser llamados para las sesiones, y simplemente se sentaron allí durante seis meses. John Hurt pasado tanto tiempo de espera en torno a la producción sin nada que hacer que se fue e hizo El hombre elefante (1980) de David Lynch , en el ínterin, y luego volvió a rodar más escenas en La puerta del cielo . El perfeccionismo de Cimino no tenía límites, y pronto todo el mundo vio que el director filmaba a un ritmo excesivamente lento. Mientras el presupuesto preveía dos páginas al día de un guión de ciento treinta y tres páginas, el ritmo real se acercaba más a los cinco octavos de página. Al cabo de los primeros doce días de rodaje, Cimino ya llevaba diez días y quince páginas de retraso. Comenzó a perder terreno al ritmo de un día por toma. Hacía levantar, tirar y volver a levantar decorados, y traer carretadas de extras. Rodaba diez, veinte, treinta tomas de cada escena, y hacía copias de casi cada una de ellas, unos tres mil metros al día (dos horas de película o más), lo que significaba un coste de doscientos mil dólares por día, lo que es lo mismo que decir un millón por semana. El presupuesto inicial acabó consumido cuando aún faltaban más de tres cuartas partes del rodaje. Cuando La puerta del cielo se estrenó, duraba tres horas y treinta y cuatro minutos.

La puerta del cielo terminó el rodaje en marzo de 1980. Según se informa, durante la post-producción Cimino cambió la cerradura de la sala de montaje del estudio, prohibiendo a los ejecutivos de ver la película hasta terminara su montaje. El editor ganador de un Oscar William H. Reynolds , dijo estar esclavizado por Cimino. Se ha rumoreado que algunos de los excesos observados en la historia de la producción de la película pudieron ser causados por el consumo de drogas en el set. En el libro de Harry y Michael Medved "El Salón de Hollywood de la vergüenza", una información anónima de producción que trabajó en la película es citado diciendo, "Mucha gente se pregunta cómo una película como 'La puerta del cielo' podría costar $ 40 millones. Voy decirlo. Veinte millones de dólares para la película y otros $ 20 millones para la cocaína para el elenco y la tripulación.  Costo de $ 44 millones (equivalentes a $ 126 millones al 2015) y el bajo rendimiento en la taquilla ($ 3.484.331 bruto en USA) generó una publicidad más negativo que el daño económico real. El fiasco tuvo un efecto más amplio en la industria cinematográfica estadounidense. Durante la década de 1970, los directores relativamente jóvenes como Francis Ford Coppola, Peter Bogdanovich , George Lucas , William Friedkin , y Steven Spielberg se les habían dado grandes presupuestos con muy poco control de estudio. Los estudios hicieron que  el poder de los directores disminuyera considerablemente, como resultado de las taquillas decepcionantes, como tanto “Witch” (1977) de Friedkin, y culminando en “Corazonada” de Coppola, siendo el zenit,  Cimino y su La puerta del cielo, poniendo fin a los excesos que había engendrado la puerta del cielo .

Además de estar situado en Wyoming y el hecho de que muchos de los personajes tienen nombres de las figuras clave en la guerra del condado de Johnson , la trama y los personajes mismos casi no tienen relación con las personas y acontecimientos históricos reales. Hubo un pequeño número de colonos que llegaron al norte de Wyoming, pero no había hordas de inmigrantes europeos pobres en masa , mucho menos mataban el ganado de los ricos por hambre. Lejos de ser un "mercenario” a sueldo de los ganaderos, Nathan Champion era un pequeño ranchero muy querido en el condado de Johnson, a quien los ganaderos ricos denominaron "rey de los ladrones" porque él se levantó contra su táctica de reclamar todo el ganado sin marca.  Jim Averell  era un ranchero de poca monta, a unas 100 millas (160 kilómetros) al suroeste del condado de Johnson. Junto con su esposa Ellen (o Ella) Watson, fue asesinado por los ganaderos ricos dos años antes del comienzo de la guerra del condado de Johnson. Ella no era una señora burdel como retratada en la película, es poco probable que alguna vez Watson o Averell supieran algo de Nathan Champion.

Cinta que me despierta contrastes, por un lado su magnificencia visual en viñetas sibaritas, y por otro está su aturullado guión que una vez debe hacer fluir el relato se pisa el pie una y otra vez, pariendo personajes imprecisos, con los que no empatizas y termina dándote igual lo que les pase. Fuerza y honor!!!