TWIXT.

Con motivo de que este año se va estrenar el que según parece va a ser el último film de Francis Ford Coppola, su megalómano proyecto ansiado durante décadas, “Magalópolis”, me he visto el que era su última dirección hasta ahora, esta “Twixt” (produce, escribe y guioniza), una muy fallida propuesta de terror que entronca con sus comienzos en cine con “Dementia 13” (1963), y con su canto de cisne artístico del bueno con “Drácula de Bram Stoker”. El cineasta norteamericano es dueño de una filmografía Kolossal creada sobre todo en los 70, con cuatro de los mejores films de la historia en este tiempo, “La Conversación” (1974), pero sobre todo el díptico “El Padrino” y “El padrino II” (La tercera parte estrenada en 1990, pierde ante la majestuosidad de estas dos primeras), Everest del Olimpo del Cine, y una de las mejores cintas de guerra jamás filmadas, “Apocalypse Now”, pues alguien con este legado no debería pegarse tiros en el pie con estos productos serie b cargados de tópicos y negados de originalidad alguna.

 

El nombre FFC ha atraído a nombres conocidos al proyecto como son Val Kilmer, Bruce Dern, Elle Fanning, Ben Chaplin, Alden Ehrenreich, David Paymer, Joanne Whalley y Tom Waits. El ajado argumento es una historia de fantasmas, Coppola afirma haberla soñado después de emborracharse en Estambul con raki (licor turco), sigue a un novelista en apuros (Kilmer) que se topa con un misterio de asesinato en un pequeño pueblo, en el proceso entrando en un mundo alternativo de sueños. Este el elemento donde Francis se encuentra más a gusto, como si el batiburrillo de ideas de su muy visto argumento le estorbara, se echa en brazos de su director de fotografía rumano Mihai Malaimare Jr. (traído a Hollywood por Coppola para su “Tetro”, y posteriormente en su “Youth without Youth”, luego trabajará en films como “The Master” o “Jojo Rabbit”, siendo el DP de la aun no estrenada en España “Megalópolis”). Coppola declaró su preferencia ahora es mantener la cámara quieta porque encuentra el movimiento distrae, así que por diseño el aspecto tiene una especie de calidad casera. Prevaleciendo aquí mucho trabajo digital, recordando mucho a la cinta seis años atrás de Frank Miller & Quentin Tarantino & Robert Rodríguez “Sin City” (2005), sobre todo en las ensoñaciones, para crear en muchos tramos una cualidad gótica, mundos monocromáticos onírico-pesadillescos donde puntualmente destellan tonos fulgente cromáticos (llamaradas de fuego o de sangre roja), cual si rememorara su film de culto “Rumble Fish”, de la que también retrotrae Coppola su gusto los moteros como símbolo de la búsqueda de la juventud eterna en su actitud ‘peterpanesca’, hasta tenemos a un claro alter ego de El Chico de la Moto. Incluso en el colmo de lo pasado de vueltas, como si ansiara ser comercial (por Dios! que es Francis Coppola!), nos cuela dos escenas en 3D, metidas con calzador (anunciadas de modo ridículo con unas gafas revoloteando por la pantalla). También está influenciado FFC por su exitosa “Drácula de Bram Stoker”, llegando a parecer en su imaginería visual de ensoñación una especie de esbozo barato de esta, incluso algo de alguien que intenta copiar cosas de esta, incluso con el tema vampírico de por medio.

 

Escarbando un poco uno se da cuenta, si sabe de la filmografía ‘coppoliana’, de como gusta de ensalzar la juventud eterna, el detener el paso del tiempo. Aquí simbolizado en el campanario con site relojes, esto presente en Rebeldes, con la loa a la juventud, como era también en “Rumble Fish”, pero también tenía que ver en “Peggy Sue se casó”, protagonizada por alguien que vuelve atrás en el tiempo (25 Años), también presente en “Drácula de Bram Stoker”, el vampiro que no envejecía, algo similar a su penúltimo film, “Youth without Youth”, protagonizada por alguien que cual Benjamoin Button, no es que se mantenga con la edad, es que rejuvenece. Esto no hace mejor este film “Twixt”, ni mucho menos, pero es significativo de los mantras de FFC.

 

Lo de que el prota escritor (claramente un remedo low cost de Stephen King) sea ‘ayudado’ por una inspiración superior, en este caso Edgar Allen Poe, está ya muy sobado, este mismo año del estreno de “Twixt” Woody Alllen hace algo parecido con su “Midnight in Paris”. Esta mezcla de la poesía fatalista a lo Poe con la narración resulta errada, desequilibrada, desordenada, caótica, sin personajes con los que empatizar, provocando que en una cinta pretendidamente de terror no haya sustos que te remuevan, que te importe un bledo lo que les pase a los personajes es un fracaso.

 

Hay incluso veladas referencias en el guion a la trágica muerte a los 23 años de Gio Coppola (reconocido en los créditos finales como "colaborador creativo"), hijo de FFC. Falleció en un incidente con una lancha rápida el Día de los Caídos de 1986, a los 22 años, en Annapolis, Maryland. Griffin O'Neal, que pilotaba la lancha, había intentado pasar entre dos embarcaciones que se movían lentamente, sin saber que las embarcaciones estaban conectadas por un cable de remolque. Mientras O'Neal apenas tuvo tiempo de agacharse, Coppola fue golpeado y murió. Justo la misma muerte que se recrea aquí, siendo la hija del protagonista escritor la que muere por accidente, culpándose el padre de ello por estar borracho mientras sucedía y no poder estar con ella, lo que le añade al personaje el carácter trágico de mundo interior convulso tan facilón en muchos guiones. 35 años después FFC vuelve a remasticar esta tragedia de que un padre sobreviva a su hijo, pero lo malo es que lo hace en un film ligero, con trazos de comedia negra, siendo a la postre un truco barato para intentar dar calado emocional donde no lo hay, llegando a ser grotesco el saber de esta referencia metida con fórceps en una historia fachosa.

 

Hall Baltimore (Kilmer) es un escritor que ha pasado por una mala racha y se especializa en novelas basadas en la caza de brujas. En una firma de libros en un pequeño pueblo, el sheriff Bobby LaGrange (Dern), un fanático excéntrico, se acerca a él con dos solicitudes: que Hall lea su último trabajo y que también lo acompañe a la morgue para ver el cuerpo de una víctima de asesinato reciente, ya que Bobby cree que sería una gran historia. Hall acepta de mala gana, y en la morgue se entera de que la persona fue asesinada por un asesino en serie. A pesar de las ofertas de Bobby, Hall opta por no mirar la cara de la víctima. En la cafetería se entera de un hotel local que alguna vez albergó a Edgar Allan Poe. Esto, junto con los asesinatos y varias otras características extrañas de la ciudad, impulsan a Hall a anunciar a su esposa, Denise (Whalley), que quiere escribir una pieza basada en la ciudad. Después de quedarse dormido, Hall se muestra vagando por una versión onírica de la ciudad, donde conoce a V, una joven llamada Virginia (Fanning), apodada "Vampira" debido a sus extraños dientes y aparatos ortopédicos. V le dice a Hall que es fanática de su trabajo, pero no pudo asistir a la firma de autógrafos debido a que la torre del reloj de la ciudad siempre da siete horarios diferentes en conflicto. Hall intenta persuadir a V para que se una a él en el hotel (famoso por haberse alojado en él Edgar Allen poe) para tomar un refresco, ella se niega a ingresar al alojamiento. A pesar de esto, Hall ingresa al hotel y descubre está dirigido por una pareja extraña y excéntrica que habla sobre el horario de verano y la historia de asesinatos de la ciudad. V aparece en la ventana, solo para que la dueña del hotel la espante. V la muerde, lo que impulsa a Hall a correr afuera detrás de V y la encuentra amenazando a un sacerdote diciendo que "sabía lo que [él] hizo". Hall continúa siguiendo a V y se encuentra con Edgar Allan Poe (Chaplin), lo guía de regreso a la ciudad. Este personaje infunde a Hall inspiración mediante soliloquios que son parte de poemas y cuentos ‘poeianos’.

 

Coppola tiene ideas (muy usadas y macilentas en el género terror) potenciales, como el escritor frustrado, un pueblo donde aparece un cadáver misterioso, una torre del campanario con siete relojes con siete horarios diferentes, un hotel abandonado con un oscuro pasado, un cura fanático, apariciones de una pálida y hermosa joven núbil, asesinatos de niños, una logia de vampiros errantes en moto, una ouija, y hasta Poe. Todo ello metido en coctel simplista produce esta cinta que llega a parecer un telefilm por su anárquico relato. Tanto que no se sabe si es un film de fantasmas o de vampiros, y al final se queda en medio, ósea, en la nadería. Coppola parece divertirse más que el espectador con este amontonamiento de tópicos que derivan en un sinsentido, donde se viene arriba en la parte onírica, a cucharadas nos da pequeñas dosis de humor, diciéndonos con ello el propio FFC que no se toma en serio lo que nos cuenta, y lo demuestra con una narración farragosa, difusa, confusa, que desemboca en un final penoso.

 

Val Kilmer da bien con un papel en el que aparece divertirse vistiéndose al modo cliché de escritores, con sus sombrero demodé y la colita en el cabello, incluso llega a imitar al Brando de “Apocalypse Now”, pero no va más allá de un solaz trabajo, teniendo un chancesco tramo en un montaje en el que lucha con la primera línea de su nuevo libro, y se enoja y se emborracha cada vez más en el proceso. Las discusiones de su rol con su editor por videochat resultan de lo más sobadas. Seguro Coppola intenta hacer una crítica a los productores que han querido cortar su creatividad, pero si esta es la que tiene en esta cinta, Malo. También tiene una eliminable pelea con su esposa, también por videochat, nada aporta; Bruce Dern es otro que se nota entusiasmado con su disfuncional sheriff con nombre pomposo, lástima que ni sui actuación, ni su carácter de personaje entusiasmen; Elle Fanning aporta su belleza etérea, buena melancolía, pero su personaje es tan arquetípico que resulta acartonado; Ben Chaplin con Poe cumple sin más.

 

Spoiler:

 

Por no solo hablar de lo malo, tengo muy en cuenta quien está detrás para juzgarla. Tiene una sugestiva primera aparición de Virginia en medio de este bosque embrujado, efervescencia cuasi-espectral, con vestido virginal blanco, con corsé, de rostro pálido, inquietante; Esa imagen del sacerdote rodeado de niños tumbados inconscientes en círculo a su alrededor y luego degüella; La huida (muy “Sin City”) de Virginia en moto con Flamingo a la luz de la Luna Llena, y como el vampiro la muerde durante trayecto suavemente, mientras el cabello rubio platino ondea al viento líricamente; Hay unas bonitas escenas entre Hall y Poe, sin sacarles provecho real, pero sugerentes en como Poe describe su obra enfermiza, en como hace paralelismos entre todas sus ‘heroínas’; Tiene una apreciable música del compositor argentino Osvaldo Golijov y el artista estadounidense de música electrónica Dan Deacon, que crea ambiente lúgubre.

 

Rush final: En el mundo de los sueños, Hall se entera de que el sacerdote había drogado y asesinado a todos los niños para evitar que se unieran a Flamingo en el lago. V logró sobrevivir brevemente, pero fue perseguido y asesinado por el sacerdote. Avergonzado de sus acciones, el sacerdote se ahorca. Hall se da cuenta de que su bloqueo de escritor es el resultado de una forma de culpa por la muerte de su hija en un accidente de navegación, ya que había estado demasiado borracho para acompañarla esa mañana. Trabajando a través de sus emociones, Hall escribe una historia donde V sobrevive a los ataques del sacerdote y es rescatado por Flamingo. Hall se despierta en su habitación y descubre que Bobby se ha ido. Va a la oficina del sheriff, solo para descubrir que el ayudante del sheriff ha sido asesinado y que Bobby se ha ahorcado, dejando una nota que dice "Culpable". Molesto, Hall baja a la morgue para mirar la cara de la víctima del asesinato, solo para descubrir que es el cuerpo de V y que había sido empalada con una estaca. Hall le quita la estaca del pecho, momento en el que V despierta y lo ataca con un nuevo par de colmillos alargados. La pantalla muestra al editor de Hall, Sam Malkin, que prepara un nuevo manuscrito y le dice a Baltimore que le encanta la historia (dando a entender que todo, desde la primera secuencia de sueños hasta este punto, ha sido el manuscrito en sí) y que ve una serie completamente nueva por delante para Baltimore que lo hará más popular que nunca. El texto posterior a la película revela que la serie fue moderadamente popular, el asesinato de LaGrange nunca se resolvió y que nunca más se supo de Flamingo.

 

En una entrevista con The New York Times, Coppola habló sobre los orígenes de la película, que según él "surgió de un sueño que tuvo el año pasado, más bien una pesadilla" y "parecía tener la imaginería de Hawthorne o Poe… Pero mientras lo estaba viviendo me di cuenta de que tal vez era un don, ya que podía convertirlo en una historia, tal vez una película de miedo, pensé incluso mientras estaba soñando. Pero entonces un ruido fuerte afuera me despertó y quise volver al sueño y obtener un final. Pero no podía volver a dormirme, así que grabé lo que recordaba allí mismo en mi teléfono. Me di cuenta de que era un entorno de romance gótico, así que de hecho podría hacerlo todo en mi base de operaciones, en lugar de tener que ir a un país lejano.”

 

Twixt se filmó en la propiedad de Coppola en el condado de Napa, así como en lugares del condado de Lake, California, incluida la ciudad de Clearlake, el centro de Kelseyville y Niza.

 

La película marca la reunión en pantalla de los ex cónyuges, Val Kilmer y Joanne Whalley.

 

Una muestra más de que los 70 acabaron hace mucho para FFC, aun así, espero con pasión “Megalópolis”. Gloria Ucrania!!!

 

PD. El título de la película se refiere a los dos mundos explorados en la película, el mundo de los sueños y el mundo de la vigilia.

 

THE RIVER (1928)

 

Fascinante melodrama romántico (en el que curiosamente en el material que ha quedado no se dan un beso los amantes) dirigido por el maestro del género Frank Borzage. “The River” es una película que durante mucho tiempo se pensó perdida, ya que el nitrato de la película se descompuso a lo largo de los años y Fox destruyó la última copia de 35 mm después de considerarla inutilizable. Afortunadamente, finalmente se encontró un duplicado del original de 16 mm y ahora se puede ver la mayor parte de la película. El film original duraba ochenta y cuatro minutos, dura cincuenta y cuatro en su versión actual. Faltan el principio, dos secuencias intermedias y el último carrete completo, pasajes sustituidos en la nueva edición por fotogramas de los archivos del estudio y los personales de Frank Borzage. La continuidad narrativa y los intertítulos respetan así el guión original presentado a la UCLA, y hoy podemos tener una visión bastante precisa de la obra, aunque las escenas perdidas impidan disfrutar plenamente de esta obra maestra del cine mudo. Originalmente, además de secuencias con diálogos audibles o secuencias habladas, la película presentaba una banda sonora sincronizada y efectos de sonido junto con intertítulos en inglés. La banda sonora se grabó utilizando el sistema de sonido en película Movietone. La versión reconstruida fue producida por el Munich Filmmuseum, en colaboración con las cinematecas de Suiza y Luxemburgo. Esta versión fue proyectada en 2006 por el American Museum of the Moving Image en la ciudad de Nueva York. El metraje sobreviviente representa prácticamente en su totalidad el romance de Allen John (Charles Farrell) y Rosalee (Mary Duncan), columna vertebral de la historia. Lamentablemente, no sobrevivió ninguna de las secuencias habladas.

 

Cuando se estrenó, la película fue perseguida por la desgracia: al no saber muy bien cómo promocionarla, Fox disfrazó la obra con un prólogo musical y un final hablado, filmado a espaldas del director (la versión sonora no se vio fuera de los Estados Unidos). La fuerte sensualidad de las imágenes conmocionó a la América puritana. Se prohibió la proyección de “The River” en muchos Estados y un consenso tácito limitó su difusión. Muchos periódicos la silenciaron, boicotearon la publicidad e incluso el «New York Times» sólo le concedió un pequeño párrafo, avergonzado. En Europa, la recepción fue más cálida y los cinéfilos franceses, entre ellos el joven Marcel Carné, elogiaron la película (7 semanas en exclusiva en París).

 

Aun con el material faltante es una obra sublime de amor puro, con secuencias conmovedoras de un poder trémulo en su transgresión erótica muchas, con un simbolismo enervador, sobre todo tenido en cuenta el tiempo en que se rodó. El escenario, potenciado por la gran cinematografía de Ernest Palmer (“El Ángel de la Calle” o “Flecha Rota”) crea un microcosmos edénico en el valle en medio de la más vasta naturaleza, aislados del mundo, lar angosto, con un rio salvaje, azotado por el viento, la nieve, el frio, y ahí germina el amor más puro, el carnal, el que surge del deseo, de los juegos de seducción de ella, los mecanismos de dominación, los impulsos sexuales, la pasión atávica (reflejada en por ejemplo al simbólica secuencia de él cortando árboles con su hacha en medio de una tormenta de nieve, exponiendo su lívido a reventar), donde solo la pareja existe (un poco aparece el sordomudo Sam encarnado por Ivan Linow), 

 

Para dominar cada elemento de su producción, Borzage necesitaba rodar en un estudio y para esta película hizo que su diseñador de producción designado, Harry Oliver (“El Séptimo Cielo” o “El Ángel de la Calle”), construyera un impresionante decorado en un terreno de 100.000 metros cuadrados perteneciente a Fox (Fox Hill). Así aparece un trozo de las Montañas Rocosas a pocos kilómetros de Hollywood con su curso de agua, sus acantilados, sus casas sobre pilotes, el andamio de una presa, todo ello rodeado de cientos de pinos plantados para la ocasión.

 

Frank Borzage fue conocido por dirigir películas románticas y sentimentales a lo largo de su carrera, y este film es epítome de ello. Borzage hasta la adopción del Código Hays, aborda la cuestión de la sexualidad sin vergüenza. Pero hasta ahora era en pequeños toques, una prenda que se desliza y deja ver un poco de carne, un intercambio de miradas, un gesto o una situación sugerente. Aquí, en el apogeo de su carrera tras los inmensos éxitos de “7th Heaven” y “Angel Street”, convertido en su propio productor, puede dar rienda suelta a su audacia, representando escenas increíbles para la época (Rosalee acaricia su pecho y luego toma la mano de Allen John para continuar con este gesto), goza de palabras de doble sentido y simbolismo sexual claro (el remolino del río).

 

Está el choque de dos personalidades antagónicas, dos polos opuestos que se atraen, ella una seductora Mary Duncan como una femme fatale de mundo (maravillosa la forma de expresárselo al espectador cuando vemos su baúl rebosante de pegatinas de varios países), y Charles Farrell como ingenuo e idealista joven, manteniendo gradualmente una relación turbadora en como ella lo manipula y él no puede evitar serlo, generando entre ambos una tensión sexual latente cutánea para el espectador. Aquí ella es la que manda, ella es la experimentada, la que se ríe del cándido y núbil chico. Los dos nos regalan unas actuaciones brillantes, con encanto, con empatía, desprenden luz sus personajes, con una química extraordinaria. Borzage también dirigió a Farrell, junto a Janet Gaynor, en “Seventh Heaven” (1927), “Street Angel” (1928) y “Lucky Star” (1929).

 

Allen John Pender (Farrell) es un joven inocente que desea hacerse a la mar en el barco que ha construido. Se enamora de la hastiada Rosalee (Duncan), la ex amante de un hombre que ahora está en prisión por asesinato. Una joven cuyo amante está encarcelado por asesinato conoce a un joven vagabundo. Aislados por la naturaleza hostil y el mal tiempo, se llevan bien y poco a poco surge entre ellos un sentimiento romántico mientras la joven es "observada" por el cuervo que su amante dejó para tal fin.

 

El guion es de Dwight Cummins y Philip Klein (“El Ángel de la calle” o “Cuatro hijos”), adaptan un libro de Tristram Tupper. Borzage se vale de una genial habilidad para las alegorías visuales. Primero (en la primera secuencia narrativamente que ha quedado) vemos una épica secuencia de como cientos de trabajadores (construyen una presa) marchan de este valle por laberínticas escaleras, pasarelas, puentes colgantes dejando atrás un poblado de cabañas adosadas en escalera. Tras ello tenemos el primer encuentro entre los protagonistas, primero vemos a Rosalee sentada en una roca junto al rio, ‘custodiada’ por su cuervo (Antológico elemento simbólico que encarna al marido ausente) observa un tonel flotando en el rio que fluye a un remolino que se lo traga todo en las aguas bravas, símbolo del fatalismo, el remolino de las vidas. Y de las aguas, el cuasi-paraíso entre las montañas rocosas, emerge flotando distendidamente este particular Adán desnudo. Tras una primera charla él dice que debe coger el tren para pasar el invierno fuer del valle. Ella se mete en su cabaña y él se marcha rápido para no perder el tren, en una edición genuina, vemos por un lado a ella paciente esperarlo a él, sabe que volverá, y a él dubitativo ante subir a la estación o no, hasta que pierde el tren y vuelve abajo para llamar a la puerta de Rosalee que lo espera, sabe de su poder de atracción animal. Ella lo invita a comer, y él le prepara leña para calentar (otro elemento alegórico el de que él hombre prepare la leña para calentar…). Tras ello tenemos uno de esos recursos freudiano-simbólicos, muy manejado en el cine como es el que una pareja juegue a las cartas, en realidad están teniendo sexo (“El apartamento” o “Viridiana”, son ejemplos de esto), para más inri, ella termina tumbada sobre la mesa sensualmente cuasi-ofreciendose a él, mientras él mira temeros al vigilante cuervo, mientras suelta unas sonrisitas de medio lado expresando timidez (me recuerdan y mucho a las de Jim Parsons con su rol de Sheldon Cooper en “Big Bang Theory”). Tras lo que sale a colación lo que mide cada uno, y se juntan para comprobar la comparativa, primero ella de espaldas se pega a él con su trasero, luego se descalza y se coloca de frente pegando su pecho a él, en clara simbología de posiciones sexuales. Tras lo que él vuelve a intentar coger el tren. Tras una elipsis narrativa sobre el material faltante. Volvemos a ver a Allen junto al fuego (habrá traído leña para ‘calentar’), y ella aparece con un batín asiático (simbología de perversión eran los elementos asiáticos entonces).

 

La cámara auspiciada por Borzage está enamorada de los protagonistas, los acaricia, se fija en los pequeños detalles entre ellos, parecen solos en el mundo, solo está el recordatorio del cuervo. Ella juega con la notoria inocencia de él, utiliza su atractivo sexual para que la desee, como en la escena en que el coloca el tablero para jugar a las damas, ella lo mira, luego m ira a la jaula con el cuervo que ha soltado, la sombra de la jaula se proyecta sobre la pared, tras Allen de modo enorme, entonces ella con su mano  tira el tablero con sus piezas y se recuesta sobre la cama, claramente excitada se acaricia el pecho (ella dice que es el corazón palpitándole a toda prisa), hace que él le ponga la mano sobre el mismo, se abrazan apasionadamente y entonces el cuervo salta sobre ellos. Rosalee ida de sí, cual si fuera el espíritu de su marido atacándolos decide matarlo con un cuchillo, Allen trata de impedirlo y termina siendo él mismo el apuñalado levemente, lo cual parece incidir en su relación con visos masoquistas (vuelve a acentuarse la transgresión); Esto nos lleva a un tramo arrolladoramente cargado de erotismo exacerbado. Ella ha rechazado su propuesta de matrimonio, él encolerizado sale afuera en medio de la tormenta de nieve y coge un hacha y comienza a cortar árboles, otra vez la leña para la mujer como símbolo de ansiar darle ‘calor’, incluso Allen dice que quiere demostrarle que es mejor que su esposo, que es más Hombre (la testosterona) que él. Tras ello exhausto llega a su barca y se desmaya helado. Sam (el sordomudo amigo del asesinado por el marido de Rosalee) que es amigo de Allen llega con caza por la nieve y al visitar a Allew lo encuentra tirado en el suelo congelado, y lo lleva a la cabaña de Rosalee. Le frotan nieve por el pecho desnudo en un esfuerzo por bajarle la fiebre, pero su corazón deja de latir, Rosalee desesperada manda a Sam a por ayuda. Entonces enojada, al darse cuenta de lo mucho que lo ama, Rosalee se mete en la cama con Allen John y trata de calentarlo con su cuerpo. Borzage filma sus rostros en primer plano con intensidad electrizante, deteniéndose en los ojos límpidos de Farrell, ella ora por que le vuelva la vida en una mirada desesperada. Escena esta del abrazo de una carnalidad prodigiosa, teniendo el colofón que entronca con un film de culto danés (no diré más para no hacer spoiler).

 

Spoiler:

 

 

La secuencia en la que Rosalee resucita a Allen de entre los muertos se encuentra entre las cumbres del cine, entroncando con la resurrección deidífica de “Ordet” (1953); Lástima que se haya perdido el rush final: La aparición del marido justo cuando los amantes se van a marchar rio abajo hacia el océano. Hay una pelea entre Allen y Marsdon (Alfred Sabato), hay una persecución por caminos al filo de la montaña, Rosalee cae al rio. Aparece Sam y mata a Marsdon. Allen se tira al rio a salvar a Rosalee absorbida por el remolino, tras la tensión, Allen emerge salvando de la muerte a Rosalee. Fin.

 

Aun con la carencia de metraje sensacional film, de los que calan por su fuerza conmovedora. Gloria Ucrania!!!

 

THUNDERBOLT. (Doc. 1947)

 

Sugestivo mediometraje documental de guerra dirigida y editada por el teniente coronel William Wyler, que hizo "The Memphis Belle", y el capitán John Sturges. Documentaron las operaciones aéreas estadounidenses de la Operación Strangle en la WWII, cuando los aviadores de la Duodécima Fuerza Aérea con base en Córcega obstaculizaron con éxito las líneas de suministro del Eje a la Línea Gustav y la cabeza de playa de Anzio. Filmada originalmente en color de 16 mm por miembros de las Fuerzas Aéreas del Ejército, algo poco dado en su tiempo las grabaciones en color. La 12.ª Unidad de Cámara de Combate grabó imágenes de combate utilizando cámaras montadas en algunos de los P-47 y un bombardero mediano B-25 equipado como barco de cámara para acompañar a los cazas. Narrado por Lloyd Bridges y Eugene Kern, pretende seguir a un escuadrón P-47 Thunderbolt del grupo a través de una misión de interdicción desde el momento en que se despiertan hasta su regreso a la base después con un avión desaparecido. Los directores editaron su metraje para recrear una misión contra un objetivo no identificado en el norte de Italia que se asemeja a una misión del 1 de mayo de 1944 contra un túnel ferroviario en Rignano sull'Arno-Italia, en la que el teniente coronel Gilbert O. Wymond Jr. fue galardonado con la Estrella de Plata por destruir un depósito de municiones oculto en una casa cerca de Siena y sufrió graves daños en su P-47, Hun Hunter XIV. Wymond aparece de forma destacada con su P-47 a lo largo del documental. Los directores Wyler y Sturges, que servían como oficiales de la AAF, estuvieron asignados a la 12.ª CCU durante el período en el que se filmaron las actividades del 57.º Grupo de Cazas.

 

‘Aunque se mostró a la prensa a finales de 1945, “Thunderbolt!” no se estrenó en general hasta 1947 por Monogram Pictures, y se volvió a estrenar en 1950 durante la Guerra de Corea. La mitad de las ganancias de 1947 del estreno de la película se destinó a la Army Air Force Relief Society y al Tesoro de los Estados Unidos. La introducción de la película a cargo de James Stewart se filmó a finales de enero de 1947. Stewart había comandado un ala de bombarderos como coronel durante la guerra. Stewart, tuvo contextualizar la WWII para el público llamándola "historia antigua". Esta película se estrenó sólo dos años después, en 1947, pero mucha gente estaba harta de la guerra en ese momento y James tuvo que tenerlo en cuenta. También es interesante señalar que comandó aviones durante la guerra como coronel y es el actor de Hollywood de mayor rango que estuvo en el ejército.’

 

La película muestra el poder aéreo aliado, aquí no hay enemigos aéreos, los yankis son los dueños de los cielos italianos y bombardean a placer, por lo menos por lo visto aquí. Ametrallan y bombardean las líneas de comunicación alemanas a unas 200 millas detrás del frente, finalmente rompiendo por estrangulamiento de las líneas de abastecimiento germanas, el punto muerto que mantuvo al Quinto Ejército USA y al Octavo Ejército UK durante cinco meses en la Línea Gustav en Italia. Este patrón de apoyo aéreo táctico, en el que los aviones de combate estaban equipados con bombas de 500 libras debajo de cada ala y salían a cortar los ferrocarriles y bloquear las carreteras y vías fluviales utilizadas por los alemanes para llevar hombres y suministros al frente en Cassino y Anzio, más tarde se convirtió en el patrón para las operaciones aéreas en Francia y Alemania. "Thunderbolt" describe gráficamente este uso del poder aéreo, al tiempo que se refleja la rutina de vida en tierra en la base en Córcega, como mataban el tedio de la espera entre misión y misión.

 

William Wyler comenzó a trabajar en esta película en 1944 como contrapunto a su película más conocida sobre la 8.ª Fuerza Aérea, "Memphis Belle". Mientras esta última trataba sobre la campaña de bombardeo estratégico llevada a cabo por bombarderos multimotor de largo alcance, el tema de "Thunderbolt" eran misiones tácticas llevadas a cabo por cazabombarderos monomotor y monoplaza. Las tripulaciones de los bombarderos estratégicos podían esperar ser enviados a casa tras 25 misiones, los pilotos de los cazabombarderos volaban cientos de misiones, con frecuencia llevando a cabo varias en el transcurso de un solo día.

 

Una cinta interesante, sirve como documento histórico incisivo, con el aliciente del color original y no el tratado posteriormente, dando un realismo punzante a lo que vemos, como los colores de los aviones, las pinturas que los adornan, los colores del cielo, los campos, construcciones, trenes bombardeados y como explosionan

 

La película no tiene mucho en cuanto a una historia. Comienza mostrando áreas desoladas de Italia en marzo de 1944, señalando este fue el cumplimiento de la promesa del fascismo, idea dedicada a la proposición de que algunos hombres están destinados a ser esclavos de otros. A continuación, la película lleva a la audiencia a la base aérea de Alto, en Córcega, donde nos presenta a los miembros del 65.º Escuadrón de Cazas y explica los objetivos de la Operación Strangle a través de una sesión informativa después del desayuno que se fusiona con un mapa animado de Italia que muestra a los aliados atrapados en la línea Gustav y la misión de cortar las líneas de suministro destruyendo puentes y carreteras en el norte de Italia. La película sigue a los pilotos, liderados por su joven comandante de escuadrón, a través de los momentos tensos previos al vuelo, los identifica por su nombre mientras despegan en parejas y observa su viaje hacia el continente mientras vuelan en formación. Entonces puede nos conmovamos al enterarnos de como todos escasamente pasan de los veinte años. Tras ello entramos en la misión del día, en plan subjetivo y gracias a la vibrante labor de edición nos sentimos parte de estos cazas lanzado andanadas de proyectiles a puentes, trenes, caminos, a granjas en busca de arsenales ocultos. Tras la jornada de ‘trabajo’ vuelven y los vemos en medio de búsquedas de divertimentos, bromas a enfermeras, salidas al mar en artilugios creados a partir de chatarra, o emborrachándose.

 

La cinta se siente como un programa de propaganda para que los jóvenes se alisten en la aviación, se enaltece la vida como piloto de caza, se les ve amos del aire, una labor diaria sin más peligro, por lo visto aquí que tener un accidente. Pero aquí no hay enemigos combatiendo en igualdad de condiciones, no vemos perdidas en la batalla, se dice que un caza no vuelve de la misión, pero no sabremos el motivo (si por accidente, por avería que tuvo que aterrizar, si el piloto saltaría, …). No sentimos aquello de como van cayendo uno tras otro, no hay muertos en guerra, esto da un cariz demasiado idealizado de lo que son las guerras aéreas.

 

Lo peor y más desgarrador para un piloto de un ‘Thunderbolt’ que se ve, es el mencionado accidente, sacado el piloto carbonizado de los restos en llamas de su caza con un gancho.

 

También reluce cierto tono de ensañamiento contra el vencido alemán e italiano. Vemos imágenes al principio de cadáveres demacrados en los que sugiere que ellos se lo buscaron metiéndonos en la guerra, generalizando y con ello convirtiéndoos en aquello que se critica, pues quien me dice que los muertos que vemos eran partidarios de Mussolini o Hitler, simplemente les pilló la contienda en el lado perdedor de la contienda; Se comenta con tono irónico (pasado de rosca) que en Córcega había algunos ‘buenos alemanes’, tras lo que vemos una toma de un cementerio en ruinas, sugiriendo aquello de ‘alemán bueno es alemán muerto’; También vemos bombardeos indiscriminados, casi como un juego, en los que eran objetivos granjas en medio de los campos buscando al azar escondites de explosivos, en uno si hay ‘suerte’ (¿?), en el resto se destroza la casa de simples campesinos (¿?); Esto da una idea de que la cinta formaba parte del aparato de agitprop USA, intentando deshumanizar al enemigo, haciéndonos ver que lo que le pasaba se lo merecía, metiendo en el paquete, sin mencionarlo, pero quedando claro, los daños colaterales a civiles. No hay nada de autocrítica hacia esto, pero no solo es comprensible por cuando se filmó, si no que sirve para ver la mentalidad de entonces.   

 

Spoiler:

 

La película termina con los aliados liberando Roma dos días antes del día D, el 4 de junio de 1944. La guerra en Italia llega a su fin y la rendición del aliado de Hitler no lo toma por sorpresa. Al final de la película, aparecen las palabras "EL FIN", seguidas de un signo de interrogación rojo.

 

Tras el éxito de su documental Memphis Belle: A Story of a Flying Fortress, filmado en la primera mitad de 1943, Wyler regresó a Europa con un equipo formado por Sturges y el guionista Lester Koenig. Llegó a Roma poco después de su liberación en junio de 1944, seguido por el resto del equipo unos días más tarde, centrándose en la Operación Strangle por sugerencia del general Henry H. Arnold. Se unieron a la 12.ª CCU, donde Wyler reclutó al ex fotógrafo de vida salvaje, el sargento Karl H. Maslowski, en su equipo como director de fotografía. En julio, volaron a Alto Landing Ground en el noreste de Córcega, la base del 57.º FG. El comandante del 57.º Grupo, el coronel Archie J. Knight, actuó como asesor técnico de la producción.

 

Wyler a menudo siguió a las unidades terrestres de primera línea en Italia durante el período del proyecto, filmando desde tierra los daños en la batalla infligidos por los aviones, pero Sturges y el resto del equipo se quedaron con el 57th FG, filmando sus misiones de combate, hasta septiembre de 1944. Wyler y la mayor parte del 12th CCU acababan de ir al sur de Francia en un intento de filmar los ataques de los cazabombarderos desde tierra cuando la unidad recibió la orden de regresar a los Estados Unidos por parte del Cuartel General de la AAF; había estado en combate casi dos años. Maslowski fue transferido al 9th ​​CCU y Wyler utilizó a sus camarógrafos para tratar de completar la tarea, pero el clima resultó demasiado malo para la fotografía en color y solo se obtuvieron más imágenes de los daños en el terreno.

 

Wyler y Sturges volaron a Londres en octubre para editar la película y procesarla en 35 mm con Technicolor en los laboratorios Eastman Kodak. Descubrieron que solo el 1% del metraje de las cámaras montadas en los P-47 era utilizable. El retraso adicional en la edición significó que Sturges y Koenig regresaron a Hollywood para continuar editando el metraje en bruto y escribir el guion de la narración. Wyler permaneció en Europa recorriendo las áreas capturadas y en marzo de 1945 decidió hacer un último vuelo en el B-25 para filmar más "tomas de la atmósfera".

 

Al final de la guerra, Wyler llevó a cabo una infructuosa campaña de cartas para encontrar un distribuidor de Thunderbolt. Tras recuperar parte de la audición en su oído izquierdo, Wyler terminó la película e intentó conseguir apoyo para su estreno mostrándola a publicaciones comerciales de Hollywood en octubre de 1945. Sin embargo, la continua falta de interés impidió que la película se estrenara en cines hasta julio de 1947, cuando Monogram Pictures la distribuyó, donando una cuarta parte de las ganancias a la Army Air Force Relief Society y devolviendo otra cuarta parte al gobierno de los EE. UU.

 

Los cazabombarderos que aparecen en la película son P-47, a los que la Fuerza Aérea del Ejército dio el emotivo nombre de "Thunderbolt". Sin embargo, para quienes los pilotaban, el P-47 era invariablemente conocido como "The Jug", en parte debido a su forma redondeada, pero más especialmente como una contracción de la palabra "Juggernaut". Porque un Juggernaut era precisamente lo que era el P-47. El Jug fue el caza monoplaza más grande que sirvió durante la Segunda Guerra Mundial. Llevaba ocho ametralladoras de 12,7 mm junto con una gran carga de bombas o cohetes, y era capaz de traer a su piloto a casa después de absorber una cantidad considerable de daño en batalla. A diferencia de cualquier otro caza de la época, el Jug tenía un motor refrigerado por aire, lo que significaba que su piloto no tenía que preocuparse por un sistema de refrigeración líquida que era vulnerable a los daños del fuego enemigo. Debido a esas características, el Jug se hizo popular en el tipo de misiones de ataque terrestre a baja altura que se muestran en "Thunderbolt". Cuando voló por primera vez, el P-47 era el avión monomotor más grande y pesado del mundo, y contenía un motor Pratt and Whitney R-2800 increíblemente potente. Puede ser grande, pero el avión era engañosamente rápido y era superior a la mayoría de los aviones alemanes a grandes altitudes. También era mejor en picado debido a su peso. Con sus ocho ametralladoras Browning M2 de calibre .50, podía abrirse paso a través de cualquier avión con el que pudiera encontrarse.

 

Grabado originalmente en 1944 durante la campaña aliada en Italia, Thunderbolt es una especie de documental que sigue a la 12.ª Fuerza Aérea de los EE. UU. y los métodos que utilizan para destruir las rutas de suministro nazis responsables de hacer cumplir la Línea Gustav y la ciudad de Anzio. La Línea Gustav era una serie de estructuras defensivas y nidos de ametralladoras construidas en toda Italia por los alemanes para evitar que las fuerzas estadounidenses se movieran hacia el norte. Esto hizo que fuera muy difícil para las fuerzas estadounidenses hacer algo porque la columna montañosa que atraviesa la península italiana constituía una barrera defensiva natural perfecta. La película repasa una de las armas más efectivas que tenían los estadounidenses durante la campaña en Italia, que era el Republic P-47 Thunderbolt.

 

Interesante documental de guerra. Gloria Ucrania!!!

 

William Wyler durante la filmación de este documental sufrió sordera total debido a que grabó gran parte de la acción desde un ruidoso bombardero B-25.

 

ELECTION

 

Mordaz e ingeniosa comedia negra. Con motivo del cuarto de siglo (23/Abril/1999) de este film he subsanado el no haber visto este refrescante film, cargado de una acidez punzante en su agria crítica al Sueño Americano mediante esta sátira sorbe unas elecciones en un instituto estadounidense, alejándose con ingenio del típico producto teenager, aquí la agudeza de ideas posee una tremenda carga de profundidad. Es el segundo largometraje del siempre recomendable Alexander Payne, que dirige el guion propio escrito junto a Jim Taylor (colaborador habitual en sus comienzos del director de Nebraska, en los libretos de su ópera prima “Ruth, una chica sorprendente”, “A propósito de Schmidt” y “Entre copas”) basada en la novela homónima de 1998 de Tom Perrotta (“The Leftovers” o “Juegos secretos”). La novela se inspiró en dos acontecimientos clave: las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 1992, en las que Ross Perot entró como candidato de un tercer partido (medida que se hizo eco de Tammy Metzler), y un incidente de 1992 en Memorial High School en Eau Claire (Wisconsin), una estudiante embarazada fue elegida reina del baile, pero el personal anunció un ganador diferente y quemó las papeletas para taparlo. Teniendo entre sus aciertos el fenomenal casting coral con Matthew Broderick, Reese Witherspoon, Chris Klein y Jessica Campbell. Payne se mueve con maravilloso equilibrio entre el drama y el humor, tratando temas de enjundia como los populismos, la manipulación afectiva, el arribismo, el egoísmo, la traición, el lesbianismo entre adolescentes, el abuso de poder de los profesores, y sobre todo la corrupción soterrada del poder. Todo ello desarrollado con ritmo feroz, acudiendo ágilmente Payne a recursos narrativos puntiagudos, como la voz en off de varios protagonistas que se van alternando en los puntos de vista para con gran sentido orgánico vayamos sabiendo las motivaciones de los actos de los mismos, ayudado en la puesta en escena por la formidable miscelánea entre la cinematografía de James Glennon (“A propósito de Schmidt”), y la vibrante edición de Kevin Tent (“Entre copas”), dotando de un dinamismo visual fascinante al desarrollo, comb nado todo un caudal fenomenal de recursos ya, como el congelado de imágenes, flashbacks trepidantes, cortes de edición atractivos, elipsis vigorosas,

 

Jim McAllister (Broderick) es profesor de historia y educación cívica de Estados Unidos en Carver High School en Omaha (Nebraska, una vez Payne filmando en su natal Omaha, Nebraska). Una de sus alumnas es Tracy Flick (Witherspoon), estudiante de tercer año de alto rendimiento cuya madre Judith la anima a esforzarse por alcanzar el éxito. A principios de año, el colega y mejor amigo de McAllister, el profesor de geometría Dave Novotny (Mark Harelik), fue despedido de su trabajo y divorciado de su esposa Linda (Delaney Driscoll) después de entablar una relación sexual con Tracy. Si bien McAllister sintió que Dave necesitaba sufrir las consecuencias, le molesta la falta de repercusiones para Tracy. McAllister lucha por concebir un hijo con su esposa, Diane (Molly Hagan), y posteriormente comienza a tener fantasías sexuales tanto con Linda como con Tracy. Consternado por la candidatura sin oposición de Tracy a la presidencia del gobierno estudiantil y temiendo una mayor proximidad con ella, McAllister convence a Paul Metzler (Klein), jugador de fútbol popular, bondadoso pero tonto, para participe en la carrera. Paul, marginado del fútbol por una fractura en una pierna sufrida en un accidente de esquí, descubre su candidatura le da un propósito. También enfurece a Tracy, quien espera competir sin oposición y resiente la popularidad y la educación privilegiada de Paul. Tammy Metzler (Campbell), la hermana menor adoptiva de Paul, es abandonada por su novia Lisa Flanagan (Frankie Ingrassia), quien se convierte en la novia y directora de campaña de Paul. Tammy se venga y se postula para presidenta.

 

La cinta se convierte en un estudio poliédrico de personalidades. Tenemos a Tracy como epítome de las ansias del éxito a toda costa, su cuarto adornado por carteles con lemas de autoayuda tipo “Atrapa un sueño y corre con él!” y “Si puedes imaginarlo, puedes lograrlo!”, donde su madre parece haber volcado en ella sus propios complejos. Adolescente segura de sí misma, narcisista, hipócrita, populista, arrogante, inteligente, y muy sibilina: “Ahora que tengo más experiencia en la vida, lo siento por el señor McAllister. Quiero decir, cualquiera que esté atrapado en el mismo cuartito, vistiendo la misma ropa estúpida, diciendo exactamente las mismas cosas año tras año durante toda su vida, mientras sus estudiantes van a buenas universidades y se mudan a grandes ciudades y hacen grandes cosas y ganar mucho dinero; al menos debe estar un poco celoso. Es como dice mi mamá, los débiles siempre están tratando de sabotear a los fuertes”, ello mientras divertidamente nos dan un montaje sobre el profesor. Reese Witherspoon la encarna con una fuerza y vigor electrizante, te la crees, la ves mimetizada con su altivo rol, la viva estampa de un político medrando para llega sus objetivos individualistas, maravillosa su capacidad expresiva para ir modulando emociones (ejemplo cuando creen la han pillado por lo de los carteles, y cuando cambian las tornas se revuelve como una cobra), maravillosa.

 

Tenemos al tipo ordinario, acomodado en su medianía, disfruta con su trabajo de docente. Tipo inteligente, con un código ético marcado, tiene inquina a la ‘irritante’ Tracy, desea sabotearla como pueda, desde colocarle a dedo a un oponente, hasta transgredir las leyes. Ello mientras en su intimidad su mundo tiene muchas grietas. Matthew Broderick le da vida con gran frescura, añadiendo capas de complejidad, maravilloso como el guion va emparejando su estado de ánimo mental al físico con la aparición de esa abeja, dejando esa imagen de ‘Ogro’ al profesor. El actor le dota de gran capacidad emocional, hace empaticemos con él, con sus debilidades humanas. Emparejado a esto está la incisiva sátira política es potenciada por momentos como cuando el profesor McAllister explica la democracia a Paul, espetándole que esta es tener opción de seleccionar manzana o naranja, representada con dos círculos idénticos en su pizarra, viniendo (soterradamente) a decirte que elijas lo que elijas da igual, aunque te gusten las manzanas, igual si pruebas las naranjas te gustan más, con ello explicando que la democracia es tener opciones.

 

Tammy representa al outsider que está fuera del radar de lo establecido, una rebelde con discurso incendiario: "A quién le sirve esta elección?; a nadie, no les pido que voten por mí, ... es más, voten por nadie", ganándose la ovación de los estudiantes, le falta ‘Viva la anarquía!’. En realidad, lo único que mueve a esta nihilista es su ánimo vengativo con tra su amor lésbico por una joven que la ha dejado por su hermano Paul. Un amor tan profundo como para decir: "Si murieras (a su amor Lisa) ahora mismo, me arrojaría a uno de los camiones de cemento de mi papá y me derramaría sobre tu tumba". Jessica Campbell está brillante como la joven Destroyer Tammy, desprende pureza, radiante en su discurso político tsunami contra todo, exuberante cuando le dan la reprimenda los padres.

 

Paul representa el positivismo sin barreras, el joven acomodado que le viene todo bien, tipo feliz con todo lo que le venga. Seguramente el menos perfilado de los 4, aun así, Chris Klein le dota de una encantadora inocencia.

 

Payne impregna de elementos visuales corrosivos que adornan el humor del film, cuando Jim tiene relaciones sexuales con su esposa, Jim ve sobre la cabeza de su esposa sobreimpresionados varios rostros de otras mujeres; Cuando los padres de Tammy (tras haberse auto-inculpado de haber sido ella la que ha roto los carteles del insti)  dicen a su ella la inscribirán en el colegio religioso Immaculate Heart el siguiente año, Tammy entonces se imagina a todas las chicas con las que podrá tener ‘amor’; Está el detalle del nombre del motel, un corrosivo juego de palabras para lo que en realidad ocurre allí con muchas infidelidades, se llama “American Family Inn”; Encadenado con esto está el detalle de Jim preparando la habitación de motel para su aventurilla adúltera, y coloca una rosa dentro de la típica Biblia (¿?) en la mesita de noche; Esta el tramo desternillante de cómo la noche antes de las elecciones los protagonistas en sus camas oran pidiendo y dando las gracias a Dios (Paul se las da por darle un gran pene!).

 

Todo desembocando en un rush final excelente en como le da la vuelta a todo, adornado por un epílogo notable dando carácter al futuro de cada protagonista (spoiler).

 

Spoiler:

 

Me encanta como Payne nos trata como seres adultos inteligentes con las elipsis, ejemplo como cuando Jim tras haberse acostado con Linda, encuentra a esta y a su esposa juntas en el sofá y lo mitran ambas con desprecio, no hay palabras, ni las necesitamos, como Jim, este sale de la casa sabiendo le han delatado; Como lo hace el director con ese gran giro que tiene el desgraciado Jim, que cree revitalizarse y regenerarse tras separarse de su mujer, y entonces es llamado y vemos al director junto a los contadores de votos y Tracy con dos papeletas en las manos y le miran aviesamente, el primer plano de Jim lo dice todo.

 

Rush final: McAllister supervisa el recuento de las papeletas de las elecciones, Tracy gana por un solo voto. Al ver a Tracy observando el conteo de votos y celebrando preventivamente, con rencor se deshace de dos de las boletos de Tracy, arrojándole la elección a Paul (este pudo haber ganado, pero si bonhomía le hizo votar por Tracy). Las papeletas descartadas se descubren más tarde y Tracy se convierte en presidenta. McAllister se ve obligado a dimitir y el fraude electoral aparece en los titulares. Diane se divorcia de él y se queda con la casa y la mayor parte de sus bienes. Humillado públicamente, McAllister abandona Nebraska y cumple su sueño de mudarse a la ciudad de Nueva York. Se convierte en guía turístico en el Museo Americano de Historia Natural y comienza a salir con Jillian, compañera de trabajo del museo. Paul desarrolla una vida social activa en la Universidad de Nebraska, aunque sin Lisa, quien lo abandona. Tammy encuentra una nueva novia en su escuela católica privada para niñas. Tracy asiste a la Universidad de Georgetown, donde de manera similar se aísla de sus compañeros debido a su naturaleza centrada en el trabajo y está consternada de que muchos de sus compañeros de clase fueron admitidos principalmente a través de conexiones. Tracy extraña el intelecto de Dave y se pregunta si se convirtió en novelista como ella creía que sería; La película muestra a Dave trabajando en una ferretería en Milwaukee-Wisconsin, donde ahora vive con sus padres. En una visita a Washington DC, McAllister ve a Tracy subiendo a una limusina con el congresista Mike Geiger, representante republicano (Payne enseñando su patita demócrata) de Nebraska. Enfurecido porque ella pasará por la vida como lo hizo con Carver, arroja un vaso de refresco al vidrio trasero de la limusina antes de huir. La película termina con McAllister en el museo planteando una pregunta a un grupo de niños de escuela primaria; una niña demasiado ansiosa es la única que responde. Él la ignora.

 

El final original de la película, que fue mal recibido por las audiencias de prueba, no se conoció hasta que se encontró una copia preliminar del mismo en una caja de cintas VHS en una venta de garaje en 2011. Este final también aparece en el tercer borrador del guión, que se puede leer online. Es fiel al libro: McAllister se queda en Omaha y es contratado como vendedor de autos usados ​​por uno de sus antiguos alumnos en lugar de mudarse a Nueva York. Tracy se encuentra con McAllister mientras busca comprar un automóvil y los dos resuelven sus diferencias antes de que ella le pida que firme su anuario.

 

Notable alegoría política. Gloria ucrania!!!

 

“Election” recibió una nominación al Oscar al Mejor Guión Adaptado, una nominación al Globo de Oro para Witherspoon a Mejor Actriz de Comedia o Musical.

 

ABYSS.

 

Muy entretenido film de aventuras con claro toque de ciencia ficción moralista, y en esto que enlaza con su rush final es en lo que falla el film del megalómano James Cameron, que guioniza y dirige. Película que va a cumplir 35 años desde su estreno (8 de agosto de 1989) y se mantiene fresca en sus esplendorosos efectos visuales, gracias la productora de efectos visuales Laura Buff, el supervisor de efectos visuales John Bruno, Dream Quest Images y la Industrial Light & Magic. Técnicamente brillante, con increíble fotografía submarina de Mikael Salomon (“Hermanos de sangre” o “Roma”), fascinantemente iluminada en patinados cutáneos de púrpuras, verdes y azules, en miscelánea con la edición de sonido de Blake Leyh (“Casino” o “Tigre y Dragón”), sea dentro de los límites de la plataforma o en medio del fondo océano, haciéndonos sentir inmersos en este sub mundo, enaltecido por el diseño de producción de Leslie Dilley (“Cariño he agrandado al niño” o “Casper”), creando estos ingenios submarinos cual si estuviéramos en medio del espacio sideral. Aunque entre los elementos no tan incisivos está la música poco inspirada de Alan Silvestri. Entre lo bueno está un reparto que cumple con creces, destacando un estupendo Ed Harris y una formidable Mary Elizabeth Mastrantonio.

 

En enero de 1994, el submarino estadounidense USS Montana, de clase Ohio, se encuentra con un objeto sumergido no identificado y se hunde cerca de Cayman Trough. Mientras los barcos soviéticos se acercan para tratar de salvar el submarino y un huracán se mueve sobre el área, el gobierno de EE. UU. envía un equipo SEAL a Deep Core, una plataforma de perforación submarina experimental de propiedad privada cerca de Cayman Trough, para usarla como base de operaciones. La diseñadora de la plataforma, la Dra. Lindsey Brigman (Mastrantonio), insiste en estar de acuerdo con el equipo SEAL, a pesar de que su ex marido Virgil "Bud" Brigman (Harris) es el actual capataz. Durante la investigación inicial de Montana, un corte de energía en los sumergibles del equipo lleva a Lindsey a ver una luz extraña rodeando el submarino, a la que luego llama "inteligencia no terrestre" o "NTI". El teniente Hiram Coffey (Michael Biehn, actor fetiche hasta entonces de Cameron, lo tuvo en “Terminator”, “Aliens, el regreso” y en esta), líder del equipo SEAL, recibe la orden de acelerar su misión y toma uno de los minisubmarinos sin el permiso de Deep Core para recuperar una ojiva de misil Trident de Montana justo cuando la tormenta golpea arriba, dejando a la tripulación incapaz de desconectarse de su barco de apoyo de superficie a tiempo.

 

Obra épica en su problemática y complicada realización en fondos sub acuáticos que llevaron a multitud de problemas, Cameron ha dicho que el rodaje fue el más difícil, el más arriesgado, colosal esfuerzo realizó todo el equipo (técnico como artístico) para rodarla, casi 12 horas diarias de media que se pegaban ahí los que trabajaban en ella. Dice sobre Abyss que es, de toda su filmografía, la película de la que se siente más orgulloso, hoy día, una de las producciones técnicamente más ambiciosas de la historia del cine. Llevándonos el director canadiense a su gran obsesión como es el mar, donde 8 años después tocó el Olimpo taquillero con “Titanic”, luego su secuela de “Avatar” también tendría como coprotagonista el agua y su vida interior, entre medias varios documentales sobre los océanos (expediciones a los hundidos Titanic y al acorazado Bismarck, entre otros objetivos).

 

Es una cinta con mucho de su anterior realización “Aliens, el regreso” (1986), donde creaba un microcosmos de personajes con camaradería marcada por la testosterona, encerrados en un planeta y una nave varados en medio de la nada y allí son acuciados por un gran peligro. Aquí Cameron vuelve a incidir en la violencia militar, en los abusos del poder, el choque entre ciencia y militarismo, ensalzando a la inteligencia de la mujer como elemento diferencial que sabe dónde está el bien.

 

Todo ello en un argumento bien desarrollado, con espectaculares secuencias de acción, ensalzando cual naves espaciales la ingeniería submarina (la base móvil como nave nodriza, los mini submarinos cual naves espaciales, y los trajes submarinos como uniformes de astronauta, mientras las profundidades del mar es una alegoría del vasto espacio). Una dirección hábil de Cameron hace que sintamos la claustrofobia ambiental, en medio de colapsos por accidentes, incendios, implosiones, enfrentamientos entre submarinos cual toros, todo ello con escenas de una gran tensión dramática, de las que te ponen el vello de punta.

 

Entre lo defectuoso está su rancio mensaje a lo “The Day the Earth Stood Still” (1951), a modo de criticar nuestra militarización, el afán bélico de las grandes potencias, nuestro gusto autodestructivo, y que para seguir adelante necesitaríamos una tutela exterior (buah!!!). Esto sobre todo queda claro en la versión extendida, en la teatral es atrofiada la coda final. Yo aquí juzgo la de 2:51 horas que sobre todo extiende el tramo final para dar sentido a la presencia ‘de afuera’, pero si se agradece el rellenar los huecos de la versión cines, esto repercute en una idea ridícula infantiloide de ‘paz, amor y nada de hambre’, aportando unas secuencias extemporáneas del mundo siendo ‘amenazado’ de modo aparatoso. Esta ‘alerta’ proviene del temor de la Era Atómica de los 50 y 60, en medio de la Guerra Fría con el choque entre los bloques USA vs URSS, estirada hasta los 80, aunque ya en el ocaso de la Unión Soviética. Con lo que este tramo final el film desbarra en una resolución paternalista pueril que que es un tiro en el pie de la producción.

 

Es un film de acción con crucial aporte de romanticismo, un motor de la trama neurálgico  sustentado en la tensa relación entre Bud y Lindsey (el enfadado tira su anillo de compromiso al retrete, aunque luego lo recoge) manejándose hábilmente sus ententes en un desarrollo grácil para hacernos sentir gradualmente como renace la llama del amor entre ellos: Cameron también sabe insertar dosis de humor desengrasante, ello provocado sobre todo por la forma fluida en que crea niveles de camaradería entre el grupo de trabajadores en la plataforma. Asimismo, Cameron tiene éxito incluyendo puntualmente elementos de ciencia ficción creando misterio y suspense alrededor de ello, crea expectativas, aunque luego se sabotea a sí mismo en el rush final. También Cameron maneja bien ‘El arma de Chéjov’, coloca elementos que luego trae a la trama para darles sentido, como es el anillo de compromiso de Bud (utilizado en un momento clave), el líquido para respirar a profundidades abisales (primero lo vemos lo utilizan con un ratón al principio y luego es Bud quien debe usarlo), o el temblor de la mano de Coffey.

 

Teniendo en su gran minutaje secuencias espectaculares, el accidente del submarino USS Montana, la exploración del submarino estadounidense, la grúa colapsando sobre la base submarina, el tramo con Bud y Cattfish tras el Coffey huido, la batalla entre mini sub marinos, el arrollador tramo en que el mini sub marino de Bud y Lindsey se llena de agua y solo tienen un traje de buceo, con esa coda del intento de reanimación, me sentí llevado por los sentimientos, turbador, y por supuesto el conmovedor rush final con Bud tenido que descender al abismo, estremecedor. Aunque, reitero, el clímax-resolución de las historias me ha sido nefasta.

 

Ed Harris es sensacional, con carisma, simpatía, mordaz, seguro de sí mismo, valiente, decidido, y tiene una gran química con la Mary Elizabeth Mastrantonio. Tiene algunas escenas trémulas donde sale a relucir su rabia que nos contagia, como la del intento de reanimación (estremecedor), u la complicada del rush final donde debe expresar sin palabras metido en el casco, muy buena su emocionalidad emitida a través de sus ojos; Mary Elizabeth Mastrantonio da una gran actuación como la dura ingeniera, visceral, con coraje, autosuficiente, sacrificada, un claro émulo de la Teniente Ripley que además tiene una fenomenal interacción con Harris, con el que saltan chispas en la evolución de su complicada asociación, conmovedora en el tramo final comunicándose con Harris; Michael Biehn es el ejemplo de villano militarista, ese símbolo del poder bélico imponiéndose con métodos violentos, el villano de la función, ello azuzado por la presión psicótica debido a las profundidades marinas, que se convierte en histrionismo pasado de vueltas con esa mirada de lunático; Entre los secundarios destaca Leo Burmester como el gracioso sureño vestido con ropas de granjero, Todd Graff como el disfuncional operario con mascota de un ratón blanco, aporta vitalismo a su rol, Kimberly Scott como la piloto con gustos de cowboy para vestir es una presencia cuasi marginal.

 

Spoiler:

 

Rush final: Se decide necesitan desarmar la ojiva, está a más de 2 millas (3,2 km) por debajo de ellos. Un SEAL, el alférez Monk, ayuda a Bud a usar un traje de buceo experimental equipado con un aparato de respiración líquida para sobrevivir a esa profundidad, aunque solo podrá comunicarse a través de un teclado en el traje. Bud comienza su inmersión, asistido por la voz de Lindsey para mantenerlo coherente contra los efectos de la creciente presión, y llega a la ojiva. Monk lo guía para desarmarla con éxito (muy bueno cuando le dicen el color del cable a cortar y la luz que ilumina la ojiva da como resultado que todo es amarillo). Con poco oxígeno en el sistema, Bud explica que sabía que era un viaje de ida y le dice a Lindsey que la ama. Mientras espera la muerte, un NTI se acerca a Bud, toma su mano y lo guía a una enorme ciudad alienígena en las profundidades de la fosa. Dentro, los NTI crean una bolsa atmosférica para Bud, lo que le permite respirar normalmente. Alarmados de que los impulsos autodestructivos de la humanidad pudieran causar un daño ambiental real al planeta, los NTI casi acabaron con la especie (vemos un chusco montaje de olas gigantes por todo el planeta que se detienen de modo risible justo antes de colapsar contra la población asustada y vuelve atrás), decidieron no hacerlo debido a la fe y el amor mutuo de Bud y Lindsey. Luego, los NTI reproducen el mensaje de Bud a su esposa y se miran con comprensión. Recordatorio para los humanos de que son sólo una parte de un sistema mucho más grande. En Deep Core, la tripulación está esperando el rescate cuando ven un mensaje de Bud que dice que se encontró con algunos amigos y les advierte que se mantengan firmes. La base tiembla y las luces de la trinchera anuncian la llegada de la nave alienígena. Se eleva a la superficie del océano, con Deep Core y varias de las naves de la superficie encalladas en su casco. La tripulación de Deep Core sale de la plataforma, sorprendida de no estar muerta por la repentina descompresión. Ven a Bud saliendo de la nave alienígena y Lindsey corre a abrazarlo. Fin; Menuda idiotez, ósea, que si guerreamos entre nosotros seremos castigados con que nos destruirán (¿?). Y la gente inocente? De una aparatosidad Idiotesca la supernave alíen emergiendo de las profundidades. Primero, por lo visto que pueden hacer con el mar podrían haberlos sacado a la superficie sin mover tal macro nave pantagruélica. Y tenemos que tragarnos que

 

En la versión extendida, los acontecimientos de la película se desarrollan en un contexto de conflicto entre Estados Unidos y la Unión Soviética, con potencial para una guerra total. El hundimiento del Montana también alimenta la agresión. Además, hay más conflicto entre Bud y Lindsey con respecto a su relación anterior. La principal adición es el final: cuando Bud es llevado a la nave alienígena, los extraterrestres comienzan mostrándole imágenes de guerra y agresión de fuentes de noticias de todo el mundo. Luego, los extraterrestres crean megatsunamis masivos que amenazan las costas del mundo, pero los detienen antes de que golpeen. Bud pregunta por qué perdonaron a los humanos y le muestran a Bud su mensaje a Lindsey antes de llevarlo a él, a la nave alienígena y a Deep Core a la superficie.

 

HG Wells fue el primero en introducir la noción de un extraterrestre marino en su cuento de 1897 "In the Abyss". La idea de The Abyss se le ocurrió a James Cameron cuando, a los 17 años y en la escuela secundaria, asistió a una conferencia científica sobre el buceo en aguas profundas impartida por un hombre, Francis J. Falejczyk, primer ser humano en respirar líquido a través de su pulmones en experimentos realizados por Johannes A. Kylstra en la Universidad de Duke. Posteriormente escribió una historia corta que se centró en un grupo de científicos en un laboratorio en el fondo del océano. La idea básica no cambió, pero muchos de los detalles se fueron modificando con el paso de los años. Una vez Cameron llegó a Hollywood, rápidamente se dio cuenta que un grupo de científicos no era tan comercial y lo cambió por un grupo de trabajadores manuales. Mientras hacía Aliens, Cameron vio una película de National Geographic sobre vehículos operados a distancia que operan en las profundidades del Océano Atlántico Norte. Estas imágenes le recordaron su cuento. Él y la productora Gale Anne Hurd decidieron The Abyss sería su próxima película. Cameron escribió un tratamiento combinado con elementos de un guión de rodaje, generó mucho interés en Hollywood. Luego escribió el guión, basando el personaje de Lindsey en Hurd y lo terminó a finales de 1987. Cameron y Hurd se casaron antes de The Abyss, se separaron durante la preproducción y se divorciaron en febrero de 1989, dos meses después del director. fotografía.

 

Las secuencias submarinas para la película se filmaron en una unidad de los Gaffney Studios, situada al sur de Cherokee Falls, en las afueras de Gaffney, Carolina del Sur, había sido abandonada por los funcionarios de Duke Power después de gastar previamente $ 700 millones en la construcción de la planta de energía nuclear Cherokee, a lo largo de Owensby Street, Gaffney, Carolina del Sur. Se utilizaron dos tanques especialmente construidos. El primero, basado en la vasija de contención del reactor primario de la planta abandonada, contenía 7,5 millones de galones estadounidenses (28.000 m 3) de agua, tenía 55 pies (18 m) de profundidad y 209 pies (70 m) de ancho. En aquel momento era el tanque filtrado de agua dulce más grande del mundo. Se rodaron escenas adicionales en el segundo tanque, foso de turbina en desuso, contenía 2,5 millones de galones estadounidenses (9.500 m 3 ) de agua. [12] Mientras el equipo de producción se apresuraba a terminar de pintar el tanque principal, entraron millones de galones de agua y tardaron cinco días en llenarse. La plataforma Deepcore estaba anclada a una columna de hormigón de 90 toneladas en el fondo del tanque grande. Constaba de seis módulos parciales y completos que tardaron más de medio año en planificarse y construirse desde cero.

 

Can-Dive Services Ltd., una empresa canadiense de buceo comercial especializada en sistemas de buceo de saturación y tecnología subacuática, fabricó especialmente las dos embarcaciones de trabajo (Flatbed y Cab One) para la película. Se gastaron dos millones de dólares en la construcción del set. El rodaje también se realizó en el lago subterráneo más grande del mundo, una mina en Bonne Terre, Missouri, que sirvió de fondo para varias tomas submarinas.

 

El director de fotografía de Cameron, Mikael Salomon, utilizó tres cámaras en carcasas estancas diseñadas especialmente para ello. Se diseñó otra carcasa especial para escenas que iban del diálogo sobre el agua al diálogo bajo el agua. Los realizadores tuvieron que descubrir cómo mantener el agua lo suficientemente clara para filmar y lo suficientemente oscura para parecer realista a 2000 pies (700 m), lo que se logró haciendo flotar una gruesa capa de cuentas de plástico en el agua y cubriendo la parte superior del tanque con una enorme lona. Cameron quería ver las caras de los actores y escuchar su diálogo, por lo que contrató a Western Space and Marine para diseñar cascos que permanecieran ópticamente claros bajo el agua e instaló micrófonos de última generación con calidad aeronáutica en cada casco. Las condiciones de seguridad también fueron un factor importante con la instalación de una cámara de descompresión en el lugar, junto con una campana de buceo y un buzo de seguridad para cada actor.

El líquido respiratorio utilizado en la película existe en realidad, pero sólo se ha investigado a fondo en animales. Durante los 20 años anteriores se había probado en varios animales, que sobrevivieron. La rata que aparece en la película estaba respirando líquido y sobrevivió ilesa. La producción consultó con el Dr. Kylstra sobre el uso adecuado del líquido respiratorio para la película. Ed Harris en realidad no respiró el líquido. Contuvo la respiración dentro de un casco lleno de líquido mientras lo remolcaban 30 pies (10 m) por debajo de la superficie del gran tanque. Recordó que los peores momentos fueron cuando lo remolcaron con el líquido subiéndole por la nariz y con los ojos hinchados.

 

Para crear el tentáculo de agua alienígena, Cameron inicialmente consideró la animación celular o un tentáculo esculpido en arcilla y luego animado mediante técnicas de stop-motion con reflejos de agua proyectados sobre él. Phil Tippett sugirió que Cameron se pusiera en contacto con Industrial Light & Magic. El trabajo de efectos visuales especiales se dividió entre siete divisiones de FX con trabajo de control de movimiento de Dream Quest Images y gráficos y ópticas por computadora de ILM. ILM diseñó un programa para producir ondas superficiales de diferentes tamaños y propiedades cinéticas para el pseudópodo, al que ILM se refirió informalmente como el "pito de agua". Para el momento en que imita los rostros de Bud y Lindsey, Ed Harris hizo escanear ocho de sus expresiones faciales, mientras que doce de Mastrantonio fueron escaneadas mediante un software utilizado para crear esculturas CGI. El set fue fotografiado desde todos los ángulos y recreado digitalmente para que el pseudópodo pudiera componerse con precisión en el metraje de acción real. Para la secuencia en la que Mary Elizabeth Mastrantonio toca la superficie del seudópodo, la entonces recepcionista de ILM, Alia Agha, actuó como modelo de mano. La empresa pasó seis meses para crear 75 segundos de gráficos por computadora necesarios para la criatura. Se utilizó una impresora óptica para la composición de la secuencia, excepto en la toma en la que el pseudópodo vuelve a convertirse en agua corriente, que se compuso digitalmente. Las secuencias animadas CGI fueron supervisadas por el director de animación de ILM, Wes Takahashi.

 

Estos problemas son uno de los muchos elementos móviles que calientan el sentido de urgencia de la película. Parecemos estar al borde de una guerra nuclear (que empezó porque pensamos que los rusos hundieron el submarino) y la raza alienígena, el deus ex machina de Cameron, interviene para salvarnos de nosotros mismos. Este punto se silenció en la versión de media hora más corta que se estrenó en los cines estadounidenses, pero todo está ahí en la versión de Cameron. Estaba muy, muy preocupado por la bomba en los años 80, hasta que finalmente en Terminator 2 se rindió y nos mostró cómo sería un holocausto nuclear.

 

Inspirado por el relanzamiento de Blade Runner en 1992, que restauró imágenes eliminadas de la innovadora película de Ridley Scott de 1982 y al mismo tiempo eliminó las adiciones dictadas por Warner Bros., a principios de los años 90 se produjo un auge en los relanzamientos de "versión del director", una tendencia que destacó La tensión creativa en el cine de gran presupuesto. El término rápidamente dejó de tener sentido (¿unos segundos más de desnudez en Basic Instinct marcan una diferencia artística significativa?), pero planteó preguntas provocativas. Tan revelador a su manera como Blade Runner y Brasil es el caso de The Abyss de James Cameron, una aventura submarina extrañamente personal estrenada en 1989 con 140 minutos de duración y reeditada unos años más tarde ampliada en 31 minutos recortada por sugerencia del estudio por razones de tiempo. Qué diferencia hace media hora? Mucho, y no siempre en la forma que cabría esperar. En ambas versiones, Ed Harris interpreta a un experto en aguas profundas cuyos perforadores contratados comercialmente vienen a investigar un accidente de submarino nuclear. La misión lo reúne con su ex esposa Mary Elizabeth Mastrantonio y los obliga a ambos a poner sus vidas en peligro para frustrar a un Navy SEAL (Michael Biehn) trastornado y portador de ojivas nucleares, que amenaza con destruir una especie de extraterrestres inteligentes recientemente desenterrada. Casi todas las restauraciones pueden considerarse sin reservas una mejora con respecto al original: hacer la historia más completa, desarrollar el entorno submarino y establecer mejor la relación inesperadamente conmovedora entre Harris y Mastrantonio, hasta llegar a una conclusión que depende de la tolerancia del público hacia una Nueva Era a través del mensaje de paz y amor de El día que la Tierra se detuvo. Todo lo cual plantea preguntas interesantes: ¿Quién tenía razón? Los instintos de Cameron parecen acertados durante la mayor parte de la película, pero al final lo abandonan. El final original recortado puede haber sido insatisfactorio, pero al menos parecía coincidir con el resto de la imagen. ¿Y qué hacer con el hecho de que el propio Cameron no parece particularmente resistente a los cambios? Esta nueva edición en DVD presenta ambas versiones de la película, lo que permite a los espectadores juzgar por sí mismos y plantear sus propias preguntas. Un documental de una hora de duración, una serie de detalles detrás de escena y un comentario subtitulado revelan cuán tortuosa fue la realización de The Abyss, gran parte realizada bajo el agua durante hasta 12 horas seguidas en un lugar abandonado. reactor nuclear—era para todos los involucrados. ¿A qué sirvió mejor ese trabajo, un compromiso comercial presentable o un trabajo de integridad artística, en última instancia, extravagante? Cualquiera que sea la respuesta, esta versión de The Abyss presenta una película emocionante, a menudo hermosa, en el mejor escenario posible, lo que permite un examen completo de la paradoja de intentar hacer una película del tamaño de un éxito de taquilla con visión. Con una duración de casi tres horas, la edición especial de The Abyss logra ser demasiado larga de una manera interesante. Se olvida su historia. Hay aproximadamente una hora allí con los valientes trabajadores petroleros submarinos luchando contra el militar psicótico; hay escenas de lucha y escenas de persecución y escenas dramáticas y todo tipo de escenas... nada sobre la historia real de la película, que tiene algo que ver con extraterrestres salvando a la raza humana de sí misma. La tesis de Cameron es increíblemente ingenua y también una fantástica evasión. Gracias a algunas imágenes de noticieros en las que se preguntaba a los estadounidenses si estaban al borde del abismo con los soviéticos, está claro que Cameron echa toda la culpa de la xenofobia a los militares. Es un movimiento muy, muy tonto... y totalmente tomado de 2010 (creo que tanto del libro como de la película).

 

Film nominado a cuatro premios Óscar, ganó el premio Óscar a los mejores efectos visuales.

 

Film muy bueno, te atrapa en el fondo marino con intensidad dramática, hasta que llega el rush final y la cagan. Gloria Ucrania!!!

 

EL DIARIO DE ANA FRANK

 

Delicioso drama biográfico, aun con sus defectos, es más que interesante la propuesta valiente de denuncia de la intolerancia al diferente. George Stevens se unió al Cuerpo de Señales del Ejército de EE. UU. y dirigió una unidad cinematográfica de 1943 a 1946, bajo el mando del general Dwight D. Eisenhower. Su unidad filmó imágenes, incluida la única película en color de la guerra en Europa (permaneció archivada durante décadas), documenta el desembarco de Normandía (Día D), la liberación de París, el encuentro de las fuerzas estadounidenses y soviéticas en el río Elba y el descubrimiento aliado tanto del campo de trabajo de Duben como del campo de concentración de Dachau.  Stevens ayudó a preparar las imágenes de Duben y Dachau y otro material para su presentación durante los Juicios de Nuremberg; esto fue publicado como “Los campos de concentración nazis” de una hora de duración (1945). Fruto de este compromiso contra los nazis surgió este famoso film (En el momento de la producción de la película, el libro ya había vendido millones de copias en todo el mundo, considerándose el libro de no ficción más leído de la historia) basada en la obra de teatro homónima ganadora del Premio Pulitzer de 1955, que a su vez se basó en el diario publicado póstumamente de Ana Frank, niña judía nacida en Alemania que vivió escondida en Amsterdam con su familia durante la WWII. Guión de Frances Goodrich y Albert Hackett. Es la primera versión cinematográfica tanto de la obra como de la historia original, y cuenta con tres miembros del elenco original de Broadway. Todos los escritos de Frank en su diario fueron dirigidos como "Querida Kitty". Fue publicada después del final de la guerra por su padre, Otto Frank. Toda su familia había sido asesinada en el Holocausto. Los interiores se rodaron en Los Ángeles en un escenario de sonido duplicado de la fábrica de Ámsterdam, y los exteriores se filmaron en el edificio real. La versión que he visto es la íntegra de tres horas, con esa práctica común para los films de larga duración de colocar obertura, intermisión y fin alargado.

 

Este es un ejercicio de estilo al contar la historia de 8 personajes encerrados en unos pocos metros (en el ático de una fábrica en la Amsterdam ocupada por los nazis), donde pasaran meses, un relato épico de supervivencia. Stevens tiene gran éxito en transmitir la claustrofobia y el dramatismo inherente a la situación, gracias al fenomenal trabajo en la cinematografía en glorioso b/n de William C. Mellor (“Vidas Borrascosas” o “Un lugar bajo el sol”), filmando en Cinemascope extra ancho, con marcados contrastes de grises, juegos de claroscuros, la cámara apenas sale del edificio o habitaciones donde se escondieron los protagonistas, el objetivo fluye por la estancia, con trémulos primeros planos, con contrapicados que encorsetan en los techos a los protagonistas, con hermosos insertos poéticos del exterior por la ventana de la buhardilla, puerta al espíritu de libertad, con ese cielo infinito, con el paso de las estaciones, como cuando vemos la nieve entrar por la ventana rota, esa hermosa escena con la ropa tendida y Anne y Peter sorteando las telas de modo juguetón, como genial en la construcción de la tensión en las escenas en que irrumpen furtivamente en la fábrica. Esto en miscelánea con la dirección artística de George W. Davis (“Eva al desnudo”) y Lyle R. Wheeler (“Lo que el viento se llevó”), que crea unos escenarios que cual casa de muñecas la cámara en conjunción con la edición hace nos sintamos adentro traspasando los suelos.

 

Salpicando el relato de tensión con discusiones entre los ‘escondidos’, con problemas de espacio, con problemas de comida, con chantajistas, con los bombardeos, los problemas que da el gato, la tensión por el abrigo de piel, pero también sus momentos de alegría con la llegada de la radio que les da noticias de la guerra, con la noticia del desembarco aliado en África, con la celebración de Hanukkah, la forma tan hermosa en que Anna describe se ha convertido en ‘mujer’ adulta desde la guardilla, la inyección de esperanza de saber del Día D, con ladrones abajo, tramo este que se repite rodado con gran gusto para transmitir emoción palpitante en silencio, esto enlazado a cuando el ladrón sale huyendo y deja abierta la puerta de la calle, de cortar la respiración lo que sucede.

 

Aunque no es una película perfecta. Tiene un romance (cuasi-triángulo) que me chirría en la forma de darse, y sobre todo me repatea que me quieran conmover con una historia real, que ya tiene su chicha, que tiene suficientes ingredientes para estremecerme, como para que me cuelen un amor que no fue rea, es una licencia que me cruje, y encima la forma en que se lo toman las familias, me es estridente y nada verosímil; También para un metraje de tres horas le falta historia, para querer hacernos sentir allí el director reitera situaciones, estira otras, incurriendo en tramos de densidad que estanca el desarrollo.

 

Historia narrada en racconto. En 1945, Otto Frank (Joseph Schildkraut) regresa a Ámsterdam después de terminada la WWII. Después de subir las escaleras hacia una buhardilla desierta, se le unen y le brindan consuelo Miep Gies (Dodie Heath) y el Sr. Kraler (Douglas Spencer), trabajadores de oficina lo protegieron a él y a su familia de los nazis. Otto comienza a buscar el diario escrito por su hija menor, Anne (Millie Perkins). Miep lo recupera rápidamente para él y recibe consuelo leyendo las palabras escritas por Anne tres años antes. Ahora, en este flash-back que cubre el grueso de la historia, oiremos omniscientemente la narración en off del diario de Anna Frank. La acción se remonta a julio de 1942, y Anne comienza escribiendo sobre las restricciones impuestas a los judíos que llevaron a los francos a esconderse sobre la fábrica de especias. Compartiendo el escondite de los Frank están los Van Daan, Petronella y Hans (Shelley Winters y Lou Jacobi) y su hijo adolescente, Peter (Richard Beymer). Kraler, que trabaja en la oficina de abajo, y Miep, su asistente, han preparado el escondite y advierten a las familias deben guardar estricto silencio durante las horas del día mientras los trabajadores estén allí. Kraler entrega comida y una caja para Anne compilada por Otto, que contiene sus amadas fotografías de estrellas de cine y un diario en blanco. A medida que pasan los meses, la energía incontenible de Anne se reafirma y constantemente se burla de Peter, cuyo único apego es su gato, Mouschi. Tiempo después Kraler les pide acojan a otra persona, un dentista judío llamado Albert Dussell (Ed Wynn), quien relata las terribles condiciones afuera, en las que los judíos desaparecen repentinamente y son enviados a los campos de concentración, y confirma la desaparición de muchos de sus amigos.

 

Millie Perkins está maravillosa como la enternecedora Ana Frank (Susan Strassberg la hizo en teatro), he leído críticas en su contra, pero a mí me ha resultado muy entrañable, su rostro fino (un cuasi-clon de Audrey Hepburn, a la que Ana se parecía, de hecho, Otto Frank le pidió a la actriz belga la interpretara). En su debut en cine me resulta conmovedora, te la crees con esa mirada limpia, pura, sientes su dolor, su alegría, su frustración, como la ves aterrada tras la pesadilla con una amiga que ve en un campo de concentración y se despierta gritando. Te daña su melancolía, la sientes un alma libre con ilusiones, como bien le dice a Peter sobre querer ser escritora (ha sido la de más éxito de la historia, lástima que tuviera que morir para ello); Joseph Schildkraut repite su actuación del escenario. Maravilloso exhibiendo temple, humanidad, cariño, sabiduría, orgullo, cautivador en su relación con la hija. Su imagen quebrada al inicio del film estremece, muy bueno; Shelley Winters está brillante (cuando no?) como la Sra. Daan, áspera, adusta, protectora, una mujer simple, que siente que su mundo ha colapsado y quiere mantener a pesar de ello algo a lo que asirse (su abrigo de piel), excelsa expresando emociones de modo natural. Winters aumentó 15 libras extra antes de comenzar el rodaje y luego, a medida que avanza la historia y su nutrición disminuye, perdió 25 libras; Lou Jacobi como Hans van Daan repitiendo su papel teatral, otro que borda su pusilánime personaje arrastrado por los instintos básicos; Richard Beymer como Peter van Daan, impregna de nostalgia y frustración su papel, desea unirse al esfuerzo de guerra contra los nazis. Tiene buena química con Millie; Diane Baker como Margot Frank, la madre de Anne, se muestra como una mujer de carácter, con una complicada relación con su hija, desplegando gran sentimiento que nos toca la fibra, tenido su gran clímax cuando descubre al ‘ladrón’ derrochando fuego en su ira incontenible, así como con su reacción posterior dolida consigo misma, muy buena; Gusti Huber como Edith Frank repitiendo su papel teatral, tiene poca cancha en su actuación, muy lacónica, expresando mucho con su mirada y timidez, buena; Ed Wynn aporta dosis de humor en su rol quisquilloso como el Sr. Dussell, refugiado soltero de mediana edad; Douglas Spencer como el Sr. Kraler y Dody Heath como Miep, dueños del refugio que amparan y procuran comida a los escondidos aportan cariño, aunque me faltaría algo de su temor.

Spoiler:

 

Rush final: Una mañana, Van Daan intenta robar un poco de pan a los demás, pero Edith lo atrapa y lo denuncia, ordenándole a él y a su familia que se vayan. Mientras Dussell y la señora Van Daan se pelean por la comida, por la radio llega la noticia de la invasión aliada de Francia y el señor Van Daan rompe a llorar de vergüenza. Alentados por la noticia, todos se disculpan por sus duras palabras y Anne sueña con volver a la escuela en otoño. En julio de 1944, la invasión se había estancado y Kraler fue hospitalizado con úlceras. Al enterarse de que la policía ha encontrado la máquina de escribir robada, Anne escribe que su diario le proporciona una forma de seguir viviendo después de su muerte. Los Van Daan comienzan a pelear una vez más, y Peter declara que no puede tolerar la situación y Anne lo tranquiliza recordándole la bondad de quienes han acudido en su ayuda. Su conversación es interrumpida por las sirenas de un camión de policía que se acerca. Seguros de su inminente arresto, se besan apasionadamente. Mientras la policía uniformada alemana derriba el local y la entrada de la estantería, Otto declara que ya no tienen que vivir con miedo, sino que pueden seguir adelante con esperanza. En 1945, Otto les cuenta a Miep y Kraler su largo viaje a casa después de su liberación de Auschwitz. Se enteró de las muertes de Edith, Margot, los Van Daan y Dussell, y espera que Anne haya sobrevivido de alguna manera hasta que tristemente revela que conoció a una mujer que había estado en Bergen-Belsen con Anne y confirmó su muerte. Luego echa un vistazo al diario de Ana y lee: "A pesar de todo, sigo creyendo que la gente es muy buena de corazón", y reflexiona sobre su optimismo inquebrantable.

 

Ganó 3 Oscar, incluido el de Mejor Actriz de Reparto para Shelley Winters. Shelley Winters luego donó su Oscar al Museo de Ana Frank. En 2006, fue honrada como la decimoctava película estadounidense más inspiradora en la lista 100 años...100 Cheers de AFI.

 

Justo antes de ser arrestado, Otto Frank: “Durante los últimos dos años vivimos con miedo, ahora podemos vivir con esperanza”.

El epílogo intenta sin lugar a dudas enviar un mensaje optimista. Todo se remonta a 1945, cuando Otto les cuenta a Miep y Kraler que después de ser liberado del campo de concentración se enteró de cómo habían muerto Edith, Margot, los Van Daan y Dussell. Aunque siempre había esperado que Anne sobreviviera de alguna manera, luego revela con tristeza que mientras estaba en Rotterdam, conoció a una mujer que había estado en Bergen-Belsen con Anne y ella le confirmó la muerte de su hija. Luego, Otto echa un vistazo al diario de Ana y lee: "A pesar de todo, sigo creyendo que la gente es realmente buena de corazón".

 

Nueve nominaciones al Oscar: Película; Director George Stevens; Actriz de reparto Shelley Winters; Actor de reparto: Ed Wynn; Fotografía (b/n): William C. Mellor; Dirección de arte-decoración del decorado (b/n) Lyle R. Wheeler y George W. Davis; Walter M. Scott y Stuart A. Reiss; Diseño de vestuario (b/n): Charles LeMaire y Mary Wills; Música de una película dramática o de comedia Alfred Newman; Premios Óscar 3: Actriz de reparto, Cinematografía, Dirección artística. En 1959, la epopeya histórica de William Wyler “Ben-Hur” arrasó con la mayoría de los premios Oscar, incluidos Mejor Película y Mejor Director; Shelley Winters como la señora van Daan ganó su Oscar como mejor actriz de reparto. Winters donó el Premio al Museo de Ana Frank en Ámsterdam, después de prometerle a Otto Frank que lo haría si ganaba el premio y permanece en exhibición permanente en el museo hasta el día de hoy. Otto Frank -bien interpretado por Joseph Schildkraut- y uno de los hombres que habían ayudado a su familia, Johannes Kleiman, fueron contratados como asesores técnicos. Otto Frank trabajó estrechamente con la producción, se reunió con Diane Baker y Millie Perkins y aprobó su elección para interpretar a sus difuntas hijas Margot Frank y Ana Frank. Sin embargo, nunca se atrevió a ver la obra o la película.

 

La fotografía principal se llevó a cabo del 5 de marzo al 11 de agosto de 1958, con escenas adicionales rodadas en noviembre. El trabajo de localización se realizó en Ámsterdam, mientras que el decorado del anexo se construyó en los estudios 20th Century-Fox de Los Ángeles.

 

Dice mucho sobre que el final original, encontraba a Ana en Bergen-Belsen, no tuvo buenos resultados con el público, por lo que Stevens pasa a una toma de gaviotas en el cielo y un fragmento de narración que no está tomado del libro.

 

Hay varios comentarios biográficos sobre Ana Frank: Ella nació el 12 de junio de 1929 en Frankfurt am Main, Alemania. Sus padres fueron Otto y Edith Frank. Durante los primeros cinco años de su vida, Anne vivió con sus padres y Margot, su hermana mayor, en un apartamento en las afueras de Frankfurt. Después de que los nazis llegaron al poder en 1933, Otto Frank huyó a Amsterdam, en los Países Bajos, donde tenía contactos comerciales. Pronto siguió el resto de la familia Frank, siendo Ana la última en llegar en febrero de 1934 porque se había quedado con sus abuelos en Aquisgrán. El destino de los francos y otros judíos de Ámsterdam estuvo marcado por la ocupación alemana de la ciudad. Ciudad, que comenzó en mayo de 1940. A principios de 1942, los alemanes comenzaron los preparativos para deportar judíos de los Países Bajos a centros de exterminio en el este. En aquel momento exigieron que todos los judíos holandeses se concentraran en Amsterdam. También decidieron internar a todos los judíos no holandeses en el campo de tránsito de Westerbork. Desde Westerbork, los funcionarios alemanes deportaron a judíos a los centros de exterminio de Auschwitz-Birkenau y Sobibor en la Polonia ocupada por los alemanes. El primer transporte de deportación salió de Westerbork el 15 de julio de 1942 con destino a Auschwitz-Birkenau. Estas deportaciones y la intensificación de las medidas antisemitas alarmaron a muchos judíos en los Países Bajos, entre los que se encontraban los francos. Ana y su familia decidieron esconderse en los primeros 15 días de julio de 1942. Más tarde se les unieron otros cuatro judíos: Hermann, Auguste y Peter van Pels, así como Fritz Pfeffer. Durante dos años, todos vivieron en un apartamento secreto en el número 263 de Prinsengracht. El apartamento se encontraba detrás de las oficinas comerciales en las que Otto Frank había trabajado como director de empresa. En su diario, Ana se refiere al escondite como el "anexo secreto". Johannes Kleiman, Victor Kugler, Johan Voskuijl, Bep Voskuijl, Jan Gies y Miep Gies, amigos y colegas de Otto Frank, ayudaron a montar el escondite y llevaron comida y ropa de contrabando a los Frank, arriesgando sus propias vidas. Durante el tiempo que estuvieron escondidos, Ana llevó un diario donde escribió sobre sus miedos, esperanzas y experiencias. Luego se produce el arresto y la deportación. El 4 de agosto de 1944, las SS y la policía alemanas descubrieron el escondite. Durante mucho tiempo se creyó que las autoridades habían actuado siguiendo una pista de un holandés anónimo, pero una teoría más reciente encontró que los alemanes descubrieron el escondite por casualidad mientras investigaban informes de trabajo ilegal que se estaba realizando en la casa y cometieron fraude con los cupones de racionamiento.

 

Ana Frank: El diario de una joven se publicó por primera vez en Europa en 1947, y luego en inglés en el Reino Unido y Estados Unidos en 1952. El verdadero diario de una niña judía que pasó dos años escondiéndose de los nazis en un ático de Ámsterdam. junto a su familia, una segunda familia y otro hombre, inmediatamente capturó la atención del mundo por su relato honesto y sincero de una joven en crecimiento y sus experiencias en la Segunda Guerra Mundial. Fue aún más conmovedor por el hecho de que los francos y sus amigos finalmente fueron descubiertos, y que, aunque el diario de Ana sobrevivió a la guerra, ella no. Murió en el campo de concentración de Bergen-Belsen en 1945. Tenía quince años. En 1955, los escritores Frances Goodrich y Albert Hackett escribieron y pusieron en escena una versión teatral del diario, retitulada El diario de Ana Frank , por la que ganaron un Pulitzer. Unos años más tarde, Goodrich y Hackett adaptaron la obra para la gran pantalla. George Stevens, que además de dirigir clásicos como Un lugar en el sol y Gigante también había dirigido documentales para la posguerra, se hizo cargo del proyecto, y la película ganadora del Oscar de El diario de Ana Frank se estrenó en 1959.

 

Otto Frank le escribió a Audrey Hepburn para preguntarle si interpretaría el papel de su hija, Ana. Le dijo que su hija se habría sentido honrada de que una actriz tan famosa de Hollywood la interpretara en una película, y también destacó el asombroso parecido que existía entre Ana y Hepburn cuando ella era adolescente. Al principio, ella se interesó en el papel y su nombre aparece en la contraportada de las copias del diario impresas y vendidas para promocionar la "próxima película". Durante el período de casting, Hepburn finalmente respondió rechazando la oferta, diciendo que sentía que era demasiado mayor y que carecía de las habilidades para interpretar a Anne. Dijo que se sentía muy honrada de que se le hubiera dado la opción y destacó la similitud entre su propia experiencia de guerra y la de los francos y los demás en el anexo. Hepburn y Anne nacieron con un mes de diferencia entre mayo y junio de 1929, y ambas pasaron su adolescencia en la Holanda ocupada por los nazis. El papel fue para la recién llegada estadounidense Millie Perkins.

 

“The Diary” se publicó por primera vez como una memoria y luego se convirtió en la fuente de una obra de Broadway de Frances Goodrich y Albert Hackett. Desde 1959 se han realizado varios documentales, películas para televisión y miniseries sobre la víctima del Holocausto, intentando contar la historia desde diferentes perspectivas.

 

Muy recomendable obra humanista. Gloria Ucrania!!!