EL CUARTO MANDAMIENTO.

El segundo film de Orson Welles fue el comienzo de sus problemas en Hollywood, obra triturada por los productores, con más de 40 minutos eliminados del montaje de OW, incluso se rodaron escenas adicionales no dirigidas por él, hasta variaron el final. La lástima es que nunca podremos saber lo que quiso hacer OW, sabemos lo que ha quedado. Welles  produce, dirige y guioniza la novela de 1918 “The Ambersons”, de  Booth Tarkington, Premio Pulitzer (adaptada como película en 1925 titulada “Pampered Youth”, dirigida por David Smith), retitulada por OW “The Magnificent Ambersons”, un relato que nos habla de una era de cambios sociales y económicos reflejados en la revolución que supuso la aparición del automóvil. OW poseía interés personal en el libro, Booth Tarkington era amigo de la familia Welles, y al igual que George Minafer era considerado un niño mimado, asimismo el verdadero nombre del director era George. Welles adaptó primero la novela para un drama de radio, realizada el 29 de octubre 1939, por su equipo del Mercury Theatre en “The Campbell Playhouse”, con Welles encarnando a George Minafer, y proporcionando la voz en off, Ray Collins único actor de dicha producción que aparece en la película. Estaba presupuestada en 853.000 $, cifra similar a “Ciudadano Kane”, pero al final se disparó a 1 millón, que con los cambios posteriores de la RKO se fueron a 1,1 millones. Tuvo cuatro nominaciones a los Oscars, incluyendo mejor película. Aquí en España se renombró con “El cuarto mandamiento”, el que dice <Honrarás a tu padre y a tu madre>, haciendo referencia a las complicadas relaciones paterno-filiales.

La historia se centra en la adinerada familia Amberson, residen en una gran mansión en una pequeña ciudad del medio oeste en Indiana, arranca a finales del SXIX y se prolonga a los primeros años del SXX. La joven Isabel Amberson (Dolores Costello) es cortejada por Eugene Morgan (Joseph Cotten), tras un desencuentro por este emborracharse ella lo rechaza, tras lo que Eugene sigue insistiendo, pero Isabel termina casándose con un gris tipo, Wilbur Minafer (Don Dillaway). Tienen un hijo, George (Tim Holt), al que cubren de caprichos, haciéndolo un consentido arrogante, tras salir de la Universidad, los Amberson hacen una fiesta en honor a George, allí este conoce a la joven Lucy (Anne Baxter), de la que queda prendado, también conoce a Eugene, ahora un prometedor fabricante de automóviles,  por el que siente aversión, el problema para George es que Lucy es hija de Eugene. En el relato también tiene importancia Fanny (Agnes Moorehead), la hermana de Isabel, Jack Amberson (Ray Collins), hermano de Isabel, y el mayor Amberson (Richard Bennett), el patriarca de la familia.

En lo que ha llegado hasta nosotros queda un notable melodrama de época, una obra que evoca con nostalgia los viejos tiempos, un relato que explora el abismo que supuso el cambio de estilo de vida entre la tradicional vida de los ricos por vía hereditaria, especie de aristocracia anclada en un pasado decadente, reacia a los cambios generacionales, esto se refleja en la mansión barroca, esta choca de bruces con la ola de los nuevos tiempos, la revolución industrial, la gente emprendedora que desde abajo con buenas ideas y trabajo puede llegar al éxito, esto se refleja en Eugene y el automóvil, este cambio social y económico supuso que quien no supo adaptarse fue arrollado por la Era Moderna, supuso la irrupción de nuevas costumbres, donde la pseudo-nobleza que vivía mayormente de rentas, anquilosada en sus rancias etiquetas, tuviera verse forzada a elegir a convivir en este Nuevo Mundo o enmohecerse en el Viejo que se derrumba lenta e inexorablemente. Nos habla de esto y de más, la hipocresía, la doble moral, la codicia, las envidias, la altanería, el egoísmo, la petulancia, y sobre todo de los amores imposibles, los que más calan, los que nunca llegan pero se anhelan. Es la historia de dos familias que reflejan esta separación de sociedades, dos formas de relacionarse con los hijos la tierna de Eugene con Lucy, y la chirriante entre Isabel y George, de dos amores, el de Eugene con Isabel, es el amor maduro que se prolonga por años y que es torpedeado en su juventud por la soberbia y el orgullo malentendido de ella,  y el de Lucy con George, donde el hijo de Isabel no solo no ha aprendido de los errores de su madre si no que los maximiza, quedando un melancólico retrato de amores imposibles, al que se les une el platónico que tiene tía Fanny por Eugene, asimismo destacable la turbadora relación que tienen tía Fanny y George, compartiendo muchos de los tormentos. Todo lo contado enmarcado en el brillante estilo visual de OW, dotando de alma a los escenarios, siendo una de las protagonistas la mansión, que parece tener vida propia, a lo que ayuda la fenomenal fotografía de Stanley Cortez.

Welles firmó un contrato con la RKO para realizar dos películas, en las que dispondría de absoluta libertad, la primera era “Ciudadano Kane”, pero al finalizar “El Cuarto Mandamiento” debe viajar a Brasil para hacer un documental, “It’s all true” (documental que nunca hizo), por encargo de Nelson Rockefeller, con lo que en la distancia pierde el control del montaje final. El corte original de Welles era de 135 minutos, pero tras el fracaso en su proyección de prueba en un cine el productor ejecutivo George Schaefer, encarga al director Fred Fleck , al montador Robert Wise, y a Jack Moss  gerente del Welles Mercury Theatre, un nuevo corte con menos metraje, en el que además variara el final a uno más acomodaticio, la nueva edición incluye filmaciones adicionales y muchos minutos de cortes, dejando el film en 88 minutos, con más de 40 minutos eliminados, material destruido por la RKO con el fin de dejar espacio en su almacén (¿?). La nueva reedición variaba claramente el final, con lo que el tono del film de Welles cambiaba sensiblemente el cariz elegiaco que pretendía el director, curiosamente el final que quedó es el mismo que en la novela. Welles batalló para mantener su versión pero en la lejanía poco pudo hacer, Welles  tuvo en Brasil una corte de su montaje original, material hasta ahora perdido. Welles dijo más adelante, <Destruyeron “The Magnificent Ambersons” y eso me destruyó>, entre el material eliminado hay varias escenas que Welles consideraba de lo mejor del film, como lo que él consideraba el mayor logro técnico del film, una toma larga, cuidadosamente coreografiada en un plano-secuencia, una grúa que se desliza por los tres pisos de la mansión al salón de baile en la planta superior. Varios personajes hablaban y se movían dentro y fuera de la trama con la cámara moviéndose a su alrededor, para dar ritmo, los editores quitan la sección central de la toma, no vemos como en la escena del baile, George menciona a Lucy que vio a algunas personas que estaban en un club que estaba en hace muchos años, menciona que él era presidente de este club, insistió en ser presidente de la sociedad y amenazó con quitarles el salón del club si no era elegido, fue presidente. Hubo mucho más, como el final variado que cuento en spoiler. Por cierto, Robert Wise sostuvo que el original no era mejor que su versión editada. También la música de Bernard Herrmann fue mangoneada, tanto que más de la mitad fue suprimida y modificada, el compositor pidió su nombre fuera retirado de los créditos o emprendería acciones legales, algunas partes fueron reemplazadas por música de Roy Webb.

El elenco actoral es en su mayoría perteneciente a la compañía teatral Mercury de OW. Joseph Cotten realiza una gran interpretación, dota de carisma, vigor, fragilidad, dudas, remordimientos, de humanidad a su personaje, con gran mesura y poder gestual sutil nos llegan sus sentimientos, frustrado por un amor imposible, Welles era gran amigo de él, pero cuando se enteró el director que había rodado escenas adicionales con otro director su relación se rompió, amistad que se recompuso por cartas de disculpa que le escribió el actor. Dolores Costello resulta una enternecedora presencia, una débil mujer atrapada en los errores de arrogancia del pasado y oprimida por un malcriado hijo que la deja ser feliz por egoísmo. Tim Holt es el caprichoso hijo, ejemplo de cómo no se debe educar a un hijo, el actor lo encarna con elegancia, flema, apostura, intensidad, energía, maliciosa e hiriente labia, preso de unos ideales desfasados, gran química con Anne Baxter, ella encarna con una tremenda dulzura y encanto a la hija de Eugene, desborda encanto por la pantalla. Agnes Moorhead encarna al personaje más complejo y agrio, una solterona resentida, una especie de Lady MacBeth para su sobrino George, fulgurante en sus intervenciones, visceral, emocional, desgarradora como el momento que se que termina echada contra la caldera,  excelente. Ray Collins como Jack Amberson, borda de simpatía y sabiduría su rol.  Richard Bennett como Major Amberson aporta temple y majestuosidad.

La puesta en escena resulta brillante, con gran diseño de producción de Albert S. D’Agostino (“Encadenados”, “Retorno al pasado” o “El enigma de otro mundo”), se rodó en el área de Los Ángeles, incluyendo Big Bear Lake, Bosque Nacional de San Bernardino y Este de la ciudad, las escenas con nieve fueron en la casa de hielo de la Unión Ice Company en el centro de LA, siendo la estrella la mansión de los Amberson (utilizada posteriormente para films serie b de terror producidos por Val Lewton), un personaje más, símbolo del paso del tiempo, de la decadencia de una clase social, creada en los Estudios RKO en Los Ángeles, se construyó de verdad, con paredes reversibles, para permitir la fluida movilidad de la cámara, con esas majestuosas escaleras, manejadas de modo emocional, con esos barrocos techos, manejado todo esto de forma sobresaliente por la fotografía en glorioso en b/n de Stanley Cortez (“La Noche Del Cazador”), dotada de un lirismo fascinante, con juego de espejos, penumbras, claroscuros, con una grúa que se mueve por los diferentes niveles acentuando el dramatismo, oprimiendo a los personajes, provocando perspectivas de profundidad de campo angustiosas, con acción en primer y segundo plano, como cuando Isabel y Wilbur discuten, y de fondo en las escaleras vemos escuchar a George, cuando la cámara hace un contrapicado y vemos a Fanny más arriba en los escalones atenta furtivamente, asimismo juegan con los picados, los planos oblicuos, muchos planos-secuencia primorosos, bellos travellings, como el vertical que sigue a Dfanny y George discutiendo por la escalera abajo y arriba, expresivos primeros planos, lindos y suaves movimientos como en la escena del baile. Todo esto adornado sutilmente por la música de Bernard Herrman, acunando grácilmente la acción, aunque esta también fue triturada por la RKO.

Spoiler:

En el final original, Morgan va a visitar a Fanny en su casa de huéspedes, él le cuenta su visita al hospital para ver a George, dice que por fin han hecho las paces, también dice que aceptó finalmente su amor por Isabel. Durante esta secuencia, Fanny es inexpresiva, ha perdido la esperanza de que Morgan tenga nunca interés romántico en ella. Después de Morgan dice adiós a Fanny, y la película termina. Las audiencias se sentían incómodas con él y la escena final fue rehecha. El nuevo "final feliz" muestra a Morgan y Fanny salir del hospital después de haber visto a George. Morgan habla de su reconciliación, Fanny sonríe feliz y se van juntos. Antes de la edición final, Welles propuso al estudio mantener su final, pero añadiendo una secuencia de "créditos de cierre alegre" para dar a la audiencia un tono feliz, mostraría una imagen ovalada de un mayor Amberson más joven (Richard Bennett) en el uniforme de la guerra civil, una imagen de Ray Collins sentado en un mirador con el océano detrás de él, Agnes Moorehead jugando afanosamente a cartas con los amigos en la casa de huéspedes, y Joseph Cotten mirando por una ventana como Tim Holt y Anne Baxter van en coche juntos saludándolo a él. Imágenes similares se habrían mostrado de Dolores Costello, Erskine Sanford y Don Dillaway, no fueron aceptadas.

Hay un guiño a su anterior film “Ciudadano Kane”, cuando aparecen periódicos con la noticia en portada referentes al aumento de accidentes de automóviles, el diario es el Indianápolis Daily Inquirer, que era parte del holding ficticio de medios propiedad de magnate Charles Foster Kane, asimismo aparece en primera página la columna, "News Stage”, del periodista Jed Leland, con foto de Joseph Cotten, personaje encarnado por el actor en el primer film de OW.

Momentos recordables: Su original arranque, con la poderosa voz en off de OW  nos introduce de modo mordaz en este mundo que vamos a explorar, nos cuanta su evolución por medio de un hábil y divertido montaje de la evolución de la vestimenta, dejando traslucir la superficialidad en la que vivían la clase alta, a lo que sigue como nos cuentan la historia de a la familia Amberson y su opulenta mansión a través de los cotilleos de la gente; El precioso tramo del baile, de un detallismo impresionante; La tarde en la nieve, primero vemos como Eugene trata de arrancar su automóvil, de pronto llega George con un carro de caballos que les supera velozmente, pero en la curva siguiente desbarran y el caballo huye, los recoge Eugene y pone a George a empujar el coche para arrancarlo, lo hace mientras chupa humo del tubo escape, cuando arranca se sube George atrás y comienzan a cantar todos, habiendo una bella estampa del auto con la  nieve del auto, el cielo de fondo y un gran árbol en el lado, acabando en un lindo fundido sobre el coche; La escena en la cocina, cinco minutos en una sola toma, con George comiendo tarta mientras charla con su tía Fanny, como comienzan hablando trivialmente, ella le habla de sus sentimientos y desemboca cuando llega Jack en tensión latente, al hacer burla de ella, dejando patente la fragilidad de ella, OW dijo que esta escena fue filmada sin guión, aunque los actores habían ensayado e improvisado el diálogo varias veces; La alegórica del paseo de George con Lucy en carro de caballos por la ciudad y como un automóvil les sobrepasa envolviéndolos en polvo, el futuro le ha superado;  Durante una cena en casa Amberson, Eugene charla con Jack y el mayor de que el boom del automóvil es imparable, entonces George los corta y arremete con dureza contra el avance que supone el automóvil, esto teniendo de invitado allí a Eugene, empresario de automotores, su tío le recrimina el agravio hacia el invitado, pero Eugene le responde con nostalgia que a lo mejor tiene razón en sus críticas, que a lo mejor con los años todos nos arrepentimos de haber creado este medio de transporte; El duro momento en que George abre la puerta a Eugene para rechazar la visita a su madre; La enternecedora carta que Eugene escribe a Isabel; El simbólico tramo final en que George es atropellado físicamente por el futuro, por un automóvil.

 

Resulta singular el modo tan original con el que OW despliega los créditos finales, lo hace de modo oral, su voz recita sobre elementos inherentes al trabajo del que nombra, hasta llegar a los actores que aparecen en pantalla, acabando sobre un micrófono y <Yo escribí y dirigí la película, me llamo Orson Welles,  es una producción Mercury>, tras lo que aparece el logo de la RKO.

Una obra que adolece seguramente de los tramos escamoteados en el montaje, metraje que probablemente darían coherencia a algunas situaciones que se denotan abruptas y forzadas, le falta para dar un sentido orgánico pétreo y no parezca que es por momentos un tráiler de lo que será el film, tanto así que la hace faltar solidez para dar impresión de film crepuscular, se queda escaso, el tono elegiaco deriva en precipitado, ejemplo es que se va a darla vuelta al mundo George con su madre Isabel, anunciando en el pueblo que quizás no vuelvan y sin embargo no da sensación de haber pasado tiempo, del vacío enorme dejado es nulo.

Me queda una cinta difícil de calificares lo que pudo ser y no fue, con dosis de una maestría fenomenal. Es como si a “La Mona Lisa” le cortaran una cuarta parte, seguiría siendo una Obra maestra? Fuerza y honor!!!